LA BELLOTA RADIACTIVA

Arrebato

2008-10-13T16:09:00.003+01:00

En 'Arrebato' (Iván Zulueta, 1979) encontramos un personaje único en la historia del cine español: Pedro (Will More). Un niño juguetón eclipsado por el mundo onírico del cine, misántropo premeditado aunque frágil ante las tentaciones sociales.

Digamos que todo a mi alrededor se nubla, se oscurece y se enfría. Hace mucho frío. Quizás demasiado. Inocente, busco un camino, un arrebato que me libere, un sendero hacia la creatividad, un grito enérgico hacia la originalidad.

Al entrañable Pedro, el cine y las drogas le arrebatan la vida. A plena luz del día. Sin más preámbulos. Y a nosotros la película nos arrebata. Sin más.

El sendero que busco no aparece. Demasiada niebla, demasiado frío. Un maravilloso amigo director siempre teoriza que el único tema trascendental del celuloide es el paso del tiempo. ¿Qué es la vida, si no?

Este blog es uno de esos senderos que no van a ninguna parte. Es una pista falsa más en la fría noche. Es un anodino reflejar del paso del tiempo. Que me engaña, que me hace envejecer. Y yo no quiero envejecer. Como Pedro. Espero recuerden este paraje con cariño, pero el cine me arrebata. Quizás demasiado.

El sendero que busco no aparece. Y yo no quiero envejecer.

13 de Octubre del 2008, Rubin Stein

El calor del infierno

2008-08-08T09:22:00.002+01:00

Probablemente en el infierno pudieramos compartir una deliciosa parrillada de cuerpos humanos. Algo parecido a lo que pueden encontrarse estos días en las manidas costas españolas. Es como sobrevivir un Sábado por la tarde a un Carrefour sin aire acondicionado. Pero con helados. Muchos helados.

Les haré una extraña confesión: desde muy pequeño tengo una gran tendencia a no soportar el calor. No le entiendo y él no me comprende a mi. Como anexo, la obsesión masiva por una piel bronceada es probablemente una de las mayores patadas contemporáneas a las teorías evolutivas de Darwin. Esta tendencia al negro es lo más parecido a involucrarse en una espiral Nietzschiana de derrota y oscurantismo.

Amigos, la luz es blanca. Ilumínense. El blanco es el color de los Dioses. De los trajes espaciales. De la pureza. De la paz.

Que llueva. Que llueva. Que llueva y no pare. Y bailemos. Y cantemos.

PEZ

2008-07-07T13:56:00.004+01:00

Un hombre rodeado de aire. Un pez en busca de un hombre. El hombre, sin aire, muere. No sabe porqué. El pez tampoco.

Con ustedes, mi videoclip para el concurso de Lori Meyers en notodofilmfest. Que lo disfruten.

Pinchando AQUÍ.

Welcome to Violence

2008-06-11T17:07:00.003+01:00

Bebiendo sin ningún tipo de remordimiento de fuentes tan viscerales como The Clockwork Orange de Sir Kubrick, el imparable Smack my bitch up de los Prodigy y la no menos paranoica Irreversible de Noè y permitiéndose, por si ya fuera poco deja vù el patentado estilo musical, tomar prestado un momento del genial Out of Control de los hermanos Chemical.

El Un día de furia del videoclip vanguardista. Analgésico corrosivo social con el evidente doble filo polémico que ya sufrieron sus influencias. Que se lo cuenten a Stanley.

Suena Stress, de los franceses Justice.

It's not not what it seems...

2008-05-01T20:37:00.001+01:00

La era McDonald

2008-04-16T09:51:00.003+01:00

Restaurante tailandés. En la mesa de al lado, justo detrás del biombo de cristal, unos señores firmemente trajeados y empapados de Nenuco ríen a carcajada limpia. Han conseguido engañar a una pareja de jóvenes y les han hipotecado hasta la médula. "¡seguro que lo pagan trabajando en el McDonalds!", se mofan triunfantes. El más calvo de todos se sonroja. El más veterano se quita su anillo de compromiso para intentar acariciar la delicada cintura de la camarera asiática. El tercero, un tipo indescriptible, visita con frecuencia el baño. Sus despiadadas palabras enmascaran la melosa música que acostumbra hacerme ensoñar. Hoy no. Bueno, son cosas que pasan.

Mientras, en el McDonalds nadie se percata de que tienen a todo volumen un disco de grandes éxitos de Morrisey, confeso vegetariano que lucha fervientemente contra el consumo de carne. Sin ningún reparo, podemos escuchar felices y contentos 'Meat is murder' (carne es asesinato) mientras pedimos una pegajosa hamburguesa. En ese momento, despiden a una chica porque no era lo suficientemente rápida. Sus no tan jóvenes compañeros sonríen al fondo. Bueno, son cosas que pasan.

La chica, triste y humillada, vuelve a casa de sus padres. Se lo cuenta. Su padre es el calvo que se sonrojaba en el tailandés. "Papá, ¿podrás ayudarme con la hipoteca?""No te preocupes hija, con tu currículum no tendrás problemas para trabajar en el Telepizza."

Mientras, en la puerta del McDonalds un indigente intenta hacer reír a los transeúntes con un truco de magia. Nadie le mira.

Bueno, son cosas que pasan.

GHOST WORLD, sociedad contra soledad. (Crítica/Review)

2008-03-26T23:15:00.002Z

Todavía me pregunto cuánto tuvieron que ver los míticos Tears for fears con su no menos inmenso Mad World en la inspiración de Daniel Clowes, creador del cómic Ghost World y coguionista de su transvase al celuloide.

Y es que tras ver Ghost World uno no sabe muy bien donde está. No sabe qué pensar, en qué lado de la frontera acomodarse. Mira a su alrededor y se pregunta: ¿Soy parte de esa sociedad manipulada, ridícula e insustancial? Peor, ¿soy un friki rechazado por esa sociedad? O lo que aún es peor, ¿soy un friki inmerso en esa sociedad?

Mire a su alrededor y juzgue. Sí, sí, dése el gustazo de sentarse en un banco a observar situaciones cotidianas, a escuchar con atención conversaciones ajenas y elabore cuidadosamente su lista de prejuicios. En tres cierres de semáforo ya habrá comprobado que el noventa y cinco por ciento de lo que le rodea es tan interesante como el escarabajo que intenta trepar, ilusionado, por su bota izquierda. Ni que decir tiene que si hablamos de un pequeño pueblo podemos elevar esta situación al máximo exponente. Porque es ahí donde la aplastante rutina, la cotidianeidad, los comportamientos estereotipados, los diálogos vacuos, las situaciones repetitivas, las estúpidas tradiciones, relaciones interfamiliares y los rumores hirientes pueden absorber todo resto de personalidad e individualidad que pudiera sobrevivir en su dañado cerebro. Todos sabemos lo que hace una víbora cuando se topa con un inocente ratoncillo.

Efectivamente, tras elaborar su lista de prejuicios moralmente incorrectos, ahora puede llamar a su mejor amiga, ésa que le comprende o al menos hace esfuerzos por aparentarlo, y en ocasiones, disimularlo. Vayan a su pub favorito, ya tienen tema de conversación. Miren esa pareja del fondo, ¿acaso no parecen satánicos? Y mire ese pobre anciano esperando en la parada del autobús, ¿acaso no sabe que esa línea lleva años desaparecida? ¡Cuidado!, viene la pesada de turno a contarnos su vida, ¡qué nos importará! Sonriamos y afrontemos el mal trago con ironía. Es lo único que nos queda.

Bueno, también podemos soñar. Es tan barato como ir a mirar escaparates y ver nuestro reflejo dentro de un abrigo de nueve mil dólares. Soñemos con ir a una prestigiosa Universidad donde prácticamente dejaremos resuelto nuestro futuro, vayamos a vivir juntos a un precioso y céntrico piso y tengamos multitud de fieles amigos con los que charlar de todas nuestras aficiones, ídolos y ambiciones.

Y si todo esto falla, ¿nos quedaremos solos? Al fin y al cabo, no será tan malo, ¿no?. Mire a su alrededor y juzgue. Nadie está solo. Los bebés tienen a sus padres y a sus amigos imaginarios, las quinceañeras a su pandilla de acné, las orgullosas veinteañeras a su novio de por vida, las treintañeras a su compañero de hipoteca y, a partir de los cuarenta, todos sabemos que las infidelidades, la televisión, el perro, las plantas y la faja son los mejores compañeros de fatiga. Nadie está solo. Porque la soledad produce daños irreparables. Y las malas compañías también. Llega un momento en la vida en la que la ambición por encontrar una media naranja se reduce a encontrar al menos un gajo de empatía sensorial, un ligero jugo de ensueño.

Sin embargo, no estar solo implica tener compañía humana. Y esto, inevitablemente, trae sus propias normas. ¿Puede un hombre casado tener una amiga quinceañera? ¿Puede un mejor amigo tener otros mejores amigos diferentes a ti? Elección. La renuncia a la soledad supone la aceptación de la simbiosis y, por tanto, de la opresión de la individualidad. Exactamente igual que cuando la sociedad nos absorbe, ¿recuerda? Todos sabemos lo que hace una víbora cuando se topa con un inocente ratoncillo. Por tanto, asumamos la pérdida de soledad (aún con compañía) con dolor, pero asumámosla. El autobús de la vida nos llevará quién sabe dónde...

Si bien el film de Terry Zwigoff puede oler a cine independiente al uso, su rigor y buen hacer en las formas de adaptación del cómic, sumados a la inusitada banda sonora de David Kitay y a una Thora Birch y un Steve Buscemi muy creíbles, impregnan la cinta de un aura de extraña agridulzura y de una arrebatadora inmediatez.
¿Acaso retratar temas cercanos y cotidianos no es una forma de arte? ¿Es más artista un pintor que un panadero?¿Quién decide qué es arte y qué no? ¿Por qué una chica con el pelo verde es más extraña que un ejecutivo casado en un sex shop?¿Quién decide lo que está de moda y lo que es absolutamente prohibitivo de llevar?¿Quién define las tendencias musicales y los remakes estilísticos?¿Quién decide tu futuro?
“No pienses”, nos grita, convencido, el encargado del fast-food donde trabajamos.

Una gran persona no se cansaba de repetirme:

“La música es la única compañera con la que siempre podemos contar”.

“Y el cine”, añadí yo.

“No, el cine nos recuerda demasiado a la realidad”, aseveró rotundamente.

Y cuánta razón tenía.

*DECÁLOGO DEL HERMOSO CINEASTA SIN CEREBRO 1- Amarás a Björk sobre todas las cosas

2008-03-01T18:57:00.009Z

Porque es la Diosa sensorial del siglo que nos acontece.

Con una carrera musical tan misteriosa, polémica y genial como envidiable. Experimentando con todo tipo de sonidos atmosféricos, acordes bizarros, notas imposibles y mimando especialmente las portadas de sus álbums y la estética de sus videoclips.

Capaz de dar una soberbia, emotiva y astral lección de interpretación cinematográfica (actoral y musical) en 'Dancer in the dark', del señor Von Trier, film maravilloso e imprescindible.

E increíblemente capaz de provocar mil y un sentimientos mientras fríe un huevo. Ponte a observar a tu parienta mientras lo hace y sabrás de qué estamos hablando.

Como dice el ya veterano Sean Penn: 'Parece de otro planeta. Es imposible no amarla.'

Bardem vs Monstruoso (10+1 motivos)

2008-02-03T01:50:00.000Z

1- Bardem es español. Cloverfield (Monstruoso) es un alien con patas largas.

2- No country for old men (No es país para viejos) es de los hermanos Cohen. La otra no.

3- Bardem entrará en la historia de los asesinos en serie más despiadados y repulsivos del cine. Cloverfield no asesina. Sólo se nutre de humanos y de farolas. Como Rajoy.

4- Los Cohen dan una soberana lección de narración cinematográfica. JJ Abrams (productor de Cloverfield) da una soberana lección de vender un producto en la era cibernética-epiléptica.

5- Estarás acojonado pensando que Bardem está tras la puerta. Estarás acojonado de haber gastado siete euros para ver 'El proyecto de la bruja Godzilla'.

6- En la de Bardem, el silencio es tenso, cruel y aterrador. En Cloverfield, el silencio no existe.

7- Si fuiste nominado al Oscar por tu corto y ahora tu primera peli te la compra Tom Cruise, es posible que, debido al delirio incuestionable, te unas al frikismo facilón y pienses que la paratrama (inocente e insultante) de Cloverfield es acojonante. Si eres un mileurista con calcetines de algodón, no piensas en paratramas. Como Bardem, que no piensa. Sólo mata.

8- La americanada de cortarle la cabeza a la estatua de la libertad es tan tópica como el sheriff viejuno que acompaña a Bardem. Cierto. Pero es que el sheriff es Tommy Lee Jones.

9- Si cuando muere tu hermano te entra risa floja y en una caída libre de helicóptero te rasgas ligeramente una mejilla, Cloverfield es tu película. Si te juegas a cara o cruz tu vida, mejor la de Bardem.

10- En Cloverfield todos son guapos y bien peinados. En la otra está Bardem.

10+1- En la cabecera de este post sólo hay una foto. Por algo será.

Bigmouth Laralararará

2008-01-14T22:10:00.000Z

Todos ustedes ya habrán entrado en este año con un puñado de ilusiones, esperanzas y sueños por tornarse realidad. Sí. Esa era también mi intención, despues de un dos mil siete bastante oscuro y devastador. Sin embargo, con varios proyectos cinematográficos en standby, un contexto bastante hostil y un punto de inmadurez tan absurdo como irreversible, no espero nada de este año. No le pido nada. Me limitaré a observaros. Y, mientras tanto, si me lo permiten, a tararear uno de mis temas idiosincrásicos. Que fluyan los recuerdos, así, sin más.

Dias de unión

2007-12-22T10:32:00.000Z

Porque en nuestro devenir cotidiano olvidamos, sin más, que la unión probablemente sea el único motivo por el que estamos aquí, y la única esperanza que podremos llevarnos de este trágico existir.

Únanse y disfruten, amigos.

Ni cine americano ni hostias

2007-11-24T11:15:00.000Z

Ya no se hacen comienzos tan míticos. NI DE CERCA.

Locos por olvidar. JUNEBUG (crítica/review)

2007-11-05T20:40:00.000Z

Olvido.
Trescientos sesenta y cinco días al año, cuarenta y ocho horas al día, sesenta minutos por hora, sesenta segundos por minuto.

Y ni una tan sola milésima la empleamos en reconocer nuestra vanidad.

Telefoneamos a nuestros conocidos para contarles nuestra vida con toda clase de detalles y emociones, pero cuando la otra persona, nuestro amigo, inicia equitativamente la narración de sus novedades, ¡Tierra trágame! No nos importa en absoluto. La bidireccionalidad es innecesaria.

Al salir del supermercado dejamos caer los céntimos restantes sobre la sucia manta de un mendigo que sonríe tímidamente. ‘Probablemente se lo gaste en vino’, pensamos. No se lo preguntamos. Realmente no nos interesa. Nuestro endiosamiento ya creció con ese gesto caritativo de la mañana.

Alguna vez en su vida habrá escuchado esa máxima de barra de bar de que existen dos tipos de personas: las que trabajan para vivir y las que viven para trabajar. Probablemente esta clasificación extremista sea directamente proporcional al grado de felicidad de la persona. Pero lo que nunca se habrán planteado es que también sea directamente proporcional al egocentrismo de una persona. Y muy, repito, muy probablemente va ligado al estereotipo ciudad/pueblo.

En Junebug encontramos esta teoría elevada a cien, mostrándonos el contraste sensitivo, emocional y tradicional de personas inmersas cotidianamente en hábitats diametralmente opuestos. La chica de ciudad no encaja en la familia sureña, campera. Su superficialidad en las formas aquí no funciona. A ellos no les interesa quién es Dalí o Bergman. A ellos les interesa el color de las uñas, los documentales de animales, los cotilleos del pueblo, sentirse útiles construyendo cosas y arreglando aparatos… Ellos rezan. Cuando comen, cuando duermen. Siempre rezan porque creen en lo divino, lo sobrenatural. Tienen miedo. Tienen miedo de todo lo que no comprenden. La chica de ciudad no tiene miedo a nada. Eso cree y eso defiende con sus apariencias. Porque ella es su propio Dios. Controla todo lo que le rodea y conoce las formas. Regalar un ‘Te quiero’ aunque sea carente de sentimientos es algo que el resto de humanos agradece. Lo sabe y lo usa para controlar su entorno como la prostituta controla el orgasmo de sus clientes. Controla a sus compañeros de trabajo, a su novio… Perdón, a su marido. El sexo nos atrajo y el sexo nos mantendrá unidos. Ésa es la tónica de su matrimonio: el exterior. No hablan, no se conocen, son chicos de ciudad, absortos en sus trabajos, siempre pendientes del móvil, en sus eternos metros suburbanos, lejos del campo, de los frondosos árboles que, natural y tranquilamente, observan el paso de los humanos, el devenir de sus vidas… en silencio…

Alguna vez en su vida habrá escuchado esa máxima de ascensor de que existen dos tipos de personas: las que sufren para vivir y las que viven para sufrir. Ciudad/campo, Norte/Sur de nuevo. El que sufre para vivir no vive. El otro vive de verdad, pues la vida muchas veces puede resumirse sin reparos en sufrimiento. Sufrimiento por tener una familia muy diferente a las que vemos en el cine, por no tener en nuestras caras una sonrisa perpetua, por amar a alguien que nos rechaza, por estar enfermos y no poder evitarlo, por querer ser mejores, por querer ser comprendidos… Sufrimiento, inevitable sufrimiento. La chica de ciudad no sufre. Los problemas los arranca de raíz, no existen. La sonrisa, el trabajo y las uñas postizas son el pilar de su forma de vida y, permítanme, de su forma de muerte.

El film se mece tranquilamente entre la ironía, la locura y lo rutinario. A medida que pasan los minutos muchos espectadores abandonarán la sala de cine. De ritmo cercano al más introvertido Gus Van Sant o Wim Wenders, con la estética utópica del sello independiente americano y con algunos encuadres realmente horribles (y otros verdaderamente fantásticos), esta caótica lavadora centrifugará a muchos fuera de su butaca. Probablemente, ellos trabajan y sufren. También.

Locura.
Creo que sería el último titular que un crítico cinematográfico atribuiría a esta cinta. Es el primero que le pongo yo. Porque, probablemente, no exista mayor locura que la locura de no comprender la realidad, nuestra realidad. La locura de no aceptar, o de aceptar con remordimientos. La locura de ese extrovertido pintor que comprende la muerte, que la desea para huir de este mundo. Que se dedica a hacer visible lo invisible, a dibujar lo que sueña.

A menudo, nos comportamos como esa chica de ciudad: olvidando. Haciendo invisible lo que es dolorosamente visible. Llamémoslo vanidad, llamémoslo locura, llamémoslo… realidad.

Cuando nos miremos frente al espejo y el reflejo sea un mendigo, una cajera de supermercado, un compañero de trabajo, un padre, un hermano, un amigo, un amor…

Entonces, y sólo entonces, olvidaremos nuestra locura.

Psicoanálisis infalible: (el gran) COLOMBO

2007-10-18T20:29:00.000+01:00

Ni Lost, ni Prison Break, ni Heroes. Una de las mejores series de la historia que no me cansaré de adorar y recomendar es Colombo. Con todas las cualidades positivas adquiridas del cine negro y thrillers setenteros, Richard Levinson y William Link crean una saga mítica, un personaje inolvidable y mil veces imitado (encarnado por el caricaturesco Peter Falk), con una estética abrumadora y un guión, en determinados capítulos, imparable y milimétrico. Capítulos dirigidos por Steven Spielberg o Jonathan Demme. Toda una gozada para cualquier cinéfilo amante de la intriga, de los asesinos de a pie, de los crímenes imperfectos y de los guantes de cuero...

Frente a los actuales seriales frenéticos con tropecientos primeros planos por segundos, giros narrativos absurdos y efectos de sonido desternillantes, permítanse, aquellos que todavía no lo hicieron, saborear la impresionante primera temporada de Colombo, donde el fallo del asesino no es otro que ser humano. Y toparse con Colombo, por supuesto.

Un caramelo con demasiada envoltura. María Antonieta (crítica/review)

2007-10-09T21:29:00.000+01:00

Probablemente muchas veces, al leer críticas de películas, usted se haya preguntado por la inferencia subjetiva del escritor. Por sus premisas iniciales, vaya. Pues bien, vaya de antemano que tengo una cierta tendencia a no soportar películas de época. El tener la continua sensación de que todo es falso, que el disfraz es evidente, que la peluca se descoloca, que se recita un guión… no es algo que acompañe. Estamos, por tanto, ante un tipo de género especial que explota (a veces involuntariamente) los aspectos, a menudo, más disimulables del séptimo arte. Mi segunda premisa es que siento una especie de cariño irreversible hacia la angelicalmente peligrosa Kirsten Dunst. Y la tercera… sí, la tercera es rabiosamente Rubinsteniana: la lucha contra un tópico puede ser el mayor de los tópicos. Esto que suena a comecocos del listo del Messenger no es otra cosa más evidente que una tendencia rockera. De toda la vida, vamos. El cagarse en las normas, como decía Risto Mejide.

Meta estas tres premisas en una batidora y abróchese el cinturón. Y es que la gran Sofía Coppola está empeñada en crear escuela con un estilo que fascina y aburre a partes iguales. Y eso, mientras tenga productor, es estupendo. Sus películas se caracterizan, como las de Lynch, en ganar enteros en sucesivos visionados. La atmósfera es uno de los elementos narrativos que mejor maneja Sofía y el éxito de su cine, en gran parte, se debe a ello. El problema de crear films excesivamente dependientes de la atmósfera reside precisamente en las dificultades que interpone al espectador medio. Por ello muchas secuencias bordean titubeando la simpleza, el detalle y el buen gusto con la horterada, lo vacuo y sinsentido.

‘Trilogía de la identidad’ es como algunos definen la actual filmografía de Coppola hija, aunando Las vírgenes suicidas, Lost in translation y la Maria Antonieta que nos ocupa. Quizás sea una definición muy acertada para definir una de las características irrefutables de su cine: la pasión por los personajes. Y es aquí, donde, al igual que ocurría con su ópera prima, Kirsten Dunst saca las castañas del fuego. Coppola sabe que tiene un filón y lo explota al máximo. Dunst saca nota con un papel nada fácil y que se torna, por momentos, inolvidable. Cuando comparte encuadre con el siempre sorprendente Jason Schwartzman (no se pierdan la maravillosa ‘Extrañas coincidencias’) el apogeo parece no tener fin.

Sin embargo, Coppola se emborracha de actriz para adornarla con una película antisistema que desborda arrogancia. El tópico de hacer una película de época de manual, con sus violincitos y sus frases absurdas ciertamente podría ganarse el peor de los infiernos. Pero la pretenciosidad de Coppola para ser cool y romper moldes en todo lo que hace, a veces, se evidencia demasiado. Si el romper la lógica musical de la época (cambiando esos violines por temas de ‘The Cure’, ‘The Strokes’…) es su mayor grito contra lo ortodoxo, perdónenme, pero no me lo trago. ‘Es muy Tarantino’ es lo primero que se nos viene a la cabeza. Ojo, Tarantino lo hace con sentido. Coppola lo hace porque… ¿por qué no? Hagamos que los jóvenes vean pelis de época. Actriz popular con música popular… éxito seguro. No, no, y no.

A pesar de esto, fíjense si peco de ignorancia, que suelo intentar buscarle ocho pies al gato. ¡Claro, es que Maria Antonieta está viviendo como una rockera! ¡Ahora sí encaja esa simbología con los temas musicales contemporáneos! Y si no encaja narrativamente… ¡a la mierda! La música propone sensaciones y las sensaciones no tienen época. Chapó, Sofía. Dejando aparte esta filosofía bipolar sobre el sentido musical en un film, el afán innovador de Sofía es algo intrínseco del cine de autor puro y duro. Y eso es tanto… que debemos estar atentos a la trayectoria de esta cineasta de culto porque en el futuro puede sorprendernos gratamente…

La historia contada hasta la saciedad de persona incomprendida en un lugar hostil aquí cobra un magnetismo esencial (gracias también a una imparable puesta en escena y a un excelente diseño gráfico y estilístico) que puede hacernos salir del cine, incluso, con la sensación de haber visto algo crepuscular. Pero, no nos engañemos, el crepúsculo de Coppola llegó con sus films anteriores. Esto ha sido… cómo lo diríamos… un trámite comercial tan arrogante y descarado como elegante y personal.

Como hacía su padre, vaya.

Nosololetras

2007-09-25T21:46:00.000+01:00

Los cronocrímenes. Esperado punto de inflexión.

2007-09-14T22:19:00.000+01:00

Si bien a mediados de los 90 se produjo un importante punto de inflexión en el cine patrio con la imparable potencia de canívales cinematográficos como Amenábar, De La Iglesia, Médem o Bajo Ulloa, creo que no me tacharan de imprudente si les digo que este país, este público español, inmiscuido en miles de dimes y diretes con leyes, descargas y derechos de por medio, con la apabullante preponderancia americana en cartelera y la aparente sequedad de nuestros autores, se hace necesaria, casi a grito desenfadado la aparición de una nueva ola de cineastas (y productores, y televisiones, ya saben) capaces de hacer resurgir el cine español.

Nacho Vigalondo, un tipo tan excéntrico como misterioso, siempre me manifiesta su envidia porque en este blog se habla más de Iván Sáinz-Pardo que de él. Envidia sana, por supuesto. Hoy le toca su turno. Porque se lo merece. Porque está levantando, sacando manos de donde no las hay, un proyecto tan interesante como estremecedor. Originalidad y tensión son sus máximas headlines. Y a mí, con ese poquito, me convence.

No duden que a ustedes también les convencerá... en la sala de cine. No les aseguro que la peli vaya a cambiarles la vida (quizás en el pasado) pero si les advierto que abran bien los ojos porque con este film (sumado a las óperas primas de otros cortometrajistas, como por ejemplo El orfanato de J.A. Bayona) podemos estar ante un pequeño o gran, el tiempo lo dirá, punto de inflexión en el cine español.

Crucemos los dedos. Suerte, Nacho.

Por fin.

2007-09-06T00:04:00.000+01:00

Estornudo involuntario recién levantado - 1,2 calorías

Teclear en un pc durante una hora - 5,3 calorías

Chutar un balón de fútbol a máxima potencia - 14 calorías

Gesticular para indicarle una calle a un foráneo - 42 calorías

Zappear a las 14:57 - 88 calorías

Pasear al perro - 125 calorías

Footing por el parque - 400 calorías

Una sesión de Body combat - 800 calorías

Darse de hostias con Mike Tyson - 3900 calorías

Experimentar el mayor revientapistas de la historia en directo - Muerte súbita

Y, en breve, voy a poder disfrutarlo. Por fin.

When people run in circles...

2007-08-28T22:45:00.000+01:00

Permítanme decirles que el mundo está loco.

No se molesten si les asevero que, sin duda, prefiero el mundo de los sueños.

Bostecen en el caso de que les susurre mis condolencias sociales.

Sonrían cuando les manifieste mi pasión por los enigmas de la ciencia.

Manifiesten tranquilidad cuando les comente mi pasión por los universos paralelos.

Pero nunca, nunca jamás me digan que todavía no han disfrutado de Donnie Darko.

Aquí y ahora, un delicioso caramelo:

¿Genio o genialidad?

2007-08-20T23:20:00.001+01:00

Atrévanse a decirme que alguna vez no dudaron sobre el tambaleante rumbo de Twin Peaks, que jamás pensaron virtuosamente en escupir a los creadores de Prison Break o que a menudo se acuerdan de la madre del guionista de Primer.

Exacto, es el maravilloso mundo del guión. Algo que, cuando merece, bordea sin titubeos entre la locura y la genialidad. El conejo de Donnie Darko puede atender a simbolismos imposibles propios de una mente sin igual o a la sugerencia causal de la amiga de la tía del guionista. O lo que es peor, a ambas situaciones.

Y, ¿saben qué? En la mayor parte de los casos, nunca lo sabremos.

Amantes del Plano Secuencia

2007-08-13T16:51:00.001+01:00

A medio camino entre la mítica secuencia del coche de Children of men y la secuencia más absurda que recuerden de Aterriza como puedas, pasando por el homenaje al violentamente divertido videojuego Carmageddon, recordando la acidez tajante de los Monty Python y regozijándose con el plano subjetivo del Smack my bitch up de The Prodigy.

Bellotos, este es Jarvis Cocker.

La generación MOTOWN

2007-08-09T13:33:00.000+01:00

La Motown Records es una discográfica fundada en Detroit que representa un pilar absoluto en lo que a la difusión de la música popular afroamericana se refiere, teniendo una gran repercusión en la mayoría de los estilos actuales. Los sesenta fueron los tiempos gloriosos de la discográfica, llegando a conseguir su propio sonido "Motown Sound", único e inconfundible, con artistas legendarios y míticos de la talla de Stevie Wonder, Marvin Gaye, Diana Ross & The Supremes, The Temptations, The Four Tops...

El musical "Dancing in the streets" nos brinda la oportunidad de revivir esa época de esplendor musical. Una cita ineludible para los amantes del motown en estado puro. Anoche, en la hermosa Münich, dí fe de ello, disfrutando de lo lindo con temas como este:

Éste:

o éste:

Paris-Texas. Un 'hasta siempre' inolvidable. (crítica/review)

2007-07-29T19:52:00.000+01:00

PARIS…

Un entrañable amigo mío siempre conserva en su memoria, y me lo hace saber, una frase que le dije tiempo atrás: “Toda, absolutamente toda persona de este mundo, por íntegra, opaca e inalterable que parezca, padece una enfermedad emocional en su interior.” Y es que, a grandes apariencias, peores consecuencias. Y a peores consecuencias, escasas soluciones.

Y este es un tema sumamente interesante, justamente, porque nos debate el poder del raciocinio humano. Sí, eso es, pinchemos con una afilada aguja a una cobaya de laboratorio una y otra vez hasta que aprenda que no debe comerse ese pedazo de maloliente queso. El dolor provoca reacción. Aprendizaje. Pero, amigos, el tópico existencial de que el ser humano se tropieza no dos, sino diez veces con la misma piedra es tan cierto que asusta. El ser humano no aprende fácilmente. Inmiscuido en nuestra sociedad contemporánea, menos aún. Cuántas veces se ha planteado tirar toda su vida por la borda, mandar todo al carajo: a su jefe, a sus compañeros de trabajo, a su mujer, a su marido… ¡a su suegra! Abandonarlo todo y marcharse a un lugar sin ruido, sin gente, sin problemas, donde pueda sentirse tranquilo y descansar. Y meditar. Y sentir la naturaleza que le rodea mientras se olvida de todos los problemas mundanales. Quizás por un largo período de tiempo, para reflexionar. Para reflexionar sobre el pasado y sobre su futuro, mientras parece que en el presente está en otro mundo. El inmenso dolor que lleva dentro, que ha padecido durante tantos años de sufrimiento, necesita que usted recapacite. Necesita una reacción, un aprendizaje. Tómese su tiempo en este pequeño paraíso natural y reflexione hasta que encuentre las respuestas a sus preguntas.

Esta es, fundamentalmente, la coraza que envuelve la historia de Paris, Texas (Wim Wenders, 1984). Y es que, a modo de road movie, acompañamos a Travis a lo largo de su enigmático viaje en busca de respuestas, siempre apoyados por elementos sugerentes del avance que estamos efectuando: fluorescentes luminosos de patas de caballos corriendo, el niño hablando sobre la velocidad de la luz, las persecuciones en coche, los largos paseos del protagonista, la luz ámbar en los semáforos…

El dolor está presente en todo el metraje. Frente al reservado dolor (amoroso) de Travis, encontramos el dolor de su hijo Hunter al descubrir su pasado (“Esa no es mi madre, es una película”), el drama de sus improvisados padres al desprenderse forzosamente de su hijo o el drama de una madre (Jane) que perdió todo lo que amaba y ahora se limita a escuchar los problemas de los demás (“Oigo todo el tiempo tu voz. Todos los hombres tienen tu voz”). Cada personaje deambula por un desierto diferente, ya sea de arena o de vigas de cemento y metal.

Detengámonos un instante en el momento que el niño, antes de irse a dormir, se gira:

“Buenas noches, papá” (hacia su padre improvisado)
“Buenas noches, papá” (hacia su padre real)

Este detalle posee, en mi opinión, un interés mayúsculo. Estamos enfrentando lo genético a lo social. Lo natural a lo racional. ¿Cuál de los dos es tu verdadero padre? Conoces a uno, quieres a uno, porque te educaste con él. Pero llevas los genes del otro, del que te hablaron. ¿Acaso no existe una especie de unión invisible, genética, con éste? Miles de niños en el mundo, fortuitamente, sufren procesos de adopción, ¿en qué proporción cambia el rumbo de sus vidas? ¿En qué proporción cambian nuestras vidas al nacer inmiscuidos en una sociedad moderna y tecnológica? Recuerden este símil: naturaleza contra tecnología, desierto contra ciudad.

“Paris… Texas. Primero digo Paris y hago una pausa para que la gente crea que hablo de Francia”. Me encanta esta frase. Es imposible olvidarla y constituye una gran metáfora de lo que es el cine como arte de la sugestión. Y Wim Wenders lo manifiesta en una película que se antoja lenta y dura, pero perfectamente estudiada para que cada acción conlleve un pensamiento en el espectador. Cada detalle que se menciona en el genial guión es un Paris con puntos suspensivos, para que el espectador reflexione, sienta, haga juicio de todo lo que está viendo, pero probablemente un juicio erróneo. Al final del metraje nos desvelan todas las verdades sobre la historia. Al decir Texas, el cuento se autocompleta y nuestra manipulación (asombro y confidencia) queda latente.

Y es que este film tiene una magia inolvidable. Secuencias tan fantásticas, simbólicas y entrañables como el niño imitando a su padre en aceras opuestas, el eterno travelling en el que Travis camina con la ciudad enrejada al fondo para toparse con un profeta de a pie y, sin ir más lejos, el misterioso comienzo del film con unos paisajes tremendamente absorbentes. Sin olvidar, por supuesto, la mítica secuencia del peep show, cine en estado puro, con una Natassja Kinski estremecedora y un Harry Dean Stanton simplemente excelente, que provocan que nuestra concepción de amor se eleve a niveles inalcanzables.

La hipnótica música de Ry Cooder y el magistral empleo del silencio a lo largo de todo el film, unido a diálogos profundos y a una dirección tan fría como soberbia provocan una resonancia de calidad en nuestra mente horas después de haber degustado la película.

…TEXAS

Todo dolor provoca reacción. Pero no siempre esta reacción conlleva la superación y el olvido de ese dolor. Si tras haberse exiliado a un lugar perdido del mundo, tras haber andado sin mirar atrás durante cuatro años usted no es capaz de encontrar las respuestas a sus preguntas, quizás lo más correcto sea volver al lugar donde todo empezó. Volver e intentar enfrentarse a sus miedos. Poner las cosas en su sitio.

Sin embargo, Travis pone las cosas en su sitio a sabiendas del sacrificio que supone que para que todo siga bien él no debe estar presente, porque hay un mal que lleva dentro y volvería a provocar exactamente lo mismo que sucedió en el pasado. Y ese mal está completamente anexo a la socialización humana, a la convivencia, a la monogamia: los celos. Por eso, tras unir (a modo de rescate y salvación) a madre e hijo, ha cumplido su (profético) cometido y está preparado para marcharse, asumiendo su condición de víctima y agresor al mismo tiempo. Marchándose del mundo moderno, huyendo de la sociedad (volando en su coche con los rascacielos al fondo), esta vez, para no olvidar. Para recordar. Para sonreír. Para comprender. Para amar.

“Me da miedo de enfrentarme a mis miedos. No he superado lo de tu madre.”

Es tiempo de volver al desierto, a lo natural, donde todo comenzó.

Es tiempo de volver a Paris……………………Texas.

Como dicen los payasetes del circo:

“Esto no es un adiós ni un hasta luego. Esto es un HASTA SIEMPRE”

por Rubin Stein

Hitchcock + Dalí = Maravilla

2007-07-23T14:22:00.000+01:00

"Recuerda" (Spellbound, 1945)

Zumo de bellota: Le batteur du Bolero

2007-07-13T10:00:00.000+01:00

Cada vez que, en ese fatídico afán de clasificar las cosas, me preguntan por mis cortometrajes favoritos, dependiendo de si llueva o no, incluiré Le batteur du Bolero (1992). Si de por sí el Bolero de Ravel es una obra maestra de la música clásica más contemporánea, inmerso en este cortometraje ya termina de cerrar el círculo de la genialidad.

Disfrútenlo y, después, lo comentamos.

El veterano realizador francés Patrice Leconte, con un elegante plano secuencia, viene a mostrarnos las sensaciones del más pequeño escalón orquestal, del peón que construye un enorme rascacielos, del señor que sujeta un cable durante todo el rodaje de una película... Personas inmersas en un proceso artístico, pero que, debido a la monotonía de su trabajo, pueden estar totalmente ajenos a él. El tamborilero del Bolero puede estar sintiendo como nadie las perfectas notas musicales de Ravel y el trepidante y magnético ritmo de percusión... o no. Quizás está pensando en el bocadillo del mediodía, en si dejó apagado el gas antes de salir de casa o en si la chica que toca el bombo se fijará algún día en él.

Y es precisamente el significado del arte y del proceso artístico lo que se nos debate, con muchas concesiones a la imaginación de cada espectador. Cine en estado puro con un sobresaliente Jacques Villeret encarnando a este mítico e inolvidable tamborilero.

Con el mismo mensaje que ya nos gritaba Antonioni en la estupenda Blow-up, al ampliar la realidad demasiado nos encontramos con que ésta se fragmenta y desaparece... Juzguen ustedes mismos.

Sin duda, este pequeño cortometraje entre mis favoritos permanecerá.

Tinta mágica

2007-07-08T15:46:00.000+01:00

Cría cuervos. La enfermedad de la inocencia. (crítica/review)

2007-06-27T11:10:00.000+01:00

De las múltiples vías por las que podía comenzar esta crítica de una de mis películas favoritas, sin duda, he seleccionado la más irreversible: manifestándole a usted, paradójicamente, mi inquietud creativa. Y esto, se debe, fundamentalmente a que, tras revisionar este film, sólo me apetece gritarle (y gritarme): ¡Inocente! Y no, no le he gastado una broma de mal gusto el 28 de Diciembre. Esto es mucho peor: hablo de la paradoja de la eterna inocencia del ser humano.

El inefable Carlos Saura firma con Cría Cuervos (1975) una de las mejores películas en la historia del cine español. Íntima pero agresiva, impulsiva pero racional, realista pero simbólica. ¿Recuerda usted cómo actuaba cuando era tan sólo un niño? ¿Qué pensaba? ¿Cuáles eran sus temores? ¿Y sus pasiones? Y, lo más importante aún, ¿cuáles eran sus verdades universales y cuales son ahora?

Y es, precisamente, a este aspecto al que me refiero al hablar de inocencia. A las verdades universales. En qué punto y bajo qué batuta asumimos que algo es absolutamente veraz. Una niña a la que su madre advierte de que lo que posee en sus manos es un tarro repleto de veneno que podría matar hasta a un elefante puede ser tan verdadero para la pequeña como para usted puede ser el hecho de que haya armas nucleares en un país, anunciado por el telediario de las tres o de que una pastilla llamada Pluroxin cura el cáncer, proclamado por un consagrado doctor asiático. Y no entro en la certeza real o no de cada situación, sino en la sensación de veracidad. La sensación de saber algo a ciencia cierta.

Esto es, evidentemente, elevado a mil si nos encontramos en medio de una dictadura. En este contexto político-social la imposición de las verdades universales puede resultar tan absurdamente ridícula como humillante.

- ¿Qué es esto?
- Una naranja.
- No. No es una naranja. Es una piña.
- Pe… pero… una piña es más grande y…
- Si yo digo que es una piña, entonces ES una piña.
- Pero… señor militar… una naranja se llama así por el color… es evidente…
- Pero ¿duda usted de mi sabiduría? Es una puta piña. ¿Entendido? (sacando su arma)
- P…p…por supuesto, señor.
- Se lo repetiré por última vez, ¿qué es esto?
- Una piña, señor, una piña con una pinta estupenda.

Hasta qué punto nuestra conciencia vence a nuestra actitud social. Quiero decir, en qué momento nuestras propias verdades universales se enfrentan a las de otra persona (probablemente de un status superior), inclusive, a las de la sociedad. Ana (una genial Geraldine Chaplin) enfrenta sus sentimientos, su arte, su sensación universal de amor, de respeto y de cariño, contra las verdades universales de su marido, Anselmo (Héctor Alterio), un militar nacionalista sin razonamiento alguno que practica el adulterio. Este enfrentamiento, como es lógico, provoca un dolor, una sensación de impotencia, latente en todo el film, y que, simbólicamente (o no) provoca la tremenda enfermedad de Ana. La enfermedad de la impotencia al no poder (o querer) hacer frente a su marido, por conservar la aparente estabilidad social de un matrimonio perfecto. La maravillosa secuencia del enfrentamiento entre Ana (madre) y Anselmo bajo las escaleras ante la atenta mirada de Ana (hija), aprehendiéndose de todo lo que ve, está en absoluto paralelismo narrativo a la secuencia en la que las niñas hacen una performance de la situación de sus padres. Mientras que las niñas actúan para denotar la realidad que conocen (las infidelidades de su padre) e intentan solucionar la situación (Ana se opone enfurecida a que su marido continúe engañándole), Anselmo y Ana (madre) actúan para asumir la mentira. Para considerarse inocentes de sus propios actos.

Y es que, párense a pensar un instante, cada uno de nosotros a lo largo de nuestras vidas recorre un camino diferente. Cada uno decide cuales son sus propias verdades y sus propias mentiras. Y esta decisión que pueda parecer difusa e inconsciente es realmente la que marca el camino de nuestras vidas y se fundamenta a base de empaparnos de todo lo que nos rodea y asumirlo como real. Ana (hija, encarnada por una impresionante con mayúsculas Ana Torrent… ¡qué mirada!) cree tener poder para decidir quién vive y quién muere: puede hacer aparecer a su madre por las noches, desaparecer a su padre o resucitar a sus hermanas cuando juegan al escondite. “Me quiero morir”, gritaba su madre, desesperada. “Quiero que te mueras”, le exclama a su tía. “¿Quieres que te ayude a morir?”, le sugiere a su abuela. Para ella, por tanto, la muerte se torna en un estado de alivio ante una vida trágica y de sufrimiento, pero también como un castigo ante una existencia banal. Lo que para ella es real para nosotros es extraño, fantástico y, a veces, disparatado.

El simbolismo y el surrealismo están presentes en todo el film: la abuela sin voz ni voto a la que apartan de la familia para que viva en sus recuerdos (a través del arte: música y fotografía), la leche (nutrición básica de los niños, que Ana no tuvo de su madre) como veneno, las niñas actuando como sus padres (¿o los padres actúan como niños?), la madre que entierra su futuro musical por su compromiso de casada con Anselmo (la muerte del arte con la aparición de la dictadura y el ignominioso poder del hombre sobre la mujer), la niña Ana empuñando un arma cargada (evocando la agresiva actitud militar de la época)…

Cuando estamos ante una película inteligente es básicamente porque parte de un guión preciso y cuidado. Y es que el guión de Saura es un ejercicio de estilo definitivamente magistral, donde se maneja la conciencia del espectador de un lado a otro sin ningún tipo de reparo. Es aquí donde la palabra espectador cobra su pleno significado y donde el cine se eleva, como cualquier otro arte, a estratos de manipulación y engaño. Creemos que Ana (hija) ha matado a su padre, creemos que tiene un veneno, creemos que mata a su tía… siempre para después chocarnos con la realidad. Para demostrarnos que lo que creíamos verdad irrefutable, de pronto, se torna falaz. La fantasía se hace realidad, y lo real se vuelve fantástico. Todo a través de nuestra inocencia como espectadores, volubles e inconscientes. Como en la vida real. Inocentes.

Unas soberbias interpretaciones de todo el reparto sumadas a un inteligentísimo empleo de la fotografía (a cargo de un muy acertado Teodoro Escamilla) y a una ausencia de banda sonora original arriesgada pero sumamente poderosa y efectiva (sólo aparecen tres temas a lo largo del film: la misteriosa melodía de piano ‘Canción y Danzas nº5’ de Federico Mompou, la canción favorita de la abuela: ‘¡Ay Maricruz!’ de Imperio Argentina; y la exitosa ‘Porque te vas’ de Jeannette, omnipresente y casi segunda narradora de la película) que dota al film de una potencia inusual, y sumado a un Carlos Saura milimétrico e inspirado a la hora de colocar la cámara, de panear suavemente y de dotar a la cinta de un ritmo perfecto (cada plano parece esencial, imprescindible), hacen de ‘Cría cuervos’ una de las películas más bellas, reivindicativas, misteriosas, filosóficas y francamente críticas con el contexto social de su época (se estrenó tras la muerte de Franco), del cine español.

Cría cuervos y te sacarán los ojos, decía el refrán. Y aquí es donde Saura reivindica a pleno pulmón el valor de la educación, no sólo como ejercicio institucional sino como actividad vital de adoptar verdades universales. Todo. Absolutamente todo lo que un niño ve, escucha y siente le está educando. Para bien, o para mal. El final del film es tan explícito como irónico en este aspecto, cuando, tras habernos mostrado durante todo el metraje el trauma (enfrentando realidad-fantasía) que presenta Ana, se nos insinúa el posible trauma de la hermana mayor (que sueña que es secuestrada y asesinada) mientras multitud de niños (asumiendo que este trauma infantil es algo prácticamente natural, innato) acuden al colegio para que unos cuantos les ‘enseñen’ las verdades universales de la vida. Con un simbólico paneo se nos muestra, justo al lado del verdoso (y con esperanzador futuro, por tanto) colegio, la caótica ciudad donde habitan los adultos. Fantasía (o falsa realidad) contra realidad (o falsa fantasía).

La frontera entre la niñez y la madurez es una estrecha línea prácticamente invisible llamada inocencia. Y lo más terrorífico y apocalíptico es que ésta no tiene fecha de caducidad.

Éramos transparentes, éramos transparentes los dos.
Como el agua de la lluvia que golpea la ventana.
Éramos tan fuertes, éramos tan fuertes los dos.
Que creímos que nada dolía, que creímos que no moriría.
Dónde fue todo eso a parar, cuándo se empezó a estropear.
Quiero ser inocente, prácticamente inconsciente,
Para creer que podría tenerte a mi lado eternamente…

(Fragmento del tema Eternamente Inocente de Fangoria)

No se te olvide la máscara

2007-06-20T15:51:00.000+01:00

Si hay un acontecimiento veraniego donde la música electrónica adquiere un nivel explosivo ese es el Festival de Monegros, en Fraga. Acabo de recibir por parte de la organización del Festival un comunicado tan tenebroso y surrealista como genial y viral. Los que tengan pensado acudir a esta ineludible cita con la electrónica y el hip hop de altas copas, vayan preparando su máscara...

Enhorabuena a los campeones (sí, a los dos)

2007-06-18T16:41:00.000+01:00

¿era necesaria esa absurda norma del golaverage particular entre equipos?¿no sería más bonito compartir la copa? Juntos, hermanados por el triunfo del fútbol. Cibeles en medio de Canaletas. Sueño imposible, me temo.

Las peores películas de la historia del cine

2007-06-09T22:11:00.000+01:00

El señor Ed Wood debe estar partiéndose de la risa. Meándose de la gente que se ríe de sus películas y que le consideran el peor director de la historia del cine. Amigos, un megafreak ha reunido en este hermoso collage algunas secuencias tan absurdamente ridículas y patosas como repletas de genialidad y miticismo. No se lo pierdan. Si alguien tiene dificultades para entender la 'línea más aleatoria de la historia', la dejo traducida después del vídeo:

Shark attack 3

VAGONETAMAN:-Quedamos justo aquí a las 8. No llegueis tarde... (apocalíptico guiño de ojo)
CHICASEXY: -Estoy agotada... (hmmm hmmm)
MACHOTE: -Sí, yo también. Esto... estoy caliente... emm... qué me dirías si te invito a mi casa y te como el co**?

Match Point. La tragedia del deseo. (Crítica/Review)

2007-05-31T11:14:00.000+01:00

David Beckham. Futbolista. Gana 38 millones de euros al año. Michael Schumacher. (Ex) piloto de Fórmula 1. Gana 62 millones de euros al año. Tiger Woods. Golfista. Gana 75 millones de euros al año.

¿El talento les ha llevado hasta ahí? ¿Ha sido simplemente suerte? ¿Es una suerte disponer de fama y dinero? ¿Es ese el mayor triunfo en la vida?

Hasta qué punto y en qué proporción se han distribuido suerte y talento en estos deportistas. El azar podría haber querido que una grave lesión les retirara del deporte cuando tan sólo eran unos chavales. Quizás había chicos más talentosos que ellos en sus respectivas disciplinas. Y quizás estos fueron castigados por el azar para no llegar tan alto. Física, moral o socialmente.

“Aquel que dijo más vale tener suerte que talento conocía la esencia de la vida. Asusta pensar cuantas cosas escapan de nuestro control. Sólo dependen de la suerte.”

Y así comienza Match Point (2005), sintetizándonos con el paradigma de una pelota de tenis que golpea la red y que, a merced de la suerte, caerá en uno u otro lado de la pista, lo que el resto del film nos desarrollará.

Y es que esa palabra tan intangible y extraterrestre que es ‘suerte’ nos rodea en cada instante de nuestras vidas. Lo queramos o no. Está ahí. Circunstancias impredecibles de repente se tornan realidad. Circunstancias previsibles se tornan, también, realidad. Sin motivo. Sin explicación. Sin coartada. La suerte, por tanto, es algo totalmente anexo a la existencia humana. Como la muerte.

Woody Allen rueda su primera película íntegramente lejos de su amada y venerada New York, para revestirla de la fría y emblemática belleza londinense. Con un reparto de lujo encabezado por un estupendo Jonathan Rhys Meyers (como Chris Wilton), una desmesurada Scarlett Johanson (como Nola Rice) y una genial Emily Mortimer (como Chloe Hewett) Allen regresa a ese cine interactivo y filosófico al que nos tenía tan bien acostumbrados. Y es que, si por algo destaca este film, es porque hace pensar. Crea expectación y controversia.

Chris Wilton es el tipo de persona que somos y se convierte, fruto del azar, en lo que deseamos ser. El hombre que se convierte en superhombre. La pobreza hecha riqueza. Lo desagradable hecho hermoso. En su afortunado e imparable ascenso social lo único que puede hacerle resbalar es el deseo. El deseo de lo prohibido. Y lo prohibido aparece como de la nada. Nola Rice (que Allen nos presenta ácida y simbólicamente jugando a lo mismo que el protagonista, pero a menor escala) es el prototipo de femme fatale que atrapa al protagonista. Es la prohibición carnal en su máximo exponente. Y ya en su primera frase parece chocar la pelota en la red:

“¿Quién es mi próxima víctima? ¿Tú?”

Más tarde (y recordando proféticamente a Nosferatu de F. W. Murnau) ella le avecinará el devastador porvenir:

“A ti te irá todo bien si no la pifias.”
” ¿Y cómo voy a pifiarla?”
” Intentando ligarme.”

El film avanza a ritmo de ópera hacia un final trágico. Muchos son los elementos que nos provocan inquietud, malestar. Que Chris lea ‘Crimen y castigo’ de Dostoievski o que le regale a su mujer el disco musical de ‘La tragedia’ son motivos proféticos de lo que se acontece. Lo inevitable.

Y es que el deseo con mayúsculas llega hasta el punto de omitir cualquier signo de racionalidad en Chris. Persigue a Nola y bajo una también simbólica tormenta se funden en un beso. Ahora empezará la verdadera tormenta en sus vidas. El beso del deseo representa la liberación ante la prohibición de lo humano, de lo natural. La victoria de lo pasional y lo instintivo.

“La fe es el camino más fácil”, asevera Chris. El creer en lo invisible, en lo intangible es el camino más fácil. Creer. Y esto, créanme, tiene un enorme grado de similitud hacia lo que representa el sentimiento de deseo. Desear lo que no se posee. Lo que más etéreo, misterioso y exitoso parece. Viajar hacia el mundo de los secretos. Vivir en él. Sentir el riesgo de amar a escondidas. Mantener viva la llama del deseo.

Pero esa exaltación del instinto innato humano, ese sexo pasional y agresivo con Nola, se encuentra en el polo opuesto de la relación que Chris mantiene con su mujer, Chloe. La pasión brilla por su ausencia en una vida perfectamente estipulada y prevista, con sus embarazos forzados, sus ascensos laborales maniatados y su estatus económicosocial a la alza, todo envuelto en un ambiente familiar tan ridículo como vomitivo. Y aquí es donde se debate la primera bola de partido (match point) de la película. Chris se debate entre dos tierras a cual más peligrosa para su futuro. Y es aquí donde se plantean problemáticas reincidentes en el cine de Allen. La fidelidad, el amor, la pasión, el matrimonio…

¿Hasta qué punto debemos rechazar nuestros instintos carnales? ¿En qué momentos la socialización de lo humano se torna infranqueable? Chris se toma su tiempo en responder. Probablemente porque esta duda existencialista sea de solución divina. Y es precisamente en este momento cuando una solución tangente se le presenta de forma, cómo no, fortuita. Nola está embarazada. Lo que antes era efervescencia y ensueño se convierte, de repente, en un nexo irrompible de por vida. Una hipoteca hasta la muerte. Ahora Chris juega contra dos rivales en la misma mitad de la cancha. Dos contratos indefinidos. Se apagó la pasión. Murió el deseo. Nació, de nuevo, el compromiso social y familiar.

“Quizás sea esa la diferencia entre amor y deseo… vivir dónde, cómo... soy el yerno del jefe y él me adora…”

Los cuadros, a lo largo del film, van definiendo al personaje: un gallo dominante de su espacio (como un jugador de tenis de su campo), un hombre que parece olvidarse de su propia sombra e incluso un hombre que sólo posee la sombra de su ropa.

Y es en este momento cuando Chris se juega su verdadera bola de partido. Es el momento de jugar con fuego (con el simbolismo de una escopeta escondida en una bolsa de deporte) y matar el deseo al son de un trágico clímax operístico. Pagar el precio que cuesta una biografía perfecta a ojos de la sociedad a costa de tres vidas: Nola, su anciana vecina y su futuro hijo. Todo ello retratado con una frialdad y un nerviosismo emocionantes en una secuencia sutilmente rodada.

La desdicha que se avecinaba ha llegado. Pudiera dudar sobre cuál fue la verdadera tragedia. Quizás el asesinato de Nola. Quizás el nacimiento del bebé. Quizás el hecho de aceptar el trabajo como profesor de tenis. Nada más lejos de la realidad. La verdadera tragedia se esconde dentro de Chris. Y también dentro de cada persona. La lucha entre nuestro instinto carnal y pasional contra el raciocinio propiamente humano es una de las grandes tragedias vitales absolutamente inevitables…

La pelota está en el centro de la red. El anillo de la anciana también. Con un giro final absolutamente cínico (con unos policías absurdamente patosos), la suerte favorece a Chris. La pelota siempre cae en el campo de los perdedores y Chris gana el match point de su vida. Aparentemente. A vistas de la sociedad él no ha hecho nada. Está limpio. Pero, de nuevo, la procesión va por dentro. Y el último (y genial) plano del film nos lo evidencia. La pelota, aunque no lo parezca, ha caído en su propio campo.

El sentimiento de culpa no muere. Se enfrenta a sus fantasmas, que le piden explicaciones de lo ocurrido. Y se seguirá enfrentando siempre. Incluso se lamenta de no haber obtenido justicia por la maldad de sus actos. Algo corriente hoy en día. Gente que actúa mal, gente que mata y después ríe y miente a la sociedad. Pero, lamentablemente, la justicia se escapa, como cualquier otra cosa, a algo que no podemos controlar: la suerte.

Sófocles dijo “no haber nacido nunca puede ser el mayor de los favores”

Domingo de resaca...

2007-05-27T19:20:00.000+01:00

Estoy deseando ver esto

2007-05-23T10:33:00.000+01:00

Si ya con el cartel, mi radar captador de películas míticas (pero justo en el otro polo de lo excelso) emitió un tímido beep, tras ver este trailer-videoclip-imágenesaperogrullo me quedé sin palabras:

Sí, bellotos, esto existe. Como me quedé sin palabras (y prácticamente sin conocimiento) decidí buscar qué opinaban otros tras haber visto el film. Atiendan a las tres únicas críticas en Filmaffinity:

"Party monster nos cuenta la historia de Michael, un chaval que se va de su pueblo y aterriza en NY. A partir de ahí se va convirtiendo en el fundador de los "Clubs kids", una especie de reunión de personas "diferentes" dónde la libertad, la transgresión, las drogas y la música techno corre que se las pela. Con una estética muy especial y muy glam esta película es simplemente curiosa de ver ya que no llega a profundizar demasiado en los personajes que llegan a rozar, por momentos, los perfiles de telefilme. Se le podía haber sacado mucho más partido al personaje principal que encarna un amanerado Macualay Culkin. Sin embargo, en un momento de la peli dicen "somos superficiales"..., ahí se resume todo ya que la película se queda en la superficialidad de un movimiento como fueron los clubs kids que tuvieron su punto álgido y que ahora ya no se estila. De lo más curioso son los cameos del travestido Marilyn Manson encarnando a Christina. No lo hace mal... el tambalearse medio drogado, claro. Ah, y las vestimentas de los personajes también llaman la atención."
Mi Pepitilla Criticona

"Ni una escena desagradable, no se ve ni un beso homosexual durante todo el metraje, no se por que la tachan de mariconada. A mí siendo heterosexual me parece una película muy interesante, realizada por los directores de la muy recomendable "Inside the deep through", una película curiosa, buena música, absorbente... donde lo peor es Macaulay y lo mejor Seth Green."
requiemforadream

"Pues eso, una peli de gays que no tiene gracia ninguna. Muy mala. No sé como es en V.O. pero el doblaje en español es realmente horroroso. Para más inri, tenemos al niño de solo en casa, pero esta vez crecidito y en plan marica. Resultado odioso."
jack_el_ripeador

Lo dicho, MITICO.

Si algún humanoide con telencéfalo altamente desarrollado y pulgar oponible ha comprendido los saltos temporales de 'Deja vú' ruego me haga un croquis

2007-05-19T00:40:00.000+01:00

SMOKE. El cuento de la vida.

2007-05-13T22:01:00.000+01:00

Humo (R.A.E.)
(Del lat. fumus).
1. m. Mezcla visible de gases producida por la combustión de una sustancia, generalmente compuesta de carbono, y que arrastra partículas en suspensión.
2. m. Vapor que exhala cualquier cosa que fermenta.
3. m. Vanidad, presunción, altivez.

Relea cada punto significante de esta palabra que, a priori, parece tan anodina. Reléalos y piense. Piense en un cigarrillo. No, mejor, piense en millones de cigarrillos. Cigarrillos que se encienden, se consumen y se apagan. Cigarrillos que, durante su corto período de vida, se consumen. Sí, esta es su única función por naturaleza. Se consumen y mueren. Mueren. Están en un camino inevitable hacia la muerte. Hacia las cenizas. Hacia la nada. Exactamente como usted. Y como yo.
Tic, tac….

Por tanto, a sabiendas del conocimiento sincero de nuestro punto final en la vida, ¿qué nos queda entonces? Consumirnos. Consumirnos de la mejor forma posible. Si sólo hay un cigarrillo, degustémoslo, sintamos el humo revoloteando en nuestro interior. El humo que nos haga sentir vivos. Eso es, soltemos lentamente una bocanada de humo. Lentamente. Muy lentamente. Como si detuviéramos las agujas del reloj. ¿Lo sientes? El humo se evapora, despacio. Despacio. Muy despacio. Y es justo en ese momento cuando el cigarrillo se siente vivo. Cuando asume que el paso del tiempo es despóticamente inevitable.

Smoke (1994) es un canto a la vida y a la felicidad a través del sufrimiento, el dolor y la mutilación. La mutilación como simbolismo natural del dolor. La pérdida de un ser querido es algo puntual pero extensible a toda una vida. Exactamente igual que la pérdida de un ojo o de un brazo. Algo que siempre permanece en el recuerdo. Un dolor, por tanto, eterno. El dolor paradójico de llamarse Felicity (Felicidad) y vivir la más despreciable de las vidas. El dolor de no encontrar una historia con la que recuperar tu honor como escritor. El dolor de la soledad. Callejones sin salida. Trenes que circulan por los raíles de la vida. Trenes que van y vienen, tomando las curvas que sean necesarias.

Tic, tac…

Tanto Paul Auster en el guión como Wayne Wang en la dirección realizan sin duda uno de los ejercicios de estilo más bellos de la historia del cine con una cinta llena de sentimientos que se torna en inolvidable ya con el primer visionado. De diálogos prácticamente filosóficos e incluso didácticos (con soberbios monólogos en su interior) como si de un cuento (o un poema) se tratase y con una puesta en escena de una sencillez abrumadora hasta una planificación absolutamente esencial, a veces, rozando lo teatral, Smoke se recuerda por secuencias maravillosas y magnéticas como la mirada de Rashid cuando observa a su padre, Cyrus, con su nueva familia o la reacción de éste mismo cuando se entera que Rashid es su abandonado hijo.

Si bien la película presenta un ritmo lento y pausado, no se avergüenza en absoluto de emplear el silencio con toda la potencia que posee. El silencio, una y otra vez, se convierte en arma fundamental. Prácticamente en narrador omnipresente de las diferentes historias. El silencio y las miradas hablan por sí mismas. Parece que no existen actores delante de las cámaras. Existen personas. Personas que viven. Y nosotros, lentamente, vemos cómo pasa el tiempo por sus vidas. Cómo les moldea. Cómo el humo se evapora…

Tic, tac…

Para qué vamos a decir que Harvey Keitel (como Auggie) y William Hurt (como Paul Benjamín) se comen la pantalla si la última secuencia del film (antes de los míticos créditos finales) es una de las secuencias imprescindibles en escuelas de cine, dirección e interpretación. Ese travelling casi eterno, lentísimo hasta pasar desapercibido, hacia la boca de Auggie mientras cuenta, mientras nos cuenta su peculiar Cuento de Navidad.

El mismo cuento de Navidad que, visualmente, podemos degustar en los créditos finales (en un acertadísimo blanco y negro) acompañado de la genial canción ‘Innocent when you dream’ de Tom Waits que aporta el toque justo para que esta secuencia sea maravillosamente mítica.

Permítase el lujo de saborear cada plano de este film. Tómese su tiempo. No pase las fotos rápido. Deténgase en cada una de ellas y obsérvela. Parece lo mismo, pero no lo es. Cada vez que vea esta película descubrirá cosas nuevas. Quizás porque haga sol o porque llueva, quizás porque sea de noche y no de día, quizás porque sea un momento temporal diferente, quizás por su estado de ánimo, quizás… “Algunas veces la misma gente. Otras, diferente. Y, a veces, la diferente se vuelven los mismos. Y, a veces, los mismos desaparecen”.

Tic, tac, tic, tac…

Saboreen el humo de sus vidas. Las cosas más preciosas son más ligeras que el aire.

¡¡¡Primera canción del verano!!!

2007-05-10T01:29:00.000+01:00

Pe...pe...pe...pero...esto...emmm...que...bueno....que....pero...esto... esto...djkfhlkdjvm,xnczv.,mcnvlkjhdgiouhrepioiprtgpoihfdghsdhla ñaslkdjfdlskafjdsnvm,cxvmncxlosmicrofonos.........

Que tengan una, cuando menos, original semana...¿ok?

2007-05-07T11:39:00.000+01:00

Cómo se crea la belleza

2007-04-25T12:11:00.000+01:00

Pascal Gaigne, nacido en Francia , reside en San Sebastián desde 1985. Alejado de toda escuela estética, su música tiene como referentes esencias de músicas de otras culturas, momentos de la existencia, emociones... Reconocido compositor de música de cine, ha firmado más de 25 películas como El sol del membrillo (Victor Erice), Flores de otro mundo (Iciar Bollain), Piedras o 20 centímetros (Ramón Salazar), Silencio Roto (Montxo Armendariz), Le cou de la Girafe (Safy Nebbou), Mensaka, El Otro Barrio y Las voces de la Noche (Salvador Garcia), y la más reciente Azuloscurocasinegro (Daniel Sanchez Arévalo).

Bellotos, les invito a que disfruten conmigo de la capacidad creativa de un genio de la música:

AzulOscuroCasiNegro: la muerte en vida (Review); y entrevista exclusiva a Daniel S. Arévalo

2007-04-18T09:50:00.000+01:00

El debutante en el formato largo Daniel Sánchez Arévalo nos regaló el pasado año uno de los mejores films españoles de la última década. Con tres premios Goya (de seis nominaciones) en sus vitrinas, AzulOscuroCasiNegro se presenta como una fábula del sueño prohibido, de una dura realidad, encerrada en situaciones, dolores, miradas y colores. El escaparate de las ilusiones y las aspiraciones en la vida. Ese escaparate que todos deseamos atravesar. Ese escaparate que, probablemente, nunca cruzaremos.

Jorge (encarnado por el también debutante protagonista Quim Gutiérrez) tiene sus propios sueños. Sin embargo, el camino hacia ellos parece hacerse cada vez más largo. Cada hora, cada minuto, cada segundo de su vida parece un precipicio hacia el sufrimiento, el dolor y el lamento. La amistad, el retorno de un antiguo amor y las extrañas visitas a la prisión, se tornarán en las únicas puertas de salida ante su desesperada existencia.

Con un prólogo absolutamente magistral, nos damos cuenta de que estamos ante una película única en la que la composición de cada plano, el empleo de la fotografía y la potencia musical serán elementos fundamentales de la obra. Y es que AzulOscuroCasiNegro respira magnetismo y bebe sencillez. Cada plano se siente de una forma muy especial. Cada plano es una pequeña joya, perfectamente conformada por la luz, el color, la distribución de los elementos y unos actores en estado de gracia. Puedes sentir las caricias de Jorge a su padre tanto como la duda que corroe a Israel sobre su condición sexual.

El simbolismo está presente a lo largo de todo el film con la sutileza que inunda cada secuencia. Una prisión de rejas horizontales enfrentada a una portería de rejas verticales. Quizás la vida de Jorge sea la peor de las prisiones. La prisión de la ilusión, del anhelo. La opresión diaria, rutinaria. El pez que nada en el agua de la pecera, sin rumbo ni destino, sin saber qué le rodea, sin conocer su propio color, si no fuera por el reflejo del cristal. Ese cristal que nunca superará. El anciano atado a la cama viendo cine de su juventud. Bañándose en nostalgia. El reflejo del paso del tiempo con un padre muerto en vida, dejando entrever que siempre estuvo muerto mentalmente. Por la infelicidad junto a su mujer. Por la infelicidad en el trabajo. Ese es el futuro que le espera a Jorge en la portería. Exactamente lo mismo que a su padre: la muerte en vida.

Daniel Sánchez Arévalo, con un pasado triunfal por el mundo del cortometraje y un camino creciente como guionista televisivo, controla de una forma muy personal el ritmo que le imprime al film, aprovechando a la perfección todos los recursos que brinda el séptimo arte: unas elipsis temporales sutiles y directas, un empleo de las voces en off con eficacia y estilo... Además, todo este control del ritmo, sumado a un montaje de historias entrelazadas técnicamente impecable, y aderezado con una dirección de actores más que notable con un Quim Gutiérrez (como Jorge) y una Marta Etura (como Paula) realmente sublimes (¡qué química hay entre estos dos jóvenes!) hacen de AzulOscuroCasiNegro una obra de degustación imprescindible para los buenos paladares.

En el reparto artístico destacan, además de los ya mencionados, un Antonio De La Torre (como Antonio) y un Raúl Arévalo (como Israel) que funcionan fantásticamente en cada secuencia que aparecen, dándole frescura y comicidad con dos estilos interpretativos muy peculiares y cercanos, en contraposición a una Eva Pallarés (como Natalia) que cumple pero no convence en el papel de antigua novia de Jorge o un Manuel Morón bastante chirriante como padre de Israel. Hector Colomé (Andrés) en el papel de padre enfermo realiza, sin duda, uno de los mejores trabajos de su filmografía.

Es cierto que, tras unos vertiginosos quince minutos iniciales, la película parece estabilizarse en buen campo, dejando trasvasar alguna secuencia anodina e innecesaria, como la de la fiesta de Natalia (la canción parece metida con calzador) y se perciben algunos flecos de guión que, si bien no son trascendentales, sí rompen un poco el puzzle de la credibilidad de la historia. Con todo, estamos ante una ópera prima (donde siempre se permiten carencias) que disimula su propia categoría tan sumamente bien que podría pasar perfectamente como tercer o cuarto de film de cualquier director. Y esa madurez representa tanto…

Juan Carlos Gómez y Pascal Gaigne realizan su labor de director de fotografía y músico, respectivamente, con un resultado absolutamente bello e inolvidable, mientras que Daniel Sánchez Arévalo se presenta como uno de los directores con más futuro del panorama español. Cada una de sus películas promete ser un mundo propio de ensoñación y realidad a partes iguales. De poesía visual y de música mágica. Un mundo de sensaciones que se pueda definir con un solo color. Con un color inventado, por supuesto.

Con motivo de la proyección de su film en el Aula de Cine de Navalmoral de la Mata (Cáceres), aquí tienen la modesta entrevista que realicé con mucho gusto a este gran director:

Rubin Stein: Buenas tardes, Dani. Prometo ser bueno…

Daniel S. Arévalo: Buenas Rubin, no espero menos, je je…

RS: Antes que largometrajista novato permítame que prefiera definirle como un cortometrajista de fondo, experimentado, multipremiado y francamente excelente. ¿el paso por el corto es necesario?

DSA: Absolutamente. Yo creo que es imprescindible tener una formación. Un lugar donde experimentar, aprender, crecer, formarte como contador de historias. Y para eso el cortometraje es perfecto. Además de que ningún productor va a confiar en ti si no tienes unos trabajos solventes que mostrar. Aunque por supuesto también defiendo el cortometraje como un formato con entidad propia, válido en sí mismo.

RS: Física 2 es el cortometraje que precede, narrativamente, a AzulOscuroCasiNegro ¿por qué decidió continuar la historia?

DSA: No fue una decisión en esos términos. Tenía escrito el guión de AOCN antes de escribir Física II. Y tras hacer el corto, me di cuenta que los personajes de Física II encajaban perfectamente en la historia de AOCN. Y a raíz de eso rescribí el guión. Eso sí, cambió el 90% de la historia. Del guión original casi sólo quedó el título y el espíritu de la historia.

RS: AzulOscuroCasiNegro. Un título original para una ópera prima que se antoja muy íntima y personal. La cultura de ‘El traje soñado’. ¿Qué es AzulOscuroCasiNegro?

DSA: Es una sola palabra. Un solo color que cambia según la luz que recibe. Es una metáfora de la vida de Jorge, el protagonista, que piensa que su vida es muy negra, y va descubriendo a lo largo del camino que en la vida siempre hay matices, colores, esperanza, luz…

RS: Ladrón de bicicletas (Vittorio de Sica, 1948) está presente. Magnolia (Paul Thomas Anderson, 1999) también. Y eso que las separan nada menos que 50 años de cine...

DSA: El Ladrón de Bicicletas fue una gran inspiración. Como algo en apariencia tan sencillo de conseguir (una bicicleta, un traje), y a la vez tan fundamental para trabajar, puede convertirse en una auténtica pesadilla cotidiana. Y enmarcarlo todo en la más estricta realidad. De Magnolia qué te voy a decir, para mí una de las mejores películas de la última década. No soy muy consciente de su influencia en la película, pero si la hay, bienvenida sea.

RS: En AzulOscuroCasiNegro predomina el potencial de sus actores envueltos en un guión de libro. Les cuida, les mima…

DSA: Para mí como cineasta lo más importante es el guión y la dirección de actores. Estuvimos ensayando siete semanas. Buscando qué había dentro de los personajes. Yo quería que cada uno de los actores supiera (experimentará) como iba a reaccionar su personajes en cualquier situación, aunque no esté en el guión. Una vez conseguido eso, el resto sale de manera natural y fluida.

RS: Personalmente, uno de los aspectos que más admiro del film es la maravillosa música de Pascal Gaigne. ¿Hasta qué punto usa la música como inspiración y como herramienta de creación?

DSA: Para mí la música es fundamental ya desde la escritura. Por ejemplo mientras escribía AOCN, escuchaba cada día la banda sonora de La última noche, de Spike Lee, compuesta por Terence Blanchard. Maravillosa. Me transportaba directamente al mundo de Jorge y me facilitaba mucho la inspiración. Y Pascal es grande, mi músico de cabecera, le escucho constantemente, cuando escribo, cuando pienso, cuando viajo, cuando amo…

RS: Tres Goyas como tres soles: mejor actor revelación (Quim Gutiérrez), mejor actor de reparto (Antonio De la Torre) y usted como mejor director novel. Un gran comienzo, pero, ¿cuál es su traje soñado dentro del mundo del cine?

DSA: Yo soy muy ambicioso. Yo quiero llenar los cines. Esa es mi máxima ambición. Ser un director popular, pero sin dejar de lado mi autoría, mi cine, hacer lo que yo quiero y como quiero. Yo quiero ser Amenábar, o Almodóvar, o Fernando Léón, o Medem, o Santiago Segura…

RS: La palabra ‘trauma’ en su vida y en su filmografía parece ser necesaria…

DSA: Cada uno tiene sus fuentes de alimentación e inspiración. Yo me nutro de traumas, de experiencias vividas que marcan tus acciones presentes y futuras. Eso siempre ayuda a crear personajes creíbles e interesantes.

RS: Y ahora viene cuando la matan. Su segunda y esperada película está en el punto de mira de muchos. No me cabe duda que será, si cabe, aún más redonda y profunda que ésta…

DSA: No me presiones, no me presiones… Se hará lo que se pueda. Lo bueno es que la idea la tenía mucho antes de todo este revuelo, y sigo fiel a esa idea. No he desviado mi camino, y creo que eso es buena señal, esperemos…

RS: Daniel Sánchez Arévalo, presente y esperanzador futuro del cine español. Y, como han podido comprobar, una estupenda y entrañable persona. Nos vemos en los cines.

Encuentra LA diferencia

2007-04-06T15:54:00.000+01:00

La triste historia del episodio piloto

2007-04-02T23:02:00.000+01:00

En qué momento alguien tiene los santos bemoles de tomar una decisión que afecte a millones de personas. Hasta que punto puede uno declararse autorresponsable de las motivaciones ajenas. Y lo que es peor, en qué instante esta decisión se torna cotidiana y anodina.

Bellotos, hoy les traigo un episodio de televisión. Un episodio piloto. Sí, el que se intenta vender a las televisiones para poder realizar la serie completa (o al menos, más capítulos). Nadie lo ha comprado todavía en España. Nadie. Nadie apuesta por algo jodidamente diferente. Por algo fresco. Por un humor tan inocente como oscuro. Porque creen que no tendrá audiencia. Pero, ¿quién toma esa decisión?¿Quién sabe que no tendrá audiencia? Sí, para eso exactamente se hacen los pases con público que testean el piloto. Pues bien, en la Muestra de Salamanca hicimos el experimento.

El episodio piloto de 'Las aventuras galácticas de Jaime de Funes y Arancha' fue proyectado ante casi cien personas. Fue todo un éxito. Funcionaba. Esta obra del genial e imprescindible Velasco Broca funciona. La gente no paraba de reir. Funciona. ¿Me oyen señores programadores de las cadenas? Fuunnciiiooonnnaa.

A medio camino entre La Hora Chanante y una película de Ed Wood, meándose en los Power Rangers y vomitando sobre las teleseries setenteras, aquí tienen uno de los episodios pilotos más arriesgados y míticos de todos los tiempos. De hecho, me atrevería a declararlo como futuro episodio de culto. Tiempo al tiempo. Que lo disfruten.

El efecto sorpresa

2007-03-25T15:19:00.000+01:00

Fíjense lo fácil que es toparse con un Huevo Kinder en sus vidas. Sí, he dicho Huevo. Y sí, he dicho Kinder. Vayan donde vayan, cafetería, supermercado, bazar, badulaque, incluso en tiendas de todo a cien. Allí están, todos juntitos. Esperándote. Su espectacular mezcla de color y diversión en su diseño, su forma ovaladita, ese delicioso chocolate con leche, tan crujiente... y dentro... dentro... una sorpresa. Una jodida sorpresa. Atiendan bien a la expresión: SORPRESA.

(Sorprender)
1. tr. Coger desprevenido.
2. tr. Conmover, suspender o maravillar con algo imprevisto, raro o incomprensible.
3. tr. Descubrir lo que alguien ocultaba o disimulaba.
4. tr. Perú. Engañar a alguien aprovechando su buena fe.

Digamos que desechamos la primera definición, porque precisamente desprevenidos no estamos. La tercera ni nos la planteamos a no ser que dentro del Huevo esté la resolución del último episodio de Twin Peaks. Por tanto, es decisión absolutamente personal decantarme por la perspicacia peruana. SORPRESA: Engaño aprovechando la buena fe de una persona. Nadie, absolutamente nadie compra el Huevo Kinder por el chocolate. Todos quieren la sorpresa. Y les engañan aprovechándose de su buena fe, de sus ansias por poseer el secreto que nadie más sabe.

Comercialmente, una buena película de cine siempre debe de ser un Huevo Kinder. Al menos, parecerse todo lo posible. Fíjense que uno se decide por ver un film u otro, muy influenciado por el envoltorio que se le muestra, llámese trailer, cartel, reparto, publicidad en general. Se vende una sorpresa que sólo se conseguirá sentándose en una oscura sala de cine. La enorme pantalla se iluminará sólo para ti. Para que abras el Huevo. Pero es que, mientras su madre devoraba el chocolate, un niño valenciano llamado Bonifacio (el Bonifat) un día se dió cuenta de que el cochecito montable que incluía su Huevo Kinder era exactamente igual al que tanto le había ilusionado tan sólo dos días antes. Eso sí, el primero era verde y éste, amarillo. Pero era el mismo. Joder, exactamente el mismo. Mismas ruedas, mismos logotipos, mismo conductor congelado. Sin embargo, Bonifacio, aunque extrañado por el descubrimiento que había experimentado, no le dio importancia e ilusionado, al día siguiente compró otro Huevo Kinder. Mientras su madre usaba dos tallas más, él ya poseía una enorme colección con 9 coches, 6 motos, 25 asterix, 6 obelix y un gatito. Sin duda, el gatito era su preferido, quizás por la exclusividad, por la unicidad de su ente.

Bonifacio Casquiles, descubridor del efecto sorpresa.

La sorpresa en una película es algo tan estandarizado, que, sin duda, nuestros amigos peruanos aciertan de pleno. Cuántas películas de amor tienen la misma base y el mismo final, pero con diferentes actores. Cuántos thrillers tienen al mismo asesino en serie, con las mismas pistas y resoluciones. Cuántos films de terror abusan del susto fácil y del niño espectral o el monstruo comeojos. Cuántas comedias repiten sin cesar los mismos gags. Pero los Huevos Kinder se venden cada vez más y más. Los medios de comunicación cada vez son más potentes y directos. Y, con ello, los envoltorios cada vez son más sofisticados. La necesidad de revelar esa sorpresa se hace casi vital. Ya casi no quedan gatitos por descubrir.

Traspasemos ahora la frontera de lo comercial para llegar a la estructura de un film. Otro Huevo Kinder. El factor sorpresa atiende ahora a crear una expectación en el espectador (expectado). Esa sorpresa bien situada en el clímax de la película (unos diez minutos antes de que termine el film) es el mayor comecocos existente para el guionista de a pie. El guionista (despues el director y despues el montador) del film te permitirá que descubras un coche de otro color al que ya conoces o te brindará la oportunidad de asombrarte con un lindo gatito. Normalmente, el resultado es proporción directa al ingenio de los autores e indirecta a la espectativas del productor. Eso sí, sea coche o gatito, muy probablemente el envoltorio sea la hostia. ¡Dentro hay una sorpresa!

300, taquillazo donde los haya es un ejemplo perfecto de Huevo Kinder absolutamente vacío. No hay sorpresa. Nada. NADA. Pero se han pasado mucho tiempo expectantes. El envoltorio publicitario ha funcionado. Han comprado el Huevo. Han saboreado el chocolate manifestado en una acojonante puesta en escena y unas secuencias pictóricamente bellas. Pero dentro no hay nada. Es un cómic, ya. Por eso me gusta. El chocolate es delicioso. Pero no es suficiente. A este nivel no. A este nivel queremos el gatito.

Ya, me pillaron. ¿Cómo sabemos si dentro hay un gatito o un coche? Para ello debemos comprar previamente el Huevo...

Y ante eso sólo puedo decirles:

¡¡ SORPREEEESAAAA !!

Y así vivimos la MUESTRA LA AUDIENCIA 2007

2007-03-20T11:10:00.000Z

Todavía me estoy recuperando de tres días absolutamente míticos en esa ciudad, que amo como la que más, llamada Salamanca. Tres días de cine en su máximo esplendor. Tres días de momentos inolvidables junto a personas mucho más que entrañables. Tres días rodeado de viejos amigos y de nuevas amistades. Ha sido mucho. No, no, MUCHO, el trabajo que he realizado para llevar esta ilusión a cabo, para traer el cine a Salamanca como se merece, para inundar el ambiente de un halo de cine y cariño, con la suficiente previsibilidad y programación que requiere un evento como éste. Pero, inevitablemente, este no es mi pastel. Es el pastel de todos: de Joserra, el maravilloso y abismal impulsor del evento; de Agnes Wanat, codiseñadora del cartel oficial junto a un servidor; de Henrique Lage, inmenso colaborador; de Gustavo Pereira, ayudante incansable; Eliseo Martín, siempre pegado a su cámara; Bruto Pomeroy, entrañable presentador y amigo; Marta Fuertes, Ángel Badillo, Daniel S. Arévalo y Jose J. R. Melcón, el jurado de auténtico lujo de esta edición; Javier San Román, Álex Montoya, Raúl Navarro, Alex Weimar, Hanni Welter, Miguel Angel Martín, Borja Cobeaga, Velasco Broca, Raúl Cerezo, Diego López Cotillo, Francisco Calvelo, Daniel Romero, Raúl Garán, Nacho Vigalondo, Oriol Puig, Carlos Talamanca y Juan Pérez-fajardo, cortometrajistas de enorme calidad (y personas de incalculable valor) que han apoyado, con su presencia, encarecidamente la muestra; y cómo no, este pastel conformado por una masa consistente y miles de sabrosos ingredientes ha sido nuestro más sincero regalo al estupendo público que nos ha acompañado durantes estas tres noches inalcanzables. Y, por supuesto, a todos los seguidores del evento a través de internet. Si me olvido de alguien, perdónenme, mi memoria está demasiado alejada de mi corazón. Con todo, les manifiesto mi agradecimiento visceral y sólo me queda desearles, como los payasetes del circo, un enorme: HASTA SIEMPRE.

Rubin Stein, director de la Muestra

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Y ahora disfruten con el excepcional reportaje de nuestro reportero más dicharachero Miguel Ángel Refoyo, Refo:

"Otro año más, creciendo poco a poco, como una idea en pleno desarrollo, sin ínfulas de grandiosidad pero con un paso firme para convertirse uno de los referentes dentro de las muestras cortometrajísticas que pueblan la península a lo largo y ancho de su territorio, La Muestra de Cortos de La Audiencia de Salamanca, ha encontrado su creciente éxito en el trabajo bien hecho, sustentando su proyecto en el impecable precepto de aprendizaje, con la exposición de los mejores trabajos del año, dando oportunidad a un heterogéneo grupo de cortometrajistas que presentan sus mejores cortos dentro de tres noches para el recuerdo.

Esta Muestra nació en 2006 como plataforma de impulso ya no sólo para nuevos cortometrajistas, objetivo prioritario, sino como encuentro que ha logrado reunir, en solo dos años de existencia, a los mejores y más prestigiosos cineastas que han triunfado y siguen dando lo mejor del panorama del cine en pequeño formato del país. Encuentros donde compartir experiencias, enseñanzas y anécdotas de un universo que ha experimentado profundas transformaciones y que le han llevado a convertirse por fin en un género audiovisual con entidad y problemática propias. Con estos elementos, las tres veladas volvieron a ser otra de esas demostraciones de inolvidable conciliación, divertimento y aprendizaje en un marco incomparable como es la ciudad de Salamanca.

Día 14 de marzo

La velada comenzó con los cortometrajes de Javier San Román, que presentó tres obras entre las que figuraban ‘Proverbio Chino’, uno de los ganadores en la categoría ‘Vente a Salamanca’, junto a los cortos de Francisco Calvelo y Oriol Puig, que, en su primera edición, ha tenido una excepcional acogida (más de 250 cortos recibidos). Una sección que a buen seguro crecerá en próximas ediciones en beneficio del cortometraje español. El corto de San Román expone la intencionalidad del autor por poner sobre la mesa una temática social como el racismo de una forma elegante, donde el humor tiene cabida a la hora de hablar de xenofobia. ‘Proverbio Chino’ narra la vida de un joven cubano que quiere trabajar en un restaurante chino, pero el color de su piel juega un papel determinante en sus posibilidades. San Román también presentó ‘Lección de Historia’ (primer premio en el certamen 2005 de Cortos contra el racismo de SOS Racismo) y ‘Madrid-Moscú’, cortometrajes que no se alejan mucho de ese objetivo del director por narrar, sutilmente y sin caer en el efectismo, la problemática de la desubicación territorial entre las diversas culturas. Y de ello charló San Román contestando a las preguntas de Bruto Pomeroy, que volvió a repetir como maestro de ceremonias y presentador a lo largo de los tres días que ha durado el evento. Por su parte, ‘O Sole Mio’, de Alex Weimer y Hanni Welter, llegó desde Alemania para evocar la fantasía con la tragicómica historia de un hombre enamorado que encuentra en un viejo robot encontrado en la basura el elemento perfecto para conquistar a su amor utópico. Un corto que se define perfectamente con la resonancia del vetusto embrujo que tenían las comedias iniciáticas de Roberto Benigni (al menos así lo ven sus directores). Para lo bueno y para lo malo.

Miguel Á. Martín llegó sin Borja Crespo (que estaba ejerciendo labores profesionales en el Festival de Cine Español de Málaga) para presentar ‘Snuff 2000’ y el posterior ‘making of’ de este controvertido cortometraje basado en los violentos y polémicos cómics del autor leonés. Martín departió, con su habitual conocimiento absoluto e intuitivo, sobre algunas de las realidades del orbe cinematográfico y el cómic, exponiendo su punto de vista sobre ambos artes. ‘Snuff 2000’ es la visión cinematográfica del contexto aséptico y luminoso del mundo de Martín, que contrapone esa luminiscencia colorista y alegre con situaciones aberrantes enfatizadas con una extrañeza sádica y oscura. Tras los pormenores del corto de Crespo, llegó el turno del célebre dúo conocido dentro del panorama de pequeñas ficciones autodenominado RLUX (compuesto por Raúl Navarro y Álex Montoya), que trajo a Salamanca una amplia gama de trabajos, dejando ver la pluralidad de dos cineastas que apoyan sus trabajos en la agudeza imaginativa e ingenio cuando se trata de comedia y de un poso de inquietud transformadora con drásticas divergencias entre imagen y fondo cuando se trata de géneros considerados injustamente mayores. Por eso, nada tiene que envidiar ese extraordinario trabajo suyo (y el más ilustre) titulado ‘El Punto Ciego’, con el juego de ‘slipt screen’ a dos tiempos en un ‘thriller’ sórdido y sucio, como algunos de sus ‘spots’ televisivos, rarezas como el delirante ‘Pollo!’ o pequeñas piezas como las dos versiones de ‘Te quiero’, ‘Si quieres, puedes’ o ‘H&D’. Lo loable de estos jóvenes de prometedor futuro es la gran diversidad que acopia su prolífica y creciente obra. Y todo ello, con humildad, como lo hizo ver Álex Montoya (su media naranja creativa no pudo asistir a la muestra).

La gran figura de la noche debía ser, a todas luces, Borja Cobeaga, el flamante nominado al Oscar por ‘Éramos pocos’ que, como era de obligación, no podía faltar dentro de esta convite aceptado con gusto por un hombre tranquilo como el antedicho. Y lo fue. El cineasta vasco acudió para presentar, asimismo, su trabajo ‘La primera vez’ (que fue nominado al Goya) y algunas divertidas piezas de su paso por ‘Vaya Semanita’, algún que otro spot publicitario y diversas piezas que hicieron las delicias de todos los que se acercaron a ver de cerca a este nuevo fenómeno de masas. Cobeaga, consecuente de la atracción que despertó presencia, se acrecentó a la hora de conversar sobre su experiencia hollywoodiense con una intensiva sucesión de anécdotas, de sus proyectos, de sus intenciones cinematográficas y de su condición superior de vascongado.

Tras las más de tres horas de proyecciones y coloquios, Cobeaga atendió amablemente a los estudiantes de Comunicación Audiovisual salmantinos y rezongó pidiendo un ‘karaoke’, cuando la fiesta nocturna (tan imprescindible en estos encuentros charros –Salamanca y la fiesta sin fin son términos fusionados) empezaba y cuando se accedió a su petición, el ‘oscarizada’ protagonista se fue tempranamente… ¡Sin cantar! Y dejó para el recuerdo el vestigio de que el verdadero rey de la noche fuera, con todo merecimiento, Miguel Á. Martín, que instruyó con su habitual cinismo, y en ‘petit comité’, sobre las obsesiones del que él es una providencia (cine, cómic, arte, vida, sadismo, diversión y algazara nocturna).

Día 15 de marzo

El segundo día estuvo marcado por el perceptible sello antológico de un inacabable y absurdo gaudeamus sin freno, que caracterizó la noche del jueves en general. Hubo de todo antes, durante y después de la muestra. Si la selección de la noche comienza con ‘Go’el’ y ‘Crisálida’, ambos trabajos de Francisco Calvelo, cualquier cosa puede pasar. Los cortos de este gallego definen una singular personalidad, capaz de radicalizar sus historias con una clara apuesta de escisión psicológica sobre las tramas que recrea, experimentando con una valiente narrativa capaz de erigir un identificable estilo, más allá de lo que pretende contar, en la agobiante atmósfera con la que quedan contrastadas las imágenes de sendos cortometrajes. Calvelo, tan cerca y tan lejos de David Lynch y de múltiples referencias del ‘anime’ y el cine asiático, logra con aparente facilidad poner al espectador al límite con su universo opresivo y hostil, inaccesible pero sugestivo. Una ficción desterrada en el carácter del autor, exhibido en la cercanía de un tipo campechano, con un sentido del humor cercano y una identidad propia que difiere con la metáfora, el desconcierto y el malsano éter que determinan un potencial cinematográfico que habrá que seguir con mucha atención. La sorpresiva diferenciación con la gran mayoría de los cortometrajes que inciden en la redundancia de fórmulas que terminan por recargar muchas historias en formato corto es lo que acentúa la obra de Calvelo, pero también el objetivo final del espléndido corto ‘La habitación continua’, nuevo trabajo del dúo Daniel Romero y Raúl Garán tras el sugestivo corto ‘Una puerta cerrada’.

Romero y Garán vuelven a tantear, cada vez con más acierto y una estética más depurada y pulida, una narración genérica de ciencia ficción, ésta vez, a modo de ‘thriller’ futurista a través de las reflexiones humana y metafísicas de dos científicos que experimentan con cobayas humanas una serie de fármacos durante una apocalíptica pandemia. El asfixiante contexto (una habitación oscura y sin límites), su duración (no llega a los 10 minutos) y la conseguida narración apoyada en una inquietante fotografía de claroscuros y tonos ocres convierten ‘La habitación contigua’ en el resultado de otro éxito en la ascendente carrera de estos cineastas madrileños que, representados con Daniel Romero en la muestra, apuntó ‘La Jeteè’, de Chris Marker, como referencia principal de un corto extraordinario.

Tal vez, el cortometraje que menos tenía que ver con el cómputo de géneros más o menos fraternos en sus designios la noche del jueves era el presentado por Diego López Cotillo. ‘Conciencias’ es una pequeña historia costumbrista sobre un aula de clase de instituto, unos niños, una profesora, un examen final y el arte de la ‘chuleta’ como dispositivos de un corto que acerca su mirada, bajo el modelo del naturalismo (en voluntad narrativa y en fotografía), a la inquietud del mundo adolescente visto con la nostalgia de un “Coti” al que le importan más los gestos, las miradas, la sensibilidad y tensión del momento que las palabras o el manierismo formal. La cercanía con la que López Cotillo observa a sus personajes se equipara a la misma con la que el hombre que hay detrás de un creador irradia ilusión, bondad y simpatía. Fue, sin duda alguna, uno de los realizadores que más disfrutó de esta segunda edición de La Audiencia.

“Dolor…” repetía una y otra vez el excéntrico cineasta madrileño Raúl Cerezo antes y después de proyectar su cortometraje ‘Escarnio’, adaptación del cuento ‘La gallina degollada’, de Horacio Quiroga. “Dolor…”. La palabra define a la perfección esta oscura fábula sobre el rechazo, la humillación y el desconsuelo, sobre la ambición de la perfección y el maltrato a la anormalidad. Un recorrido que tiene como telón de fondo la enfermedad y el defecto humano, ya que física o psíquicamente todos los personajes, menos una niña idealizada en la pureza inocente, están sumidos en la malformación. También se pudo ver ese documento titulado ‘Día V’ (estrenado en el Festival de ESCORTO, que dirigen Cerezo y López Cotillo), panegírico que levanta su voz contra las envidias y malos rollos que existen muchas veces en el mundo del corto. Mientras unos triunfan con méritos, talento y esfuerzo, otros, menos capacitados, se dedican a reprobar la genialidad desde la rivalidad y el rencor. Un corto que debería hacer reflexionar sobre el mundo del cortometraje en España.

Sin embargo, lo que de verdad hace reflexionar es que un tío como César Velasco Broca, con ese delirante mundo, algo intransitable pero dotado de una brillantez rotunda, tenga que ganar con su corto ‘Avant Pétalos Grillados’ uno de los premios más importantes del Slamdance (el de mejor cortometraje experimental) para que se empiece a hablar un poco de su excelente aunque corta obra cortometrajística. Y ni con ello, poder sacar su próximo trabajo en España, después de haber visto truncado su debut en el largometraje con ‘Noches Transármonicas’, con guión coescrito junto a Nacho Vigalondo. El universo extraterrestre y extremo de Velasco Broca aterrizó en La Audiencia para ostentar un cosmos de humor surrealista con trabajos como el citado y laureado cortometraje, así como sus antecedentes ‘Kinky Hoodoo Voodoo’ y ‘Der Milchshorf: La Costra láctea’, creaciones donde el fetichismo, el humor soterrado, la Deep Spain, los iconos metafóricos y la directriz fantástica de cariz alienígena hacen de este extremista visual y argumental una de las figuras más interesantes del panorama corto de nuestro país. Por si fuera poco, el público pudo reír a carcajadas con el pase de esa joya de ineluctable humor que es la inédita ‘Las aventuras galácticas de Jaime de Funes y Arancha’. Velasco Broca terminó de fascinar al público con la posterior y memorable charla de perniciosa duración (casi hora y media para él solito), donde el realizador hizo un extenuante repaso por su vida, obra, voluntades y obsesiones.

Como anécdota destacable, en cada muestra de esta tipología, suele realzar la aparición de algún ignominioso fulano que, con autoconsciente petulancia e impertinencia, hace gala de una gilipollez suprema fuera de lo común con supuestos comentarios agresores. La noche del jueves, tuvo un protagonista añadido que no hacía más que atacar en forma de preguntas (a veces sin sentido, siempre con ademán erudito) a todos y cada uno de los que presentaron sus trabajos, siendo rebatido con emotivos discursos sobre el respeto al corto, descaradas réplicas con muy mala hostia y la indiferencia cada vez que este chaval abría la boca.

Lo que no se podrá olvidar fue la posterior fiesta nocturna, con plétoras de toda índole, abrazos dipsómanos, risas incontenibles, amistades efímeras y duraderas e incluso la aparición de ‘groupies’ casquivanas que se ofrecieron a los cabezas de cartel o realizadores más conocidos a lo largo de las tres noches.

Lo cierto es que todo el mundo acabó gritando: “¡Maldito seas, Mingo!”.

Viernes 16 de marzo

Como si las horas sin dormir, el exceso o el cansancio no acaecieran sin remisión, la tercera y última jornada arrancó con ‘Víctor y la máquina’, de Carlos Talamanca, una extraña fusión de ambiente sureño con notas musicales de guitarra española y cine fantástico que evoca el mito de Prometeo y Frankenstein de un modo edulcorado y inmaculado, con excesiva candidez y estética apoyada en un níveo blanco y negro para contar la historia de un niño pequeño que sueña con resucitar a su padre usando piezas de una vieja motocicleta. Como bien apuntó Henrique Lage (preseleccionador de este nuevo espacio dentro de la muestra) es algo parecido a un “Tetsuo a lo flamenco”. Todo muy bonito, con voluntad, pero inexpresivo. Eso sí, lleno de buenas intenciones y honestidad, como bien demostró el cortometrajista en el breve discurso que dedicó a los asistentes.

El mundo de la animación también tuvo su espacio este año. Juan Pérez-Fajardo, recientemente nominado al Goya al mejor corto de animación por ‘Hasta la muerte’, presentó en Salamanca esta pequeña genialidad de un director que además de ejercer como tal ha creado el diseño de personajes y escenarios, storys, animática, animación, modelado, edición de vídeo y postproducción de sus trabajos. Un fuera de serie, vamos. Lo más interesante de su intervención, amén de las bondades de este trabajo precedido por su anterior ‘El ataque de los zombies adolescente’ (ambas con una atracción por el humor y la muerte en común), fue la pequeña ‘master class’ que improvisó Pérez-Fajardo con pequeñas lecciones básicas de utilización de 3D con 3dsmax desde un portátil que reflejaba sus movimientos en la lona de proyección. Un detalle que cautivó al público y dejó claro hasta qué punto este joven realizador lleva a cabo su laborioso y arduo trabajo para la destacada visión del mundo animado digital con términos desconocidos relativos al Character Studio o Combustion.

Si el año pasado Jim-Box encandiló a todos con su presencia como flamante ganador del Notodofilmfest. Este año Oriol Puig tomó relevo presentándose como recién ganador de la V edición del prestigioso certamen Festival Jameson de Cine Destilado con su corto ‘Atracciones’, aprovechando la coyuntura para celebrarlo con los asistentes junto a la proyección del corto. ‘Atracciones’ es, según su propio director, “una historia de amor de una pareja que quiere comenzar su relación con toda la verdad por delante, aunque ésta sea muy íntima y dolorosa”. Una sinopsis que el propio Oriol reconoció estar influenciada por apuntes biográficos a la hora de adaptar sucesos que le han contado o ha vivido personalmente para esta miscelánea de humor, comedia romántica, truculencia escatológica y sexual, impregnada de una verdad que alude al espíritu del cómic más ‘underground’ de los 90, pero que encuentra su peor e inapreciable enemigo en un doblaje que no ayuda nada a la credibilidad de la historia. También Puig proyectó ‘Zapatos limpios’, corto con menos aspiraciones que ya estuvo a punto de conseguir el año pasado el premio mejor dotado del certamen dirigido por Javier Fesser y que, con cierta lógica, todo el mundo señala bastante superior a este ‘Atracciones’ con esa historia mínima sobre el cine dentro del cine. Oriol, en cualquier caso, diseñador de profesión y cineasta ocasional, se mostró como lo que es, un tipo entrañable que disfruta al máximo haciendo cine.

La gran baza dentro de un cartel de estas características es, como siempre, conseguir que Nacho Vigalondo esté presente. Lo es, fundamentalmente, porque el cántabro es una atracción, porque su carisma y ‘vis cómica’ ayudan a elevar la notoriedad de este tipo de saraos. Vigalondo es un ‘crack’ mediático. Él lo sabe. Y hace disfrutar con sus anécdotas y narraciones con una pose y una destreza que pocos pueden ofrecer. También es un virtuoso individuo que convoca su humor e inteligencia fílmica cuando el público tiene la oportunidad de disfrutar de sus obras llenas de calidad e ingenio, como el amplio catálogo de videos que se pudo disfrutar en esta edición de La Audiencia; ‘Choque’, ‘Domingo’, ‘Una lección de cine’, la trilogía ‘Código 7’ y el trabajo nominado al Oscar hace dos años ‘7:35 de la mañana’. Velasco Broca, la noche anterior, había confesado que Vigalondo podía vomitar cuando quisiera (“os reto a que se lo pidáis”, animó), también se suele arrancar a cantar cuando alguien le pide que coree en directo alguna de sus míticas coplas. Vigalondo se negó a ambas cosas. No procedía. A cambio dejó sus habituales tertulias con disertaciones sobre su cine y el arte en general con ese magnánimo proceder salpicado de anécdotas humorísticas que tan bien sabe exprimir. Pero si por algo destacó Vigalondo fue porque, contra todo pronóstico (tenía que viajar muy pronto para trabajar en ‘Los Cronocrímenes’), se quedó disfrutando de otra ilustre noche salmantina junto a toda la ‘troupe’ que componía esta edición de La Audiencia. Eso es actitud. Algo que al de Cabezón de Sal le sobra y que hay que agradecerle.

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De nuevo Salamanca volvió a ser el centro, por unos días, de un mítico encuentro entre cortometrajistas. Sin importar el género, el formato o la procedencia. De nuevo La Audiencia, cafetería propiedad del incansable JoseRa (el principal valedor para que todo esto sea posible) volvió a dar la oportunidad al inefable Rubin Stein para congregar a un grupo de cinéfilos que disfrutan delante y detrás de la pantalla con tres días memorables. Tres días en los que Bruto Pomeroy presentó y Eli Martin, incansable como siempre, grabó todo lo que allí sucedió, así como ese amigo de Stein llamado Gustavo, gran persona humana que estuvo fantástico ejerciendo labores de producción. Tres días que tendrán su continuidad el año que viene, cuando la III Muestra de Cortometrajes de La Audiencia vaya escalando un pasito más en su aspiración por ser una de las reuniones de talentos dentro del mundo del corto más importantes del país. Por ahora, lo están haciendo de forma impecable. Que sea por muchos años."

¿TE LO VAS A PERDER?

2007-03-12T00:12:00.000Z

Este mítico cartel (diseño de La Bellota Radiactiva ) luce ya por toda la ciudad de Salamanca, encendiendo las mechas de lo que serán tres días de vértigo y pasión absoluta por el formato corto. Tres días para el disfrute de grandes cortometrajes, para la convivencia con estupendos directores y para aprender y compartir con el público ese punto de unión entre todos ellos: el amor por el cine . Cada director (tras la proyección de sus cortos y material extra) atenderá amistosamente a vuestras preguntas y, además, nos hablará sobre unos temas determinados: producción de un corto, cómic y storyboard, publicidad, humor, episodios televisivos, experimentos cinematográficos, Slamdance, Festivales de cine, los Oscar, los Goya, animación 3D, cine por internet.... Pasen y vean nuestra programación :

___//__MIÉRCOLES 14_/
Borja Cobeaga
RLUX: Álex Montoya y Raúl Navarro
Javier San Román
Miguel Ángel Martín
Alex Waimer y Hanni Welter

__//_JUEVES 15_//
Velasco Broca

Raúl Cerezo

Francisco Calvelo

Daniel Romero y Raúl Garán

Diego López Cotillo

_//_VIERNES 16_//

Nacho Vigalondo

Juan Pérez-Fajardo

Oriol Puig

Carlos Talamanca

Si quieres ver el cartel en perfecta calidad y tener más detalle sobre los directores, los cortos que se proyectan, horarios, entradas... pulsa AQUÍ

Ya ven, a veces, Rubin organiza eventos y éste, precisamente éste, es uno de los que ningún amante del formato corto se puede perder. Con todo, les mantendremos informados en esta misma web de lo que acontezca cada noche de la muestra con los estupendos reportajes de Miguel A. Refoyo. Si puede acercarse a Salamanca alguno de estos días, no lo dude, estará rodeado de amigos y de cineastas de enorme talento.

¡ SALAMANCA ARDE CON EL CINE !

¿ ¿ TE LO VAS A PERDER ? ?

Más info en la web oficial de la Muestra de cortometrajes LA AUDIENCIA

Tragedia rural sin sabor. La noche de los girasoles. (Review)

2007-03-02T23:11:00.000Z

Normalmente uno ve unas cuantas películas al año. Algunos vemos demasiadas. Es imposible ver todas y en eso estamos de acuerdo. Pero a veces, y sólo a veces, hay una película que parece cruzarse en una situación de lo más inesperada. Para que la veas. Para que no la esquives inconscientemente. Y no atiendo a razón física cuando intento comprender porqué esa película casual suele provocar resultados extremos. O la amas. O la odias.

Ceremonia de los Goya 2007. Escucho el nombre de esa película que llevo esquivando meses. La noche de los girasoles. Pierde. Eso me agrada por dos motivos. Uno ya lo saben. El otro es que, no sé porqué, siempre siento una extraña cercanía a las obras finalistas de un concurso. No ganan. Lloran. Y precisamente llorar es un acto de rabia, de rencor, de resignación, de aprendizaje. El que gana ríe. El que ríe no piensa. El que llora sí. El que ríe quizás lloró demasiado previamente. Estoy decidido. Es el momento de verla.

Mientras la veo, no dejo de parar la cinta. Stop. Play. Stop. Play. Stop. Hay demasiadas cosas que no puedo dejar escapar. La cinta me golpea pero me hace cosquillas. No entiendo nada. La veo otra vez. De esto no puedo hacer una crítica formal, pienso. Sería injusto. Para mí y para su director. Y es que el debut en formato largo de Jorge Sánchez Cabezudo es como una piruleta amarga. Se ven intenciones de repetir fórmulas que funcionan, pero mezclándolas a batiburrillo. Llama mucho la atención el montaje fragmentado tan innecesario. Un simple artificio que no aporta nada, o muy poco. Realmente todavía apostaría a que fue una decisión de montaje (ante la necesidad de darle vida al film), y no de guión. Un guión centrado en unir unas cuantas piezas y casualidades, bajo un halo de thriller rural y con unas pizcas de drama, que siempre queda bien. Guión nominado al Goya. La música... ¡quién no recuerda la música! Omnipresente. Personalmente me encantan las misteriosas melodías de Krishna Levy, pero todo tiene un límite. A Tim Burton se le perdona, pero aquí... volvemos a lo mismo. Parecen 'arreglos' ante un film soso. Arreglos de azúcar, eso sí.

Y por fin, queridos bellotos, llegamos a ese punto en el que, o cerramos los ojos y las orejitas, o queremos matar a varias personas del equipo técnico y artístico. Sí, la palabra casting cobra sentido en películas como ésta. ¿Quién ha hecho este casting? ¡¡Quién ha hecho este casting!! Desde psicópatas incomprensibles (lo de Manuel Morón es algo imperdonable, y con AzulOscuroCasiNegro, ya van dos...) hasta chavales que parecen estar de broma, pasando por secundarios becarios. Todo vale. Y lo que es aún peor. Como el casting lo hicimos mal.... doblemos algunas voces con dobladores profesionales. Y, ojo, esto podría incluso haber sido un acierto. Pero es que está tan mal doblada que parece una broma. En este momento, me rindo y acepto que es una ópera prima. Debe tener fallos. Lo sé. Lo sabemos. Pero estos fallos, si me lo permiten, me parecen de cortometraje. No de película nominada a los Goya.

Eso sí, no se equivoquen con mi crítica. Es una crítica desde el llanto. Desde la resignación. La película también presenta numerosos aciertos. Carmelo Gómez sorprende. Está correcto. Cesáreo Estébanez lo borda. La bella Judith Diakhate, aunque extrema, presta momentos muy lúcidos. Y, salvo decisiones que quizás no le han concernido, Jorge Sánchez-Cabezudo se mantiene firme tras la cámara, con muchos aciertos narrativos y apuntando maneras. La terrible pena es que los puntos a favor se vean absolutamente enterrados por los evidentes y, a veces, insultantes errores.

Un film que peca de autogustarse demasiado y dejar en el olvido aspectos demasiado importantes para el equilibrio narrativo. Con todo, una película fácil de ingerir y entretenida, que denota un autor con ganas de experimentar fórmulas importadas. Esperemos que en la próxima película se pulan estas imperfecciones y podamos ver una gran sonrisa de su director. Entonces, y sólo entonces, prometo sonreir también.

La dura vida del director de cine: KUBRICK

2007-02-27T11:12:00.000Z

Chica prodigio busca algo que le robaron hace mucho

2007-02-20T12:09:00.000Z

El proceso de una genialidad

2007-02-13T21:18:00.000Z

Y es que el hecho de simbolizar en imágenes cada sonido albergado en un tema musical parece algo tan complejo como absurdo. Y tan absurdo como mágico. Piensen en ello. Cada golpe de bombo, platillo, teclado, guitarra, voces.... todo. Y si a esto le unimos que la canción es uno de los temas electrónicos con más sonidos diferentes en su haber, pues la cosa, si cabe, se vuelve más apoteósica.

Y fue uno de los maestros del videoclip, Michel Gondry, el que se puso manos a la obra con el tema Star Guitar de los Chemical Brothers. Dado que el vídeo es algo extenso, adelántenlo si lo desean, pero no se pierdan el experimento final.

Y despues de comprobar que la loca idea funciona en pantalla, ahora queda asimilarlo a una situación real, para que el público, al encontrarse en esa situación cotidiana, directamente recuerde esta canción. Vinculación por similitud. Y qué mejor, en este caso en el que necesitamos diferentes elementos que avancen por pantalla, que un viaje en tren. El resultado final es uno de los mejores videoclips de la historia embelleciendo una de las mejores canciones de los hermanos Chemical. Disfrútenlo.

Spot para Notodofilmfest

2007-02-05T11:51:00.000Z

Suburbios del festival Notodofilmfest: El foro. El año pasado fue una parodia del cortometraje 5,25 lo que produjo una reacción viral en la que aparecieron versiones tan variopintas como "5,25 por Amenábar", "5,25 por Nacho Vigalondo", etc... Yo aporté mi granito de arena con 5,25 por David Lynch, rindiendo un pequeño homenaje al maestro de la creación de atmósferas.

Pues bien, este año no se trata de versionar ningún corto, sino de hacer un spot visual que encaje con las cuñas radiofónicas de promoción del festival. Como este tipo de cosas siempre consiguen animarme, aquí os presento mi spot. Como el año pasado, el spot encierra un pequeño homenaje, aunque ésta vez algo más oculto... Espero que os guste, bellotos:

El mundo de los efectos especiales está cambiando

2007-02-01T15:13:00.000Z

Y es que, bellotos, me quedo sin palabras.

Tres Goyas para Dani

2007-01-29T12:58:00.000Z

Antonio De La Torre como mejor actor de reparto.

Quim Gutiérrez como mejor actor revelación.

Daniel Sánchez Arévalo como mejor director novel.

Broche de oro para uno de los mejores films españoles del año.

Un director de los grandes. Una persona de las pocas. Un equipo admirable. Unos actores ilusionados e ilusionantes. Todo un ejemplo. Para todos. Mi más sincera enhorabuena.

ACTUALIZADO: Con motivo de los Goya, me veo en la obligación de poner un vídeo de ánimo a todos aquellos que empezáis en el mundo de la interpretación. Perseverancia, amigos. Perseverancia.

Nostalgia de un luchador: ROCKY BALBOA

2007-01-13T01:35:00.000Z

Una reflexiva y melancólica cinta necesaria para poner un merecido broche final.

El cine no sólo es arte. No sólo es originalidad. Mover la cámara. Retorcer un guión. Estrujar un actor. Inventar un dogma. Crear culto.

El cine puede ser reflexión. Lamento. Ilusión. Pesimismo. Nostalgia. Madurez.

Y la última entrega del boxeador fílmico más carismático de todos los tiempos, Rocky Balboa (Rocky 6), está impregnada de madurez. Madurez comercial al repetir una fórmula que funciona a la perfección (problemática, ilusión, entrenamiento, esperanza y combate final). Madurez en el guión de un cabizbajo Stallone, más agrio que dulce, sin trampas ni cartón, llano, casi sin giros, en una única dirección: la redención, la catársis final. Madurez en la dirección, a la antigua forma, con un estilo clásico, aunque permitiendose ciertas licencias que rompen el tono (véase la secuencia final, con planos coloreados y montaje vertiginoso) para darle (desacertadamente) un aspecto mas actual (huele a presión de la productora). Madurez en la interpretación de Stallone. Francamente, está enorme. Con su voz titubeante pero serena (versión original, por favor), su aspecto anciano, cansado, dolido, bonachón y sabio. Lo ha vivido todo y la vida, en parte, le ha tratado mal.

"Pasa mucho tiempo en un lugar y, al final, te convertirás en ese lugar"

En un clima constante de nostalgia y añoranza de tiempos pasados, cuando uno pasea por los sitios que antes frecuentaba y recuerda.... recuerda a personas que ya no están, recuerda olores que permanecen, recuerda momentos, sensaciones vividas... pero que ya pasarón... sólo queda mirar al frente y dejar que el tiempo pase, lento, violento, hace un final sin compasión, donde todo quedará, en eso, en un recuerdo. Además, en contraposición a esta veteranía se presenta al Campeón mundial, un jovenzuelo con una rabia y un descaro exhacervados. Realmente está muy bien llevada esa lucha vital temporal entre vitalidad y veteranía. Con todo, la cinta tiene puntos flojos importantes: hay algún personaje gratuito, alguna secuencia innecesaria y el combate final sabe a demasiado poco.

Sin embargo, Stallone firma una de las mejores entregas de la saga, donde el aire de sabiduría, melancolía y buen hacer tocarán la fibra sensible (mérito en gran parte de la extremadamente eficaz banda sonora) de cualquier encariñado al toro de Filadelfia.

Quizás sabiendo que formamos parte de un mito cinematográfico que parece tocar su fin, la vida e historia de un luchador, de un enamorado, de un padre, de un amigo, de un campeón, pero sobre todo, de un ser humano: Rocky Balboa.

También hay Oscar para un corto

2007-01-09T12:23:00.000Z

Serán al fin dos los cortometrajes españoles que se encuentran entre los diez preseleccionados de los que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas escogerá los cinco candidatos al Oscar en esta categoría.

Uno de ellos es Binta y la gran idea, del siempre sorprendente Javier Fesser, que pertenece a la película En el mundo a cada rato, con la ayuda de UNICEF. Me siento francamente feliz de haber podido aportar tan siquiera un granito de arena en la evolución de este proyecto en lo que fue el documental Palabras a cada rato (pueden verlo pinchando en la imagen de la izquierda).

El otro es Éramos pocos, del señor Borja Cobeaga. Corto alabado por crítica, público y premios. Dirección correcta y guión simpaticón para contrarrestar con unas interpretaciones, cuando más, suficientes. Personalmente no me llena pero, oigan, es un corto que gusta, y mucho. Juzguen ustedes mismos:

Mi más sincera enhorabuena para Borja y Javier. Mucha suerte.

La mejor película del año....2007

2007-01-04T13:15:00.000Z

Mientras intentas recordar cuales han sido los mejores films del 2006 y andas perdido entre Hijos de los Hombres, Munich o El Perfume. Cuando algunas de tus neuronas te dicen que Borat era tan divertida como excesiva. Cuando ves a los bloggers lucir sus top tens con valentía y fidelidad, y te acojonas de pensar que a tí te gusto Alatriste. Si tu vecino y sus eclécticas gafas de sol te incitan a recordar momentos de Miami Vice o si tu suegra da mas miedo que Monster House, agárrate fuerte porque vengo a resolverte esa duda para el 2007. Y es que, tan sólo atisbando el potencial de este trailer, estamos con total seguridad, ante la obra maestra, no sólo del 2007, no no, sino de la historia de la cinematografía. Lo dicho, agárrense fuerte:

España, toreros, olé

2007-01-03T11:19:00.000Z

Pues sí, fíjese que aunque se esté repleto de trabajo, finalizando algunos proyectos y adentrándose en nuevas experiencias, uno no pierde la pasión por los seriales televisivos. De hecho lo confirmo, bellotos, es un momento estupendo en lo que a nivel de seriales internacionales se refiere, por calidad, atractivo y originalidad. Y sí, es un momento vergonzosamente lamentable para los seriales españoles. Mi deseo para este nuevo año, audiovisualmente hablando, aparte de progresos personales, se lo dedico a esos maravillosos productores españoles: HAGAN UNA BUENA SERIE, y a ser posible, sin copiar.

Mientras tanto, sigo con mis favoritas, les invito a que aprovechen este estupendo momento cualitativo y vean series, muchas series y descubran cuales son sus preferidas. Y les confirmo: Sí, se pueden ver seis series al mismo tiempo.

And the winner is....

2006-12-25T17:34:00.000Z

Sí, bellotos, Marnie la litrona llegó la última pero tuvo esa suerte navideña que los niños de San Ildefonso nos negaron y se llevará un par de dvd's de regalito. Enhorabuena, Marnie.

A todos los demás, muchas gracias por participar y les dego un regalo de consolación que no tiene precio. Si son ávidos, sabrán que éste es el mejor regalo que se puede ofrecer en estas fechas... Tomen nota...

La Bellota Navideña

2006-12-18T10:32:00.000Z

Sí, amigos, han leído bien. El ambiente navideño empieza a envolver las calles de ese extraño halo de paz y canturreo, mientras el mundo parece tornarse rojo y los niños, en lugar de ilusión, desbordan ansia. Y es que esta época del año hace aflorar lo peor de cada uno. Sí, sí, lo peor.

"Mamá, al rey mago se le ha caído el bigote"
"No se le ha caído. Nos lo ha regalado"
"Mamá, pero... si el rey mago es el señor del kiosko"
"Anda hija no digas tonterías. Si vienen de Oriente"
"¿Por eso el rey mago negro es el del bazar chino? Se le cae el betún"
"Shhhhhhhhh"
"Y qué hace papá vestido de reno?"
"Aiii goooona güish yu a merri crismaaaaaaassss"

Por ello y no para competir con los reyes magos, dado que son unos amiguetes del bar de abajo, sino directamente con ese hombretón del norte llamado Papá Noel, nace queridos niños... La Bellotaaa Navideñaaa!!! (plas plas!)

Queremos daros las gracias por ser fieles o simples visitantes de La Bellota Radiactiva y esconderos detrás del sofá un regalo cinematográfico.

Simplemente tenéis que confesar cual es vuestra película favorita y porqué. Y despues escribir (cual lista a Papá Noel) el nombre de dos películas que os encantaría tener en DVD. No olvideis poner vuestro mail.Veeeenga, os pongo un ejemplillo:

Rubin (rubinshow@gmail.com) - 'Magnolia' porque es difícil encontrar tanta conjunción en guión, dirección e interpretación en un ambiente íntimo y sublime. Bellota Navideña, me gustaría que me trajeras 'Ciudadano Kane' o 'Atraco perfecto'.

Dentro de una semana, el día de Navidad, el sorteo decidirá quién de vosotros recibirá en casa uno de los Dvd's que desea. Será nuestra pequeña contribución a que tus navidades sean un poquito más alegres.

¡Mucha suerte bellotos!

Aviso a Ramón García (a.k.a. Ramonchu)

2006-12-15T21:49:00.000Z

La salud de millones de españoles el día 31 de Diciembre depende ÚNICAMENTE de que cuentes bien las campanadas DE UNA VEZ POR TODAS!!!

Y si no, me veré obligado a llamar a....

Cocodrilo pornográfico

2006-12-13T10:22:00.000Z

Un clásico del humor...

Miedo me da

2006-12-10T17:20:00.000Z

Todo empezó siendo un cómic...

La cosa dió para una genial serie de tv que me encantaba (esa sintonía!!)...

Hasta iniciaron una saga de juegos muy adictivos...

Se hicieron pelis la mar de divertidas (sobre todo para los más peques) con tortugas de carne y tendón...

Hicieron una estelar y muy real gira en concierto...

Le salieron, a lo largo de los años, duras y firmes imitaciones...

Y hasta alguno, sobrado de soberbia, se atrevía a mostrar sus quejas laborales...

Y ahora toca la animación por ordenador. Estreno en USA: 30 de Marzo.

Oye, pues... que... esto que... pues igual voy a verla, pero...

Vente a Salamanca con tus cortos !!!

2006-12-04T16:13:00.000Z

Bellotos, me complace anunciaros la llegada de la 2ª Edición de la Muestra de cortometrajes 'La Audiencia' y esta vez aparece cargada de muchas sorpresas. La primera es que puedes estar actualizado de todas las noticias (todo sobre la muestra anterior, invitados, concursos, jurado, cortos seleccionados...) respecto al evento en su WEB OFICIAL y la segunda es el estreno del 1er Concurso de cortometrajes 'Vente a Salamanca'.

Aquí tenéis extraídos de la web oficial los datos del concurso:

QUÉ ES LA MUESTRA 'LA AUDIENCIA'

La muestra se celebra en la maravillosa ciudad de Salamanca y su objetivo es mostrar al público general lo valioso, hermoso y laborioso que puede ser el mundo del cortometraje, que, gracias al crecimiento de internet, está viviendo unos tiempos de auge y mayor reconocimiento. Para ello no basta con proyectar unos cortometrajes. Eso no nos interesa. Lo que nos interesa es que el director de cada cortometraje y miembros del equipo estén entre ese público y que, tras la proyección de su obra, se inicie un debate con todos ellos que alimente nuestros desconocimientos y que satisfaga nuestras curiosidades. Todos tenemos algo que aprender sobre este mágico mundo y ésta es una ocasión de auténtico lujo.

Y es de auténtico lujo porque contamos con los mejores directores de cortometrajes del cine español. En la primera edición tuvimos el honor de disfrutar con las obras de Daniel Sánchez Arévalo (multipremiado con todos sus cortos y reciente estreno con el largometraje 'AzulOscuroCasiNegro'), José Javier Rodríguez Melcón (ganador del Goya 2006 al mejor corto de ficción), Jim-box (guerrilla filmmaker en la web, ganador de la pasada edición del Notodofilmfest) e Iván Sáinz-Pardo (multipremiado director proveniente de la escuela de cine de Munich). Eso sí, la muestra está para desnudarse al completo y mostrar el avance estilístico de cada director. Por ello, cada director no sólo proyecta sus cortos reconocidos sino también sus primeras obras (normalmente de menor calidad pero mayor ilusión).

Pero esto no es todo. Con los consagrados del corto también queremos tener a directores que están empezando o que lleván un tiempo pero aún no han logrado el reconocimiento que se merecen. También queremos escucharles. Tienen mucho que contarnos. En la primera edición nos visitaron directores como Daniel Romero, Eliseo Martín, Tomás Hijo, Jesús De La Nava, Pedro Díez y Miguel Ángel Refoyo.

Este año tenemos de nuevo un cartel magnífico, con lo mejorcito del corto español, que iremos desvelando poco a poco en esta web. Peeeero la aparición del concurso 'Vente a Salamanca' se alza como una oportunidad única para que otros directores puedan estar con nosotros y disfrutar con la muestra de cortos, rodeado de excelentes profesionales y viviendo una experiencia sin igual.

PREMIO

No, no son 100.000 euros. Si eres ávido sabrás que esto es mucho más valioso. Los 3 ganadores de este concurso viajarán totalmente gratis a Salamanca y serán alojados en un hotel de cuatro estrellas durante la noche en que se proyecten sus cortometrajes. Además, podrán optar al premio 'La Audiencia', otorgado por el público.

BASES DEL CONCURSO

Puedes participar si eres mayor de edad. Te pediremos el DNI en la puerta.

No hay ninguna restricción de cara a tu nacionalidad o lugar de residencia. Si vives en la Antártida, piensa que igual Salamanca te cae un poco lejos.

El formato de envío es DVD. No nos importa el formato en que grabaste (vídeo, cine, casette...).

La temática es totalmente libre. Ficción, documental, animación, videoarte, videoclip...

Puedes enviarnos un máximo de 3 cortos. Sabemos que eres prolífico, pero también selecto.

No entendemos hindú, con lo que si tu corto está en un idioma diferente al castellano, ponle subtítulos o el público te insultará.

No nos importa en qué año lo grabaste, pero sí que dure más de un minuto y medio, y menos de treinta.

Con el DVD del corto debes añadir un CD con al menos una foto tuya (a ser posible, vestido), tres imágenes del corto y una pequeña sinopsis. Evidentemente, puedes añadir toda la información adicional que quieras. Las imágenes a la mejor resolución posible.

PLAZO

El último día de recepción de los cortometrajes será el día 1 de Febrero del 2007. No esperes hasta el final, cuanto antes lo envíes mucho mejor.

METODOLOGÍA

Antes de nada, nos envías un mail a info.laaudiencia@gmail.com indicándonos tus datos personales (imprescindibles nombre, ciudad, teléfono y mail de contacto), el nombre de los cortometrajes que nos vas a enviar y una pequeña sinopsis de cada uno.

Tras recibir nuestro mail de confirmación, ya podrás enviarnos tus cortos a:

Henrique Lage, Avenida Sardiñeira 28 1º 15007 A Coruña

Cuando lo hayamos recibido, si tu corto cumple todos los requisitos tu nombre aparecerá en la sección 'Cortos seleccionados' (en la columna de la derecha de esta web).

A partir del 1 de Febrero, nuestro fantástico Jurado (que iremos desvelando poco a poco en esta web) deliverará quiénes son los 3 afortunados vencedores del concurso. Los ganadores se darán a conocer el día 14 de Febrero, justo un mes antes de que comience la muestra. Será nuestro pequeño regalo de San Valentín.

Sólo nos queda desearos... MUCHA SUERTE.

¿Se puede oler una película? Ahora, sí

2006-12-02T00:53:00.000Z

Lo normal sería incentivaros eufóricamente a que vayais al cine (sí, ese extraño lugar lleno de butacas) calificando Das parfum (El perfume) de obra maestra sublime e irrepetible. También podría ofreceros excelentes datos del impresionante director Tom Tykwer e incluso hablaros francamente bien de algunos de sus films anteriores, mísmamente de Corre Lola Corre, para atraer la saliva de vuestras bocas. Llendo más allá, podría crear algo de polémica poniéndome en otro carril diferente a la mayoría de cinéfilos que otorgan a Hijos de los hombres el galardón de mejor film del año.

Pues no. Esta vez no. Esta vez nos olvidaremos de las superfluas palabras para dejarnos llevar por una de las maravillosas sensaciones humanoides: la confianza. Mírenlo de otro modo, bellotos: en un restaurante ustedes confían que entre los cocineros no esté ningún enemigo suyo; en una discoteca bailan con personas que desconocen completamente; el 'ya le llamaremos' de una entrevista de trabajo les sigue pareciendo convincente ('será que mi móvil está mal', piensan); al cura de su pueblo le han visto en Chueca pero ustedes siguen confiando en la castidad divina.... Donde va a parar. Esto es mucho, pero mucho mucho más sencillo. Sólo tienen que confiar en mi inefable saber fílmico.

Por eso, simplemente les recomiendo que vean, escuchen, huelan y sientan El perfume. Estarán probablemente ante la mejor película del año. Ya me contarán.

'El concursante'. Tras la fábrica de sueños.

2006-11-29T10:19:00.000Z

Si hay un corto que me encanta por su capacidad de explotar al máximo las posibilidades del séptimo arte ése es 15 días, dirigido por Rodrigo Cortés y rodado en Salamanca. En él, un peculiar timador se aprovecha de los 15 días de prueba del producto que ceden los centros comerciales para vivir como un señor. Pues bién, este corto ganó multitud de premios en festivales y a Rodrigo Cortés le dieron la oportunidad de rodar un largometraje.

El concursante es el título de su primer largometraje. Se estrena el 11 de Diciembre en España y tiene a la cabeza del reparto a Leonardo Sbaraglia. La peli es una adaptación al cine del libro El año del escorpión, escrito por el (ex)profesor de Historia de la Economía Martín Circo Martín y que relata su propia experiencia al ganar el mayor premio jamás concedido en la historia de la televisión (3 millones de euros). Sin embargo, muy pronto se dará cuenta de que ser rico es caro y será perseguido por hacienda e intentará vender todos los premios que ganó.

Hasta ahí todo muy bonito. Esa es la información oficial, claro. Pero detrás de los biombos de un film a veces no todo son flores. Martín Circo Martín (el autor del libro de su propia historia) tiene un blog en el cuál habla con total sinceridad:

"Estaban tan satisfechos de sí mismos... El director engolaba la voz y me miraba con esa expresión irritante de "sé algo que tú no sabes...; tienes cáncer, verdad? YO podría curarte..." Soy también el guionista, decía, escribir es muy importante para MÍ, montar es muy importante para MÍ, YO llevo tres años detrás de esto, el cine es MI vida, YO amo a Scorsese, YO amo las uñas que se corta Scorsese, la vida es un rectágulo, me quedo a ver los créditos, quiero acostarme con Hitchcock, toda esa basura de preadolescente viviendo en una serie. No paraba de mirar alrededor, supongo que buscando su propia cuchara. ¡Céntrate, ¿quieres?! Hablaba y hablaba, decía que iba a hacer una película arriesgada, novedosa, diferente... ¿Diferente a qué? ¡Es mi vida! ¡Todo está en mi libro! Salvo lo que no estaba, claro, lo que había añadido "por motivos dramáticos". ¿Por motivos dramáticos? ¿Me has jodido más de trescientas páginas de libro y ahora crees que hay que añadir algo? ¡Si ahora te das cuenta de que hay que añadir tal vez tenías que habértelo pensado dos veces antes de cortar nada! ¿Te parece poco dramático lo que sucedió? Pequeños cambios, dijo. Nada sustancial. Licencias. Para hacerlo divertido. ¡Me mata, joder, en el guión me mata, acaba conmigo! ¡¿Es ésa la idea que tienes de algo divertido?! ¡A mí no me hace tanta gracia, especie de cretino con coleta quiero-acostarme-con-Hitchcock! ¡Cuando quieras, quedamos e introducimos algo de dramatismo en TU vida!"

El responsable del storyboard de la peli, Tomás Hijo, excelente dibujante y aún mejor persona, aporta su visión del asunto:
"Permítame apuntar que su opinión sobre el Sr. Cortés es, cuando menos, benévola. ¿Cuánto tiempo ha pasado usted con este sujeto? Como dibujante del storyboard -unas viñetitas que se usan para paliar la falta de reflejos de los cineastas novatos- de la película "Concursante", he pasado con él horas y horas en las que, sin freno, encadenaba frases supuestamente magistrales y hacía gestos con los deditos buscando encuadres absurdos. ¡Si hasta tuve que comprarle unos muñequitos de Hellboy para que estuviera entretenido durante las sesiones de trabajo! Lamento que personas con talento como usted y como yo se vean envueltas en proyectos tan desatinados."

Entra en escena el director de fotografía de la peli, David Azcano, que remite una carta al señor Circo:
"Estimado Sr. Circo. A mí déjeme en paz con el equipo esto y el equipo lo otro, a mí me llamaron, dije dónde se ponían los focos, cobré y me largué. No sé quién es usted, no me importa quién es usted, así que déjeme en paz o no tendré más remedio que acercarme a donde vive y romperle personalmente la cara.
PD: le adjunto una tarjeta por si alguna vez requiere de mis servicios, especialmente en estos días en que dirige cualquiera."

Cómo no, el director, Rodrigo Cortés, se úne al mejunge con otra carta:
"Estimado Sr. Circo:He leído su blog al completo, por indicación de un amigo desocupado que tengo, y sinceramente, me siento perplejo. Bueno, no completo, un poco del principio y un poco del final, para hacerme una idea. Y las fotos. En realidad he leído bastante del principio, pero en seguida dejó de hablar de mí y me desconcerté, así que usé el buscador, escribí "rodrigo cortés" y leí donde aparecía mi nombre. Como aparecía muy muy poco, escribí "Rodrigo Cortés", por si el ordenador se ceñía a las minúsculas, y luego "Rodrigo Cortes", por si usted había olvidado el acento, y otras combinaciones, pero no, salía muy poco. Muy muy poco. Así que miré por encima las fotos, sobre todo las de los molinos, y, en fin, di un poco al scroll para arriba, y un poco para abajo, y probé una nueva combinación de mi nombre, que en ese momento me pareció que podía tener posibilidades, y luego, por puro encadenamiento mecánico de ideas, estuve unos minutos pensando en molinos. Unos cinco. Luego leí un poco de un capítulo de su libro, El año del escorpión, el del post número 24, creo que era, el último, vamos, el último de cuando yo lo leí, a lo mejor ahora hay más, el 24 o el 26, pero me aburrí enseguida (tampoco el libro original lo leí completo antes de hacer la adaptación, sabrá usted disculparme, soy el primer sorprendido al enterarme de que usted no muere en su libro) y... En fin, que me he leído su blog y me siento, sinceramente, perplejo. Puedo entender que se meta usted con Leonardo Sbaraglia y puedo entender que se meta con los productores, a mí qué, quiénes son ellos, qué han hecho por mí, incluso puedo entender que se meta conmigo constantemente, sin parar, una y otra vez, pero lo que no puedo entender, bajo ningún concepto, de ningún modo, en ninguna circunstancia, es que se meta conmigo un poco, muy poco, ¡conmigo!, la mano que le da de comer...Es cierto que yo nunca le he pagado nada, y que los productores, en lo fundamental, le han extorsionado, pero es que los productores no tienen alma de serie, es un extra, eso lo sabe cualquiera, no vaya a hacerse ahora el sorprendido, y yo acabo de ponerme el jacuzzi y no consigo que el maldito trasto se ponga a 36 grados, que es, por lo visto, la temperatura ideal, y por más que doy a los botones, y abro y cierro grifos, y espero, y lo dejo una noche funcionando, nada, no pasa de los 30. No está mal. 30 grados no está mal. 30 grados son bastantes grados, más en mi caso, que tengo poca resistencia al calor, y ya con 30 tengo que entrar con cuidado, y enseguida me salgo, entro, me acerco a un chorro, dejo que me dé en la espalda, me cambio de posición, me doy en un pierna, en otra, me cambio, sumerjo la cabeza..., me lo paso, Sr. Circo, bastante bien, pero no consigo que se ponga en 36 grados, y aunque yo, Sr. Circo, soy más bien caluroso y me gusta como está, con 30 grados, tengo un librito de instrucciones que dice que lo ideal son 36, lo dice en las primeras páginas del folleto, que son las que me leo, Sr. Circo, y francamente, no entiendo que a estas alturas, después de lo que hemos vivido juntos, después de aquella comida que nos unió para siempre (lamento que tuviera que pagar usted, de verdad, cómo podía yo imaginar que los del restaurante no supieran usar la maquinita y rechazaran todas mis tarjetas), después de aquello, aquella comida que nos unió, así lo recuerdo yo, para siempre, siento que usted, Sr. Circo, me ha traicionado. Sí, sí, traicionado, basta ya de paños calientes, somos hombres, ¿no?, se lo digo como lo siento; lo siento, y a medida que lo voy sintiendo se lo voy diciendo, para asegurarme de que no se me olvida nada. Así se lo digo. Yo nunca haría nada que pudiera perjudicarle, Sr. Circo, bien lo sabe usted, y no voy a empezar ahora.El caso, Sr. Circo, es que he puesto en manos de mis abogados el contenido de su blog (no me venga ahora con esas, no sea niño), estoy bastante seguro de que ellos sí lo analizarán al completo, y emitirán un informe, en unos días, que haré que alguien me lea, resumido, con detenimiento. No hemos acabado."

Sobran las palabras. Conste que este post no reivindica un posicionamiento, sino una reflexión sobre lo que realmente hay detrás de una película: personas. Personas que, como en la vida real, pueden chocar y que, a veces, deben chocar.

Disfruten con el genial blog del señor Martín Circo y con la interesante web del largometraje de Rodrigo Cortés.

Tanto el libro como la peli tienen una pinta estupenda.
¿Podrán resistirse a ambas tentaciones?

Defina su vida en los últimos días

2006-11-25T18:45:00.000Z

La mía, así:

Especial "La bola de cristal"

2006-11-21T15:22:00.000Z

Un emotivo viaje a un programa tan mítico como mágico y tan alocado como original, amenizado con secuencias entrañables y videoclips ochenteros.

En los años 80 vio su aparición en televisión un programa inusual por lo arriesgado y atrevido de su propuesta. Con el nombre de ‘La bola de cristal’, la directora Lolo Rico apostaba por un programa de variedades que pudiera ser visto por personas de cualquier edad, pero al mismo tiempo dándole un toque infantil educativo.

Diferentes sectores de la sociedad reconocieron la originalidad de este programa que se salía de la norma marcada por los programas infantiles de su época y otros más actuales, y que apostaba por tratar a los niños como personas adultas. ¿Alguien puede olvidar esa mágica canción de cabecera?

El programa estaba dividido en cuatro secciones bien diferenciadas, cada una dirigida a un publico de diferente edad, que comprendía desde los más pequeñitos a los ya casi adultos.

Para los más pequeños y conducida (inicialmente) por Isabel Bauza, la primera parte la protagonizaban «Los electroduendes»: Bruja Avería, Bruja Truca, Hada Vídeo, Maese Cámara y Maese Sonoro. Los Electroduendes tenían una peculiar forma de hablar en rima y solían utilizar expresiones, frases y formas nunca antes oídas.

A lo largo de su vida de emisión, los Electroduendes pasaron de protagonizar aventuras infantiles a ser auténticos artífices de las más variopintas criticas contra el gobierno, el capitalismo, la guerra, el terrorismo, etc. El programa se convirtió en una critica social de su tiempo que no a todo el mundo gustaba y que muchos críticos (periodistas sobre todo) ponían en tela de juicio si realmente era un programa dirigido al publico infantil, adolescente o adulto.

Dirigido a un publico adolescente, la segunda sección, llamada «El librovisor» era un programa conducido por Olvido Gara, conocida como «Alaska».

Al principio de su emisión, Alaska estaba acompañada del Detective Mantequilla, quien lo encarnaba Miguel Ángel Valero, famoso por su papel de Piraña en la serie Verano Azul, pero más tarde se sumaron al elenco de personajes Pedro Reyes y Pablo Carbonell, que en aquella época eran un dúo humorístico, y cuya misión era interpretar las historias que contaba Alaska a su forma de ver un poco disparatada y bastante personal.

El rodaje con estos dos personajes muchas veces fue una autentica locura pues solían olvidarse de los guiones, improvisaban muchísimo y Alaska a veces llegaba a perder la paciencia. Aun así, el resultado final era satisfactorio y la sección acababa funcionando sin problemas.

Al finalizar esta parte del programa, solían poner un video clip musical, normalmente de Alaska, Loquillo o Auserón..

La tercera sección, llamada «La banda magnética» donde se emitía la serie infantil «La Pandilla», que trataba de las aventuras y desventuras de Alfalfa y su pandilla de amigos en el barrio típico estadounidense de los años 50. Mas tarde, esta serie se sustituyo por la versión moderna de los años 80 de Los Monsters, que, por cierto, me ENCANTABA.

Después del episodio se proyectaba un «Monográfico» que trataba sobre la vida de antiguos artistas del mundo del cine, tales como Charlie Chaplin, Romy Schneider, etc.

La cuarta sección del programa (la más ‘adulta’) comenzaba con «La entrevista del patito» donde la propia directora del programa, Lolo Rico, hacia entrevistas a personajes actuales de aquella época, tales como Fernando Savater o Pedro J. Ramírez, o simplemente hacia monólogos críticos hacia otros temas como la publicidad, la moda, etc.

Luego comenzaba «El Noticiario» con Javier Gurruchaga al frente. En él, Gurruchaga tenia cierta libertad para tratar temas que le viniesen en gana, hablando de la política, la música, el cine, e incluso protagonizando una miniserie propia donde el mismo interpretaba a todos los personajes de su supuesta familia imaginaria.

Además, también se emitían video clips tales como los de Franco Battiato, Radio Futura, Mecano, Los Nikis, Eskorbuto, Javier Gurruchaga, La Unión, Los Toreros Muertos, Golpes Bajos, Glutamato Ye Ye, La Frontera, Nacha Pop, Gabinete Caligari, Ramoncín y otros. Grupos que representaban el conjunto de artistas y gustos musicales de la etapa de La Movida en los años ochenta y otros extranjeros.

Años mas tarde, se añadió a esta sección la proyección de cortos humorísticos españoles como The Traka donde una jovencísima Anabel Alonso hacia sus primeros pinitos en la televisión, o «el Show de Pedro Reyes», donde el actor del mismo nombre protagonizaba disparatadas y absurdas situaciones.

Con la llegada de Pilar Miró como directora de RTVE Televisión Española en 1987 muchas de las libertades del programa tuvieron que parar. Presionó para que se dejase de criticar a Felipe González (presidente del gobierno español en aquella época), a Ronald Reagan (presidente de los EEUU entre 1980 y 1989) o a Margaret Thatcher (primera ministra del Reino Unido entre 1979 y 1990) lo que provocaba cierto malestar a la directora del programa, Lolo Rico, y a sus guionistas, que si bien, durante todos esos años habían tenido toda la libertad que quisieron para hablar y tratar los temas que les pareciesen, ahora se veían con una soga al cuello y atados de pies y manos para poder hablar y criticar en libertad y a su manera lo que quisieran y, por tanto, con ganas de seguir con el programa. Fueron todas estas restricciones las que provocaron que La Bola de Cristal dejase de emitirse en 1988, sustituyéndose por un programa nuevo de corte más infantil llamado «Cajón Desastre» y conducido por Miriam Díaz Aroca.

Hoy en día es frecuente ver en la televisión programas con secciones calcadas a las que en su día lanzó La bola de cristal (La hora chanante, Los lunnis, Cruz y raya...). La originalidad lamentablemente suele brillar por su ausencia.

En definitiva, el programa que recibió dos premios «TP de Oro» al mejor programa infantil en los años 1985 y 1987 fue todo un boom mediático que aunaba a artistas de todos los campos de la cultura, criticaba abiertamente y se inmiscuía en temas políticos y sociales, educaba dando clases de historia y de cine, hacía reír con sus sketches a medio camino entre lo surrealista y lo costumbrista y mostraba, además, la música, el cine y la animación como claros medios de evasión. Un programa apoyado por muchísima gente de todos los campos. Un programa como los que desearía tener hoy al encender la televisión. Lamentablemente, no es así.

Por siempre y para siempre, queda registrado en La Bellota el enérgico, original y cariñoso paso televisivo de un programe irrepetible, “La bola de cristal”.

En momentos de tristeza, sonría.

2006-11-19T18:53:00.000Z

Cuando algo o todo parece ir mal. Cuando las cosas no salen como se espera. Las tardes lluviosas de domingo. Las noches de soledad.

Cuando la tristeza parece inundar la habitación y el aire se infecta de desconcuelo... es el momento en el que más sonrío. Y sonrío porque sé que es el momento de regenerarme con una de mis películas favoritas: Singin' in the rain. Y es que es un film absolutamente magistral, mítico, empapado de un halo de sabiduría y buenas sensaciones que consigue ser el mejor antibiótico relajante y potente al mismo tiempo. Un reparto de lujo con el genial Gene Kelly a la cabeza, el entrañable Donald O'Connor, la encantadora Debbie Reynolds y la divertidísima Jean Hagen para conformar un musical con mayúsculas que no es otra cosa sino un enorme canto al mundo del cine y la interpretación, a la fantasía del celuloide, a la aparición del cine sonoro, al elitismo actoral, al desconcierto y entusiasmo del director, a la magia del rodaje y, en definitiva, al amor por el cine.

Si están tristes o si me permiten simplemente regalarles una pequeña sonrisa, les dejo, al menos, una pequeña muestra del film. Esa maravillosa secuencia en la que Gene Kelly canta el tema que brinda su título a la película.

Pónganse cómodos, comienza la secuencia de Singin'in the rain:

Castillos de arena

2006-11-16T18:16:00.000Z

Cada uno de nosotros construye su pequeño muro personal. Ladrillo a ladrillo se crean muros infranqueables de amor, ilusión, odio o decepción. Ladrillos como sonrisas. Ladrillos como lamentos.

Todos hemos construido castillos de arena. Esos, en cambio, se los llevaba el mar. Todos tenemos recuerdos e ilusiones que mantienen viva la esperanza de seguir construyendo.

El problema comienza cuando un gran muro es construido para entorpecer el crecimiento de los demás. Entonces, todos los demás muros chocan unos con otros, y se derrumban lentamente, como un castillo de arena.

En ese momento, cuando ya no hay muros, no se escucha nada. Ni tan siquiera el mar.

Ese eterno silencio sólo puede derrumbarse con el grito de un niño. Ese gran muro, también.

The Simpsons movie. El trailer.

2006-11-13T17:53:00.000Z

Esto empezó siendo un borrador de la review de Saw 3 que comenzaba tal que así: "Si quieren ver 5 minutos de una operación de cerebro (mucho más gore que la que sufrimos en Hannibal) en lo que resulta una insultante violencia visual rozando lo ridículo por la gratuidad de la secuencia, vayan al cine y paguen por ver Saw 3. Yo entré con invitación y aún así fue doloroso. Qué forma de gritar a los cuatro vientos: 'No hay ideas frescas. Pongamos sangre... que esto vende'. Si no hubiera secuelas, os aseguro que tacharía la primera parte de Saw de obra extraordinaria... Ya no."

Consideré absurdo darle más bombo y extenderme en una crítica no sense ante algo tan evidente. Con todas, tiene cositas salvables y acertadas, como la anterior, pero sus malintenciones son ya excesivas. En sus manos está verla, pagando o no, pero, por favor, no se dejen engañar. Por ello, empecemos la semana con buen humor y qué mejor comienzo que con el estreno del trailer de la peli de Los Simpsons, esa entrañable infrafamilia que, pese a las eternamente agobiantes reposiciones de Antena 3, tiene un huequito en mi estantería de series absolutamente magistrales. Springfield es tu ciudad, es mi ciudad, es nuestra ciudad. Estamos rodeados de Homers y Barts. Esa es la clave de la serie. Pues ahora toca disfrutarlo en pantalla grande, pero en 2D, eso sí.

Disfruten el trailer:

'Mirindas asesinas'. Las raíces de Alex De La Iglesia.

2006-11-09T11:45:00.000Z

Corría el año 1991 cuando, aprovechando un decorado que habían construido para la ETB, el señor Alex de la Iglesia (‘El día de la bestia’, ‘La comunidad’) y un grupo de descabellados secuaces deciden aprovechar ese espacio y rodar un corto en un fin de semana. Sin muchos conocimientos para manejar una cámara de 16 mm, se lanzan a la aventura. A partir de textos dadaístas surge una historia atípica, cargada de humor ácido y mala hostia, tan absurda como misteriosa, llamada ‘Mirindas asesinas’.

Algunos consideran esta obra como una joya del cortometraje español. Si bien no se equivocan, puntualizo que es una joya no por la obra en sí, sino porque marca las raíces de uno de los mejores y más personales realizadores nacionales de todos los tiempos. Con un guión caótico pero funcional, un reparto de auténtico lujo que desvelaría el tremendo potencial del teatro vasco (un Alex Angulo genial como serial killer psicopático o un más que correcto Saturnino García como Pobre Diablo) junto con una atmósfera (visual y sonora) muy lograda De La Iglesia rinde tributo a esos clásicos films de terror con topicazos como los focos bajo la cara del malo, los truenos ensordecedores y la mítica música de organillo, no sin dejar su toque de ácida crítica al tipical spanish (enganchado a la televisión y a los toros) y su gratuita violencia gore.

‘Mirindas asesinas’ consiguió alzarse con algún premio en festivales pero su mayor consigna fue lograr la admiración de la prensa alternativa y despertar un extraño interés por una original forma de hacer cine. Aún con más suerte apareció otro loco por escena, el Sr. Pedro Almodóvar (tras caer en sus manos el guión de un corto llamado “Piratas del espacio”) que se lanzó a producirles un largo a este grupo de geniales desorbitados, llegando así a ‘Acción Mutante‘, lo que sería la primera peli del ahora venerado y siempre sorprendente Alex De La Iglesia.

Pónganse cómodos... comienza... 'Mirindas Asesinas':

La eterna búsqueda de La Bellota

2006-11-06T12:42:00.000Z

Y es que los señores de Blue Sky Studios nos regalan como extra del dvd Ice Age: The Meltdown una nueva aventura de Scrat en su interminable y entrañable persecución de La Bellota. Esta vez, en el cortometraje titulado No time for nuts (No hay tiempo para bellotas) descubrirá una máquina del tiempo que le llevará a los lugares y épocas menos pensados. Una genial simbología claramente vinculada al carácter instintivo y soñador de este blog.

Pónganse cómodos y échense unas risas muy sanas... Comienza No time for nuts:

Videoclips censurados. Madonna.

2006-11-02T22:37:00.000Z

¿Tiene la libertad de expresión límites? ¿Quién toma esas decisiones? ¿Puede alguién crear polémica intencionadamente sólo para vender más discos? ¿Es la censura otra forma de publicidad?

Mientras que Madonna en las décadas de los 80 y los 90 se centra en un videoclip de tipo sensual (vale, sexual) y explícito, ya en el segundo milenio se percata del poder que puede ejercer en la sociedad un video de la reina del pop. El videoclip al que me remito fue grabado durante los días 6 y 7 de Febrero del 2003 en la ciudad de Los Ángeles por el director sueco Jonas Åkerlund. Su nombre, 'American life'.

Despues de que (antes de la publicación) se extendiera un storyline (guión aproximado) de lo que se mostraba en el videoclip (una dura crítica a Bush y a la invasión iraquí), una tremenda ola de críticas invadieron la persona de Madonna. Fueron tan lejos que ella tuvo que hablar: "Me siento afortunada de ser una ciudadana americana por varias razones, una de las cuales es la libertad de expresar mis pensamientos y sensaciones, especialmente en mi trabajo. No estoy en contra de Bush. Estoy a favor de la paz. Simplemente he escrito una canción y he grabado un videoclip expresando lo que yo creo que son los valores e ilusiones de esta cultura en la que la gente sólo vive para lograr cumplir su sueño americano, la vida perfecta. Como una artista que soy, sólo espero que eso cree debate y reflexión."

El 1 de Abril, tan sólo un día despues de mostrar el vídeo en varias cadenas europeas, Madonna retiró el vídeo alegando que "fue grabado antes de que empezara la guerra y creo que ahora no es apropiado. Debido al estado volátil del mundo sin sensibilidad y respeto a las fuerzas armadas, que yo apoyo y rezo por ellos, no quiero ofender a alguien que pueda malinterpretar el video."

Al final, el video se reeditó, suprimiendo escenas 'fuertes', lo cual fue muy criticado. ¿Quién tomó esa decisión?¿Madonna?¿o simplemente es una cobaya cuyas palabras están más que dictadas?

Aquí puedes ver la versión cortada:

Y aquí la original:

"American Life" fue número uno en Canada, Dinamarca, Italia, Japón y Suiza, y entró en el top ten de España, Suecia, Reino Unido y Australia. En E.E.U.U. sólo entró en el top 40. Juzguen ustedes mismos.

Conste que amo a Madonna como artista. Como artista experimental, enigmática y genial. Pero su vida privada y lo que pueda pasar por su mente en cada instante realmente me da pavor. Y la de sus jefes de marketing, más.

Pasen un buen fin de semana bellotos.

¡ Aprenda a ser un hombre normal ! 'Astronautas'

2006-10-31T10:44:00.000Z

Un personaje es lo que hace, pero... si Daniel hace todo lo que la sociedad le pide para calificarle de normal, ¿por qué no es normal?

Bellotos, todos conocemos el fantástico topicazo nacional de 'Oh, si la peli es española... mejor no entro en la sala'. También sabemos que en un alto porcentaje esta frase es del todo cierta. Sin embargo, a veces surguen en el áspero panorama cinematográfico español pequeñas joyitas dignas de ser admiradas y apoyadas. Este es el caso de 'Astronautas' (2004), dirigida en solitario por Santi Amodeo tras desprenderse de su fiel colaborador Alberto Rodríguez con el cortometraje 'Bancos' y ya en la gran pantalla 'El factor Pilgrim' como base sólida previa.

Un inspirado Nancho Novo encarna a Daniel, un cuarentón fracasado de la vida que intenta desintoxicarse refugiándose una temporada con unos pastores (100% plasmada en esta inquietante secuencia inicial la total absurdez e idiotismo de cierto sector español, pegándole y tratándole como si formara parte del rebaño) en un monte recóndito, perdido entre la inmensa naturaleza. Toda una metáfora visual que ya nos va advirtiendo que no estamos ante un film 'normal'.

Una vez en casa (tiene un piso absolutamente en ruinas... seguimos recibiendo lecciones de simbolismo cinematográfico) intentará seguir un decálogo de acciones (que le indica un psicólogo algo cabroncete) y que son las necesarias para ser un tipo 'normal'. Reconstruirá su casa, cuidará las cosas pequeñas, comerá sano, hará deporte, asistirá a estúpidas reuniones con amigos (algunos aparentemente triunfadores de la vida, con su coche, su mujer y toda ese maravilloso mundo de las apariencias sociales) para intentar dejar de ser un, como él dice, astronauta. "Me siento como un astronauta que han soltado en medio de la luna y le dan televisión, palomitas y una noria, para que se divierta el astronauta. Y se me ve tan natural como una calavera a la que han insertado la sonrisa de Mary Poppins"

Una niña de quince años, Laura (Teresa Hurtado De Ory) aparecerá en su vida, se instalará en su casa y le cambiará la vida. Una extraña pareja empapada en un halo de misterio, tensión, amor, desentendimiento y soledad que se las verán en unas situaciones no menos que especiales. El buen pulso con el que está dirigida la cinta se une a un trepidante montaje, una banda sonora original y un guión muy inteligente, todo aderezado con unas secuencias de animación pop-art a modo de collages (la vida es un corta pega sin redención) que añaden un filtro surrealista a una historia que lo necesita. Estas secuencias, tan cómicas como absurdas, brindan un punto de marcianismo digno del que vivimos en nuestros días, con una sociedad embutida en una serie de pautas sociales a seguir, con una televisión que sólo deconstruye y con un oscurantismo social y un poder de marginación a las personas que no formen parte del ganado de un calibre absolutamente terrorífico. Uno de los caminos para evadirse de este sucio panorama es la música, y esto queda plasmado en maravillosas e inolvidables secuencias. También Amodeo apunta con su firme índice hacia la propia sociedad como causante del alto nivel de drogadicción, como forma de volar inconsciente a otro planeta y abandonar esta miseria terrenal.

En tan sólo 86 minutos un sin fin de reflexiones necesarias y gritos filosóficosociales sin tapujos conforman un film entrañable, mítico, extraño e imprescindible. Un final tan mágico y abierto que cada espectador podrá construir su propia película y cerrarla (o no) a su antojo. Eso es de una sutileza, una inteligencia y un estilo incomparables con la media fílmica nacional.

¿saben qué es lo mejor del film? El acojonante momento en el que usted se percate:

"Daniel no es alguien pareciendo ser un hombre... es EL hombre"

Vuelve Jigsaw...

2006-10-29T23:18:00.000Z

Primero fue la sorprendente...

Despues tuvimos la secuela...

Su diseño pasó por imitaciones geniales como....

Y ahora llega...

...la tercera entrega de una saga mítica, sobre todo en lo que a diseño publicitario y recaudación se refiere. 'Saw 3' ha recaudado en su primer día en la taquilla estadounidense, atención, 14.2 milloncitos.

Esta serie de films se han caracterizado por un diseño promocional escandaloso y extremo (amputaciones como logotipo de patente) para atraer a unos devotos dispuestos a disfrutar con las maldades de una mente pensante extremadamente inteligente, llamada Jigsaw. Tan inteligente como las películas en sí (sobre todo la primera, nunca predecible).

En España se estrenará el 10 de Noviembre y, de momento, aquí os dejo el trailer:

El laberinto de Guillermo Del Toro. Llegarás al final lo quieras o no.

2006-10-26T01:17:00.000+01:00

Después de haber leído muchas críticas que ensalzan 'El laberinto del fauno' como obra maestra me dirigí raudo y veloz al cine para verla.

Pero...¿qué es esto? (me pregunté durante la primera media hora)
Pero....¿qué es esto? (me pregunté en la última media hora)
En el resto del metraje (la otra horita), simplemente, no me pregunté nada.

Vale que es una peli (medio) española y que no estamos acostumbrados a esos maravillos efectos digitales y especiales. Vale que Maribel Verdú y Sergi López (incluso Alex Angulo) están (por momentos) espléndidos. Vale que el doblaje del fauno es soberbio. Vale. Pero Guillermo Del Toro (tío, por cierto, de una muy buena amiga mía) jugando a ser Spielberg y haciendo el mismo fundido lateral a árbol un total de doscientascincuentayseis veces es una definición de estilo que no debería patentar. Eso aburre y cansa. La niña (Ivana Baquero, Ofelia) tiene unos altibajos interpretativos (estamos en un largo, señores) que provocan una frialdad no deseada y desconcertante. Tan pronto llora con un realismo admirable como parece que el texto lo está leyendo Marianico 'el corto'. Y el guión, oh dios, el guión. Las conclusiones del film son: "que malo, pero que malo malo es el Capitán Vidal (Sergi López)" y "oh, la niña ha muerto pero... no pasa nada, ha ido a un mundo mejor". Sin duda, la parte realista del film (sobre todo cuando hay sangre parece que Del Toro se inspira) supera con creces a la parte fantástica (véase el genial bichobola que da el coñazo todo el film, sí sí, desde la primera secuencia). Y es que cuando se toca la fantasía hay que hacerlo de tal forma que el espectador entre de lleno (véase 'Big Fish'). Eso sí, Del Toro consigue usar el cine como medio de manipulación, partiendo de un trucado trailer hasta ya en el film, adornando cada planito, cada secuencia, con tanta parafernalia que consigue engañar hasta a los más avispados. Eso es criticable, pero plausible. Ya lo gritaba a los cuatro vientos Rodrigo Cortés con su genial corto '15 días': "El cine es un engaño, manipulación del espectador. Mi corto es una historia sin historia". Pues eso mismo, pero mucho me temo que lo de Del Toro no ha sido premeditado...

Con todas, es un film visible y, como ya he comentado, con numerosos aciertos. Por contra, multitud de imperdonables carencias hacen que se pierda en el abismo de las mil y una cintas pasables, pero ni de lejos, cerca de las obras maestras. Por Dios.

Es cierto que, algunas veces me ha pasado, en sucesivos visionados la cinta pueda ganar puntos. La volveré a ver en unos años... Y en cuanto a Guillermo Del Toro, sólo espero que por fin haga un thriller a su medida (o un film social, que parece que le tiene cogido el pulso) y se deje de jugar a ser un cuentacuentos (fantástico). Para eso ya tenemos a Spielberg y a Tim Burton.

El fin del mundo tiene fecha

2006-10-23T20:32:00.000+01:00

"Año 2027: el ser humano afronta su posible extinción. La humanidad ha perdido la capacidad de procrear, y el mundo se estremece ante la noticia de la muerte de la persona más joven de la Tierra, que tenía 18 años. Cuando el caos irrumpe, Theo (Clive Owen), un desilusionado ex-activista radical convertido a burócrata, es contratado por Julian (Julianne Moore) para ser el protector de la persona más buscada sobre la faz de la Tierra... Kee, una joven embarazada de ocho meses."

Esta es la sinopsis de una de las películas que mejores críticas está recibiendo en este momento y, francamente, el punto de partida es muy atractivo. La firma el mexicano Alfonso Cuarón ("Y tu mamá también") y el trailer no pinta nada mal.

Vean, vean...

Ahora mismo en nuestras carteleras más selectas. No se la pierdan. Yo tampoco lo haré.

Tarantino y la moneda del cine

2006-10-21T15:36:00.000+01:00

Quentin Tarantino es un director que simboliza perfectamente la cara y la cruz del mundo del cine.

El director de 'Pulp Fiction' representa la cruz: aprovecha su fama y sus resabidas aficiones (pelis y grupos setenteros, artes marciales, explotaiton...) para crear algún caótico film (véase Kill Bill) que, cuando menos, me hace sospechar sobre un cierto abuso de la parte productiva (entiéndase como negocio) del séptimo arte.

Pero es que el director de 'Reservoir Dogs' también representa la cara: un estilo, una capacidad narrativa y de dirección de actores, una puesta en escena, un gusto musical y una originalidad absolutamente admirables.

Anoche revisioné 'Jackie Brown' y, ¿saben? me parece una cinta brillante, una nota alta al no siempre correcto Quentin. De hecho, si no la mejor (tiene alguna carencia de guión bastante importante), es una de las mejores pelis homenaje al cine negro setentero que se han realizado jamás.

Les resumo todos los adjetivos que podría armonizar sobre el film en esta estupenda secuencia:

¿De qué cara caerá la moneda con su próxima peli, 'Grindhouse'?

Vivir la vida. Frida Kahlo.

2006-10-19T12:49:00.000+01:00

Una mañana lluviosa de 1907 en Coyoacán, México, Frida Kahlo nació en la casa que su padre construyó unos pocos años antes. Su relación con su padre era muy cálida y cercana, pero en contraste, su relación con su madre era muy fría y distante y permaneció así a lo largo de sus vidas.

Un accidente brutal marca su vida. En 1925, teniendo l8 años viajaba en un camión - que se usaba como transporte público en aquella época- junto a su amigo Alejandro Gómez Arias regresando a Coyoacán despues de haber asistido a la celebración de la independencia mexicana de España. Un tranvía embiste al camión en la mitad curvándose éste más y más hasta estallar en muchos pedazos mientras el tranvía seguía avanzando. Una de las barras de hierro del tranvía atravieza a Frida de un lado a otro, a la altura de la pelvis. Ella dice: "a mí el pasamanos me atravesó como la espada a un toro". "Perdí la virginidad". Sexo y muerte se entrelazan.

Durante un mes estuvo entre la vida y la muerte, con la columna vertebral rota, la clavícula, las costillas, la pelvis, la pierna y el pie derecho fracturados en diversos lugares.

Encuentro con lo real que marca su vida dividiendo un antes y un después. Se rompe la cubierta imaginaria, las cosas pierden espesor, cuerpo, quedando al desnudo un mundo desprovisto de sentido. La pintura funcionará como marco.

Un año después le escribe a Alejandro:
"¿Por qué estudias tanto? ¿Qué secreto buscas? La vida pronto te lo revelará. Yo ya lo sé todo, sin leer ni escribir. Hace poco, tal vez unos cuantos días era una niña que andaba en un mundo de colores, de formas precisas y tangibles. Todo era misterioso y algo se ocultaba; la adivinación de su naturaleza constituía un juego para mí. ¡Si supieras lo terrible que es alcanzar el conocimiento de repente, como si un rayo dilucidara la Tierra! Ahora habito un planeta doloroso, transparente como el hielo. Es como si hubiera aprendido todo al mismo tiempo, en cosa de segundos. Mis amigas y mis compañeras se convirtieron lentamente en mujeres. Yo envejecí en algunos instantes, y ahora todo es insípido y raso. Sé que no hay nada detrás, si lo hubiera lo vería..."

Al año es nuevamente internada y le descubren una fractura en la vértebra lumbar que determina el uso de varios corsés de yeso durante meses. Años después, sometida a la inmovilidad para combatir el aburrimiento y olvidar el dolor, empezó a pintar.

A la edad de 22 años se casó con un hombre con tendencia a la infidelidad, el muralista Diego Rivera, 21 años mayor que ella. Su relación consistió en amor, aventuras con otras personas, vínculo creativo, odio y un divorcio en 1940 que solamente duró un año. Al matrimonio lo llegaron a llamar la unión entre un elefante y una paloma pues Diego era enorme y muy gordo mientras que ella era pequeña y delgada. Como resultado del accidente de autobús y tres abortos, Frida no tuvo hijos y a menudo se volcó en sus muñecas y sus mascotas para consolarse durante tiempos de desesperación y soledad.

A pesar de las aventuras de Diego con otras mujeres (que llegaron a incluir a la propia hermana de la pintora), él la ayudó en muchos aspectos. Él fue quien le sugirió a Frida que vistiera con el traje tradicional mexicano consistente en largos vestidos de colores y joyería exótica. Esto, junto a su semblante cejijunto, se convirtió en su imagen de marca. Él amaba su pintura y fue también su mayor admirador. Frida, a cambio, fue la mayor crítica de Diego y el amor de su vida.

Fumó, bebió, a menudo usaba lenguaje vulgar en fiestas para escandalizar a sus amigos y no le importaba el distorsionar la verdad para embellecer algunas de las historias que contaba. Ella pintó su propia realidad, dijo, y viajó por el mundo para mostrar y algunas veces escandalizar al mundo del arte con sus trabajos creativos.

A veces vivió en dos mundos diferentes y se hallaba divida entre su amor por Diego y su amor por su nativo México. Era políticamente activa pero no siempre "políticamente correcta" y al final de su vida dedicó sus pinturas a sus convicciones políticas. Sufrió mas de 30 operaciones a lo largo de su vida que la dejaron con cicatrices físicas y mentales. A pesar de los años de dolor y sufrimiento, continuó haciendo lo que le gustaba hacer…pintar. Una vez, mientras estaba hospitalizada dijo "Cuando salga de aquí, hay tres cosas que quiero hacer…pintar, pintar y pintar". Y eso es lo que hizo.

Aunque más de una vez consideró la idea del suicidio, fue su amor por Diego y su pasión por la pintura lo que la mantuvo viva. Al final, fueron los narcóticos que tomaba para sobrevivir los que mataron su habilidad de pintar. Una noche lluviosa en Coyoacán, México, Frida Kahlo falleció en la casa donde nació 47 años antes.

Fue una vida extraordinaria para una mujer extraordinaria. Aunque Frida se ha ido, su legado vive en más de 200 cuadros, dibujos y esbozos que dejó detrás suyo. No podemos ver sus pinturas sólo como autorretratos o naturalezas muertas, sino que hay que buscar el autentico significado y emociones escondidos detrás de la pintura…

Además, existen dos películas que versan sobre la vida y obra de esta artista, 'Frida, naturaleza viva' (1986) y 'Frida' (2002), con Ofelia Medina y Salma Hayek asumiendo el rol protagonista, respectivamente. Revisioné esta última versión hace poco y no puedo hacer otra cosa si no recomendárosla (mención especial a la maravillosa banda sonora original) porque me parece un film indispensable para adentrarse en el increible e íntimo mundo de la genial Frida Kahlo.

Sus últimas palabras en su diario fueron:

“Espero que la marcha sea feliz y espero no volver”

+info: 1st art - Wikipedia -Psikeba - FKF - Publispain

Unique (Única)

2006-10-17T20:53:00.000+01:00

Video experimental, duro e introvertido, que creé hace cosa de un año, realizando pruebas para el cortometraje que ahora estoy montando. Sólo lo presenté a un festival y fue seleccionado.

Decidí no presentarlo a más festivales.

Todos tenemos algún problema al que enfrentarnos cada día.

Quizás, volando al pasado, podríamos buscar ese camino... el camino hacia la salvación.

El camino al perdón.

Mis imágenes

2006-10-16T12:00:00.000+01:00

Todos tenemos una carpeta llamada 'Mis imágenes', donde cada uno alberga las imágenes que, por algún extraño motivo, le cautivan, le apasionan o simplemente necesita poseer.

Aquí os muestro un poquito de la mía, con una imagen sorpresa incluída...

P.D: Pueden seguir jugando al divertido juego y añadiendo sus puntuaciones (abajo)

Encuentra las 50 pelis del cuadro

2006-10-10T11:46:00.000+01:00

Sí, bellotos, un juego para que vuestras neuronas por fin vuelvan de las vacaciones y para demostrar lo cinéfilos que creeis ser.

[Vía Marnie La Litrona]
La cosa va del siguiente modo: Dentro de este cuadro inspirado en las pinturas de El Bosco están representadas 50 películas de terror, misterio o ciencia-ficción partiendo de su título original en inglés (la versión española de la IMDB os puede ser muy útil para comprobar cómo se escriben). Cuando creáis que habéis encontrado una, clic encima de la imagen y escribís la respuesta dentro del recuadro. Para verificar si es correcta, basta con pulsar sobre la flecha del extremo: si se vuelve verde significa que has acertado; si se pone rojo… llama a Spielberg y se lo preguntas ¿eh?

Todo esto es una iniciativa de M&M's, por ello aparecen algunos cacahuetitos bailando.

Cuando os deis por vencidos, decidnos con sinceridad vuestra puntuación y haremos un ranking de los bellotos más cinéfilos... Despues publicaré las respuestas.

Ale, a pasarlo bien jugando con este divertido juego. Mucha suerte.

¿CUANTAS HAS ACERTADO TÚ?

Cine de ensueño. Próximos estrenos.

2006-10-07T13:11:00.000+01:00

Bellotos, prácticamente a contracorriente sin duda creo que estamos en un magnífico momento cinematográfico en lo que a calidad y originalidad de las propuestas se refiere.

La vida eterna, la extrañez de los sueños, el paso efímero del tiempo, un misterioso ilusionista, una pesadilla desconcertante o incluso un laberinto de monstruos imposibles.

Sin más, aquí os invito a que disfrutéis con los trailers/teasers de seis películas que espero con una impaciencia y un buen presentimiento sin precedentes. Todas se están estrenando en España en estos momentos en el Festival de Sitges. Muy pronto en cines. ¿Te las vas a perder?

The fountain.

Darren Aronofsky, el director de la imprescindible Requiem por un sueño nos lleva a un viaje a través del tiempo de un hombre (Hugh Jackman) hacia el pasado, el presente y el futuro en un recorrido de 1000 años en búsqueda del amor.

La ciencia del sueño.

Michel Gondry, magnífico en su trayectoria de realizador de videoclips inolvidables y con la oscura Olvídate de mí como precedente, nos adentrará en la historia de un hombre (Gael García Bernal) que, preso por las personas que aparecen en sus sueños, tratará de despertarse y tomar el control de su propia imaginación.

Time.

El director coreano de la mágica Hierro 3, Kim Ki-Duk nos regala una curiosa historia de una pareja que no pasa por su mejor momento, o, al menos eso es lo que piensa ella, carcomida por los celos y la aparente rutina en la que ha devenido su pasión. Los sentimientos de culpa que la atormentan la harán decidirse por acudir a un cirujano plástico que altere su rostro.

The illusionist.

En un mundo donde nada es lo que parece, un prestidigitador y un inspector de policía se enfrentan en un desafío de voluntades para determinar dónde acaba la realidad y dónde comienza la magia… Duelo de titanes entre Edward Norton (El club de la lucha) y Paul Giamatti (La joven del agua).

Tideland.

Uno de los maestros del cine contemporáneo, Terry Gilliam (con la mágica 12 monos como referente) nos adentra en la historia de una pareja de yonquis y su pequeña hija que habitan una casa destartalada. La mujer muere repentinamente y padre e hija se trasladan a una desvencijada mansión en el campo. Cuando el padre muere, la niña se construye un mundo imaginario poblado por extraños personajes.

El laberinto del Fauno.

Una noche Ofelia descubre las ruinas de un laberinto donde se encuentra con un fauno, una extraña criatura que le hace una increíble revelación: Ofelia es en realidad una princesa, última de su estirpe, a la que los suyos llevan mucho tiempo esperando. Para poder regresar a su mágico reino, la niña deberá enfrentarse a tres pruebas antes de la luna llena. Guillermo Del Toro (Hellboy) a la cabeza en una más que interesante película.

¿Realmente te las vas a perder? Algo me dice que algunos de estos films van a ser MÍTICOS...

Zumo de bellota II: "Foutaises", de Jean-Pierre Jeunet

2006-10-02T22:40:00.000+01:00

Si existe un cortometraje que roza la perfección visual ése es 'Foutaises' (Insignificancias)

Dirigido por el siempre sorprendente Jean-Pierre Jeunet, el realizador de películas inolvidables e indispensables como la extraña 'Delicatessen', la inocente fábula 'La ciudad de los niños perdidos' o la archiconocida y efectiva 'Amelie' se encarga, justo en el genial momento de tener treintayseis añitos y una larga lista de proyectos anteriores (varios cortometrajes, videoclips, publicidad...), de crear una obra sin precedentes, íntima y personal al mismo tiempo que extrovertida y arriesgada.

'Foutaises' toma al pintoresco actor Dominique Pinon, lo rodea de un ambiente cotidiano y de situaciones típicas y tópicas y lo lanza a un monólogo simplón de 'me gusta/no me gusta'. Todo lo que a priori podría pasar por un salto al vacío sin red se torna, con un estilo visual impecable, un sentido de la composición, iluminación y ritmo absolutamente magistrales, en un fantástico e inolvidable viaje a un mundo tan cercano como imposible y tan lírico como mítico. La opresión constante con tonos oscuros y sombras predominantes contrasta con la simpatía y comicidad de las situaciones y baila al mismo tiempo con la ironía y exageración de la voz en off.

Ganador de multitud de premios internacionales, entre ellos un César (los Goya franceses) al mejor cortometraje de ficción en 1991, esta pieza va a manifestar un estilo y unas peculiaridades características del director que después empleará en posteriores films: el actor Dominique Pinon, París como escenario, la dicotomía “me gusta / no me gusta”, la niñez, la nostalgia, los homenajes a los directores Marcel Carné y Jacques Prévert...

Sin más, bellotos, pónganse cómodos y disfruten del cortometraje (los subtítulos tienen algún desperfecto, pero es algo sin importancia). Ahí va:

Bienvenido

2006-09-25T19:31:00.000+01:00

Ya por tierras españolas, tras una experiencia indescriptiblemente maravillosa y emotiva por tierras germanas, con el cuerpo renovado y con las ideas frescas, con proyectos de presente y de futuro, con nuevos amigos en multitud de países y con muchas muchas sorpresas para esta nueva temporada de La Bellota Radiactiva.

Antes de nada, felicitar a nuestros compañeros de Escorto (festival al que no pude asistir) que han logrado levantar con ilusión y trabajo una pequeña gran piedra en el maravilloso mundo del cortometraje. Chapó.

Dar las gracias, por otra parte, al apoyo que los amiguetes alemanes del festival Contravisión nos ofrecieron, invitándonos a tan magno evento en la capital de la cerveza, donde pude visionar numerosos cortos de ficción y animación, algunos soberbios, demostrando que el nivel europeo es bastante elevado.

Y también desde aquí, cómo no, desear toda la suerte del mundo a tres cineastas (y personas magníficas): Koldo Serra, estrenando su ópera prima 'The Backwoods' en el Festival de San Sebastián; Nacho Vigalondo, en plena grabación de su también ópera prima 'Los Cronocrímenes'; y a Iván Sáinz-Pardo que comienza su andadura festivalera en Valladolid con el cortometraje 'El último viaje del almirante'.

Y a todos vosotros, bellotos, gracias por visitarnos de vez en cuando (cuando la palabra bellota pasa por vuestras vidas), por recordarnos simplemente o por seguirnos con afinidad y cariño. Vosotros sois nuestra ilusión. Y aquí seguiremos. En cualquier sala de este cine interactivo que es La Bellota siéntese, póngase cómodo y disfrute leyendo, viendo y escuchando todo lo que aquí le ofrecemos. Recorra esta, su web y añada comentario donde mejor le parezca y apetezca. Queremos escucharle.

Disfruten de su estancia bellotos. Amor para todos.

Morir o morir. "La lista de Schindler" (Review)

2006-09-14T19:59:00.000+01:00

"Cuando un film debe hacerse excelente, si contamos con los mejores, probablemente sea impecable"

Créanme. Tras visitar la exposición "Topografía del terror" enterrada en lo que durante muchas décadas fue el edificio central de operaciones y decisiones del ejército de Adolf Hitler en Berlín, la consagrada película de Steven Spielberg "La lista de Schindler"(1993) se aprecia con otros ojos muy diferentes.

Comienza impactando, atraparás al público en su butaca. Y es que esta es una lección muy aprendida por el ya sobrado maestro Spielberg, que nos deleita con uno de los mejores inicios de film de la historia. En ausencia de color (toda la película versará en esta tonalidad) vemos unas manos que encienden unas velas, las llamas ligeramente coloreadas, títulos de crédito insertados con sutileza para mostrarnos el momento (tras el paso del humo de las velas al humo de los trenes que llegan a la estación) en el que los elegidos buscaban su nombre en la lista de Schindler. Ahora, ya podemos presentar al personaje, elegantemente, con detalles fotografiados con delicado mimo, a destacar en todo el film. La chapa con la esvástica nazi será símbolo identificativo del personaje, y al mismo tiempo le dotará de un simbolísmo moral peculiar. Y es que Oskar Schindler (Liam Neeson), es un hombre elegante, ambicioso pero humilde, discreto pero conciso, valiente y sobrecogedor, un millonario amante del vino, la buena comida, los paseos a caballo y las mujeres. Estará casado, pero las mujeres son una de sus debilidades más profundas.

Schindler: "Todos mis negocios anteriores fracasaron porque faltaba algo"
Sra. Schindler: "La suerte"
Schindler: "La guerra"

Y así, este hombre de enorme astucia y talento para las relaciones públicas, diseñará un ambicioso plan para ganarse la simpatía de los nazis más poderosos. Alemania acaba de invadir Polonia y, gracias a sus influencias, consigue la propiedad de una fábrica (Deutsche EmailWarenFabrik) de Cracovia, primero fabricarán chatarra y después será una falsa fábrica de armamento. Allí empleará a cientos de operarios judíos, cuya explotación laboral le ayudará a prosperar rápidamente. Su gerente (el impecable Ben Kingsley), también judío, es el verdadero director en la sombra, pues Schindler no tiene el menor conocimiento industrial.

Un didáctico y francamente frío desarrollo de múltiples secuencias relevantes hace avanzar la historia: los soldados alemanes vaciando las maletas de los pasajeros del tren de la muerte, un soldado alemán tocando una obra de Mozart mientras ocurre la matanza en el mismo edificio, el Herr Komandant Amon Goeth (el espectacular Ralph Fiennes) francotirando desde su terraza a los judíos que ve parados, sin trabajar (secuencia que levantaría una gran polémica por la supuesta inexistencia real de esas colinas colindantes desde las que dispara) , las mujeres en Austwitz con el pelo corto desnudas bajo las duchas...y un largo etcétera de moméntos espléndidos y secuencias muy cuidadas desde el guión (Steven Zaillian) y mimadas en dirección y fotografía.

Schindler: "La guerra saca a la luz lo peor de cada persona"
"El poder está en la capacidad para perdonar al que espera la muerte"

Y es que el comandante Goeth se convierte en el alter ego de Oskar Schindler, es la persona que él siempre ha querido ser, amado por las mujeres, querido por todos, derrochando tranquilidad y decisión, poder y elegancia. Así, se convertirán en amigos, en negociantes contínuos, siempre en un ambiente de respeto, de admiración, de mentiras, de incertidumbre y desconfianza al mismo tiempo. Esta relación es sin duda una de las más interesantes y ambiguas del film. No hay tiempo para el amor. No hay amor. No hay tiempo para la comedia. No hay comedia.

Aplauso y medio para la banda sonora del siempre acertado John Williams, con ese leitmotiv que resuena en nuestros tímpanos con sólo escuchar la palabra Schindler y aplauso doble para la emotiva, delicada y muy efectiva fotografía de Janusz Kaminski.

Cuando Schindler anuncia a los empleados y soldados vigilantes de su fábrica el fin de la guerra asistiremos en breve al también criticado final americanizado a los que nos acostumbra Spielberg (véase Jurassic Park, por poner un ejemplo). Sin embargo, en éste rescato un punto de extremo valor simbólico, poético y sentimental que me hace evadirme y disfrutar de ese quizás desafortunado desenlace. El emblemático anillo elaborado por sus protegidos con el oro de la dentadura de su gerente, rezando la inscripción:

"Quién salva una vida, salva el mundo entero"

Amigos bellotos, puedo respirar el limpio aire de esta ciudad, Berlín, y sentir que el viento nunca olvida y que el recuerdo de miles de personas está todavía entre nosotros. El aire, todavía fresco, se desliza por las hojas de los árboles, se introduce sigilosamente en las casas, acaricia con cuidado las calles, susurra misterioso en la noche.

El aire, desapercibido, posee la vida eterna. Nunca morirá.

Explosión sensorial

2006-09-05T20:23:00.000+01:00

Bueno, bueno, pues desde un recóndito ciber de Berlín retorno momentáneamente a este desaforado ciberespacio, para saber qué pasa en ese mundo ahora tan lejano, para atisbar brevemente la vida de mis amigos blogeros, para responder vuestros mails, para visionar los trailers de los proximos estrenos cinematográficos y, también, para deciros qué hago por estos lares berlinescos.

Pues bien, bellotos, lo que he podido saborear de Berlín no es otra cosa que pluralismo en todos los sentidos: social, ideológico, cultural, sensorial... realmente impresionante. Pasear por esta mítica ciudad es respirar un aire nuevo, lleno de frescor y sabiduría. Vale, es verdad que parezco Paco Martínez Soria rodeado de alemanitas, pero es una experiencia sin igual.

Estoy aprendiendo alemán en una escuela muy actualizada a los tiempos que corren, rodeado de amiguetes made in USA y surcoreanitas que hacen que el tiempo lectivo no sea más que un tierno y francamente divertido momento de entretenimiento.

Aparte de las obligadas visitas turísticas a puntos emblemáticos de la ciudad y del necesario descubrimiento del ocio residente, disfruto de un free time maravilloso para degustar números atrasados de Fotogramas, Travelling, Neo2... y demás Spanish Staff, para revisionar películas magníficas como "Hierro 3", "2046" o "Cube", para pasar horas y horas escuchando las geniales y variopintas emisoras musicales alemanas y redegustar una de las series más angustiosas de todos los tiempos, "Twin Peaks". Toda una explosión sensorial.

Por cierto, he adquirido un enorme cuadro bellamente enmarcado de "Metropolis" (Fritz Lang) por un ridículo precio en un fantástico mercadillo dominical de segunda mano. Toda una joya.

Goldene Träume. Destino: Berlín

2006-08-29T20:32:00.001+01:00

Eso es bellotos.

Probablemente sea la última beca que disfruto en mi vida, el último humilde dinero que me cede el Estado para saciar mi sed viajera. Marcho a Berlín durante tres semanitas, gastos pagados, para, por fin, tras un largo y trabajoso verano, poder disfrutar de unas minivacaciones en forma de descanso y aprendizaje de una nueva cultura, para la observación de nuevas gentes, para aprehenderme a una ciudad plagada de mestizaje y misterios, emblemática y sensual.

Veintiún días para cerrar los ojos, dejarme llevar, para sentir el viento, para observar todo lo que me rodea, para inmiscuirme en un nuevo mundo, ajeno a todo lo convencional.

Me despido de ustedes para asegurarles que a la vuelta de este enigmático viaje volveré con las pilas cargadas para rematar muchas sorpresas venideras... Bis Bald!! (¡hasta pronto!)

Y no olvideis que...

La última flor

2006-08-21T00:22:00.000+01:00

Narración audiovisual obviamente arriesgada tratada en clave poética, oscura y desarrollada en un efectivo plano secuencia. Los directores: Lucas Godoy, Moisés Romero y Carlos Nash, tres estudiantes de cine en Buenos Aires.

¿La rosa blanca o la roja?

Celebración

2006-08-15T22:50:00.000+01:00

A la 1 de la madrugada del 16 de Agosto de 1982 este extraño planeta en medio de la nada dio la bienvenida a un pequeñito y revoltoso ser llamado Rubin con muchas ganas de vivir... de amar... de sentir... de soñar...

Bigas, Bigas, Bigas...

2006-08-13T02:17:00.000+01:00

Esto... la situación...

...se te va de las manos.

Imanol Arias es Dios

2006-08-09T21:22:00.000+01:00

¿Alguna vez te ha abofeteado una mujer? (Sevilla Press)
-“Sí, sí, tengo cincuenta años y he pasado por todas las épocas.En el 70, te caneaba, no me ha maltratado ninguna, pero en los 70 las chicas eran muy modernas y pegaban”

¿Eres muy discutidor? (Sevilla Press)
_”Sí, a los hombres no nos gusta hablar, discutimos, y como soy hombre me hago la víctima “

¿Te has planteado el final de tu carrera como actor? (Sevilla Press)
-“No, pero soy coherente, me gustaría hacer lo que me guste, lo que me divierte, si me cae algún papel como El Cid, pues bien, pero me rodearé de buenas historias”

¿Ha sido difícil salirse del papel de Antonio Alcántara? (El País)
-En el rodaje a veces decía: "Espera, vamos a repetir, que me ha salido Alcántara".

¿Qué pone Imanol Arias de su experiencia como ciudadano en Antonio Alcántara? (Diario de León)
-Ahora estoy con las frases que escucho por ahí, dado que he descubierto que Antonio tiene una cierta facilidad para instalar en su memoria palabras como por ejemplo mangarrián, tontolaba, la hospitalera y empiezo a buscar otras para meterlas en las escenas.

¿Cómo ven sus hijos su papel en la serie? (Diario de León)
-Mi hijo mayor, que tiene 17 años, es músico y punky, ve en la serie a su padre y a su abuelo. La sigue con enorme pasión y es muy crítico cuando todos los jueves, a las diez de la noche, vemos la serie en la televisión.

¡Aaahh, se me olvidaba! HOY HE SIDO DOBLE DE LUCES DE IMANOL ARIAS.

Más azul que el terciopelo... era la noche

2006-08-01T23:40:00.000+01:00

'Terciopelo azul' ('Blue Velvet' 1989) es una de las películas más dulces que he visto en mi vida. Dulce, sobre todo, porque se deja saborear desde el primer hasta el último plano. Dulce porque es la sencillez a la máxima potencia. Dulce porque es un poema visual. Dulce porque es un sueño sin sentido.

'Terciopelo azul' es una de las películas más agrias que he visto en mi vida. Agria, sobre todo, porque se deja saborear desde el primer hasta el último plano. Agria porque es la sencillez a la máxima potencia. Agria porque es un poema visual. Agria porque es un sueño sin sentido.

Y es que cualquiera de estas dos sensaciones son las que experimento al dejarme llevar por este, cuando menos, excitante film. Increíblemente, el batacazo de Dune (1984) no puso punto final a las relaciones entre David Lynch y Dino de Laurentis. Este último aceptó producirle otra película y darle control sobre el montaje final (fundamental para David tras el recorte de más de dos horas y media en el metraje original de Dune) siempre y cuando se las arreglara con un presupuesto reducido. De esta forma Lynch pudo volver al cine personal, retomar en cierta medida el estilo y el universo de la mítica Cabeza borradora, pero envolviéndolo en un papel transparente, menos surrealista de lo habitual, más comercial (si esta palabra se acepta en el diccionario Lynch...).

Lumberton es un pueblo maderero americano, como otro cualquiera. En cada esquina de Lumberton se respira armonía. Las casas circundadas por césped reluciente y vallas blancas emanan orden y tranquilidad... Pero debajo de esa superficie bucólica, de esas construcciones aparentemente plácidas, se esconde el caos, la violencia y la turbiedad. Todo esto en un comienzo de film absolutamente magistral, planos inolvidables y coreografía imponente bajo la mágica (y explícitamente maravillosa) canción convertida en absoluto leit motiv como elemento principal e identificativo del film: ‘Blue Velvet’ de Bobby Vinton (escrita en los 50 por Bernie Wayne).

A través de los personajes de Kyle MacLachlan (muy sólido como alter ego evidente de Lynch que es Jeffrey) y Laura Dern (demasiado sosa por momentos en el papel de la angelical Sandy), ansiosos de curiosidad y morbo (él ha encontrado una oreja en descomposición y se dispone a descubrir caprichosamente el porqué de la situación), el espectador es bajado directamente a los infiernos de la sociedad, representado por la inquietante cantante de club de carretera Dorothy Vallens (inconmensurable Isabella Rossellini) y por el despiadado psicópata que encarna peculiarmente Dennis Hopper (el neuróticamente odioso Frank Booth).

Una invitación con pase VIP hacia un submundo íntimo, personal, cerrado, extraño y oscuramente onírico. Una invitación a descubrir lados abstractos de la naturaleza humana: la perversión, el voyeurismo, la provocación, el masoquismo, la violencia... Una invitación a la reflexión sobre la veracidad de todo lo que nos rodea, a un mundo de apariencias, a una doble cara de cada humano, al rechazo de nuestra naturaleza salvaje, a la separación o unión entre amor, pasión, morbo y atracción.

El misterio enigmático como hilo conductor de una trama que a veces peca de descuido en sus diálogos (ocupan tiempo más que hacer avanzar la historia) pero con una más que cuidada puesta en escena y construcción del ritmo narrativo, con picos de tensión notablemente agudos y llenos de hostilidad y crudeza, acompañados por una genial conjunción de lo visual (inundaciones de azul y rojo, texturas muy correctas, un empleo de la cámara que mima a los actores cuando ha de hacerlo y los golpea cuando lo necesitan) con lo sonoro (la excepcional y oscura banda sonora de Angelo Badalamenti). Sin duda, lo mejor.

«El cine debe tener fuerza. La fuerza del bien y la fuerza de la oscuridad, para que puedas tener escalofríos y agitar las cosas un poco. Si te apartas de esas cosas, caes en picado en la basura de lo tibio.»

David Lynch

¿Qué separa la luz de la oscuridad? La curiosidad.

Tal día como hoy...'Palabras a cada rato'

2006-07-24T19:54:00.001+01:00

Hoy.

Descubro que un ferviente belloto ha subido al Youtube el ya mítico experimento 'Er crú de la lusha', visto más de 600 veces y linkeado desde sitios tan variados como http://www.altafidelidad.org/ (en un foro dedicado a David Fincher), http://www.celebritywonder.com/ (no sé qué hacemos por aquí, entre tanta 'celebridad'), http://www.clubedaluta2003.blogger.com.br/ (Blog brasileña dedicada única y exclusivamente al film original).

Hoy.

Varios políticos juegan al golf.

Miles de personas se disparan. Se hieren. Se matan. Mueren.

Miles de niños mueren de hambre, de sida o de cualquier enfermedad. Al menos salen en televisión. Eso sueñan los de aquí.

Hoy.

Aparece en internet el corto documental 'Palabras a cada rato', producido por Unicef y dirigido por Rubin Stein, permitiendo amplificar las voces de los niños hasta unirlas todas para conformar un grito simbólico y despiadado por todos los ordenadores del planeta. Un grito blanco. Un grito negro. Un grito sano y sensato. Un grito silencioso...

Puedes verlo pinchando AQUÍ o descargártelo AQUÍ.

...un mundo mejor

...sueño eterno

...baile de rosas

¡Qué tiempos aquellos!

2006-07-18T18:19:00.000+01:00

Siempre me han encantado los 'Caballeros del Zodiaco' ('Saint Sheiya'). Tienen un toque místico, un afán espiritualista y una base de ensalzamiento del honor que hacen que no te sientas como un niño cualquiera, sino que te sientas un niño luchador, con honor, valorando la amistad y el trabajo en equipo y desafiando a todos los malos que se crucen en tu camino... como en la vida real.

Mi bocadillo de nocilla y yo eramos siempre fieles a esas emisiones telecinqueras.

Recuerdo que con mi grupito de amigos, jugábamos a ser los propios Caballeros y a darnos de hostias sin piedad. Yo siempre era......

EL CABALLERO DEL DRAGÓN

nombre: SHIRYU
Edad : 14
Cm : 172
Kg : 53
Nacimiento - Signo: 04/10-Libra
Sangre: A
Origen: Japón
Lugar de Entrenamiento: China.Monte Rozan.5 Picos
Nota: Su maestro es DOHKO, Caballero Libra, tambien llamado ROSHI (Antiguo Maestro).
Técnicas Especiales: Rozan Kou Ryuu Ha (Dragón Naciente) Rozan Shou Ryuu Ha (Dragón Ascendente) Rozan Ryuu Hi Shou (Vuelo del Dragón) Escálibur (heredada)
Último Dragón

Os invito a pasaros por la fantástica güeb española de Los Caballeros del Zodiaco donde encontrareis toda la historia de las diferentes sagas, los datos de cada caballero (bronce, oro, plata...), enlaces, juegos... y un montón de enlaces para que estos geniales dibujos animados vuelvan a invadir tu recuerdo.

Y, por último, un último descubrimiento de la humanidad. Un hallazgo sin precedentes en la historia de la evolución fotosintética de las mariposas: Andrómeda es algo femenino.

Vía nuestro coleguita SoulRebel, disponemos del vídeo que así lo demuestra. Un crudo documento que creará polémica, sin duda, en Chueca.

Por cierto, ¿tú qué Caballero eras?

Madrid

2006-07-16T10:09:00.000+01:00

Madrid. Madrid. Madrid.

Al ver este crudo, hiriente y oscuramente verídico documento descriptivo de las condiciones que manifiesta la Gran Vía madrileña:

...inevitablemente me ha llevado al recuerdo de este atractivo e inquietante inicio de un gran film:

¿Irreversible?

Así suena el cine

2006-07-11T12:37:00.000+01:00

Toma de videocombo del nuevo cortometraje de Iván Sáinz-Pardo "El último viaje del almirante", que narra de un modo peculiar las últimas horas de la vida de Cristobal Colón.

Desde aquí, y como siempre, le deseamos toda la suerte del mundo.

Todavía estás a tiempo...

2006-07-08T20:24:00.000+01:00

No te arrepentirás.

Domingo 23 Julio, en el XII Festival Internacional de Benicàssim

Ojos bien abiertos

2006-06-19T23:10:00.000+01:00

No pueden imaginarse lo difícil que es hacer esto.

Belloclips II: La simplicidad de la clase

2006-06-17T11:14:00.000+01:00

Bellotos, alegremos un momento de nuestro día escuchando estos dos grandes temas que os ofrezco hoy. Y, además, los que puedan, que se detengan a observar ambos videoclips, su composición, su estilo sencillo y simplista: su clase.

Que nadie se tome esto como una lección de 'clase y estilo'. No. Por Dios. Esto parecería 'Sexo en Nueva York' o 'Comando G'. No, no somos tan pedantes. Simplemente son conceptos y variantes que Rubin usa en su videocinéfaga existencia cotidiana, que él mismo define, cuantifica y valora, y que hoy compartimos con todos los bellotos, por si quieren añadirlos a su videodiccionario.

¿Qué coño es un videoclip con clase? No lo sé. Sin embargo, es una impresión que se queda en la retina. Hacer un videoclip de un cantante malote y chulo a más no poder, sin mostrar a ese cantante tocando con su banda y ofreciéndonos una historia, un minicorto con moraleja, es un capricho altamente explosivo y sugerente. Si además la factura técnica busca pasar desapercibida y sólo se justifica como ensalzamiento de lo necesario, tenemos todos los ingredientes para disfrutar de un videoclip totalmente opuesto a los que inundan hoy las cadenas musicales. La clase es algo difícilmente descriptible a la par que fácilmente transferible. No confundamos clase con estilo, algo, a mi modo de ver, totalmente distinto, dado que al hablar de estilo nos vinculamos más a la creatividad y solvencia del realizador.

Aquí pueden ver 'Beat it' del genial Michael Jackson del año 1982. Cuando yo nací, este tipo ya estaba bailando. Escenografía e iluminación cuidadas, discretos toques de humor, movimientos inteligentes de cámara y una coreografía sencilla pero eficaz conforman este gran videoclip ochentero, con el lema de 'No a la guerra'.

Y aquí el maravilloso 'Bitter-Sweet Symphony' de The Verve. Esta sinfonía agridulce siempre ha sido uno de mis temas favoritos a la hora de resurgir cual ave fénix de algún estado de desánimo... Absoluta sencillez en su desarrollo para lanzar un mensaje obvio. Sin duda, a veces, es necesario ir a contracorriente.

Que disfruten de un buen fin de semana.

Sinestesia de un orígen: "Fantasía"

2006-06-15T10:50:00.000+01:00

La formación y evolución de la Tierra está ilustrada de un modo peculiar en la película de Walt Disney "Fantasía" (1940), un trabajo donde se intentó aunar la animación con la música clásica. Muchos lo consideran el elemento precursor del videoclip.

La sinestesia, del griego συν, 'junto', y αισθησία, 'sensación', es, en retórica y estilística y en neurología, la mezcla de impresiones de sentidos diferentes. Curiosamente, la sinestesia es también un fenómeno real, es decir, algunas personas ven colores cuando oyen o leen letras y números, lo que consiste el tipo de sinestesia más frecuente. Otras saborean sonidos, colores, etc

Con todo, la peli está dividida en ocho segmentos. Adentrémonos en ellos.

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PRIMERA PARTE: MÚSICA EN SI MISMA

BACH, "TOCATTA Y FUGA EN RE MENOR"

Aunque a la primera sección del video la denominan como "música en sí misma" podemos apreciar cómo se emplean determinados colores e imágenes para acompañar a diferentes situaciones musicales. El color azul del fondo da un cierto ambiente de frialdad ante algo que todavía no conocemos, vislumbrando únicamente la sombra de los músicos, eso sí, contraponiéndose a una voz muy cálida (grave) que estabiliza esta secuencia inicial. Destacar que el fondo azul se torna rojo al mismo tiempo que la música se torna grave. También la calidez de los colores se manifiesta al interpretar los diferentes instrumentos musicales, según sea su tonalidad.

A continuación, aparecen imágenes simbolizando los diferentes instrumentos al tocar (cuerdas, círculos., teclas de un piano..) que se mueven de acuerdo con la música, es decir, música implica movimiento.

De eso se trata, pues, de interpretar la banda sonora aportando imágenes que refuercen el sentimiento intencionado. Así, por ejemplo, en un momento determinado hay un vaivén musical y lo representa mediante oleajes, tempestad. Por otra parte, aparece un halo de luz blanca con música celestial, todo muy simbólico.

TCHAIKOVSKY, "SUIT DEL CASCANUECES"

Pequeñas hadas revolotean al ritmo musical y van encendiendo todo de colores, lo sonoro va siendo iluminado en cierta medida. Encontramos fortuitamente unas setas que bailan, la música se acelera y ellos también hasta que la música de repente cesa y una de las setas se cae. La sincronización entre velocidad de música y de imagen parece muy lograda y consigue hacernos sentir nerviosismo (aceleración) e incluso tranquilidad (música lenta). Además, los parones de música (silencios) casi siempre corresponden con fundidos a negro de imagen, manifestando una cierta ausencia, e incluso justificando una elipsis temporal o espacial.

Realmente creo que en esta parte del film es mas importante la sinestesia de "composición en sí misma", es decir, no solamente debemos limitarnos a percibir tonos graves y agudos, e identificarlos con colores, sino más con la pura composición sonora que incita a contar una historia con imágenes y movimiento, dando sensaciones de angustia, ilusión, misterio.... El espectador debe inmiscuirse en nuestra historia con todos sus sentidos.

Aparecen personajillos repetidos bailando, con cada golpe fuerte vuelven a aparecer y al cambiar de instrumento aparece otro tipo de personajes: hombres, mujeres... Podría considerarse este film como el origen de la coreografía? y el origen del video clip musical?

Importante me parece también acentuar cómo en el momento en que la música se toca de una forma suave y paradisíaca los elementos vuelan, flotan en el aire, mientras que en otros casos (mayor ritmo y gravedad) retornan al suelo.

SEGUNDA PARTE. MÚSICA CUENTA HISTORIA.

PAUL DUKAS, "LEYENDA DE UN BRUJO Y SU APRENDIZ"

Ambiente de misterio cuando Mickey se pone el sombrero y hechiza la escoba.. Con un tono repetitivo inicia la caminata la escoba al mismo ritmo. Mickey se keda dormido y pasamos a tonos mucho mas frios, otros instrumentos musicales mas agudos tb. El golpe de platillo lo muestran como golpes de ola contra el acantilado y como truenos. Mata a la escoba con un hacha y todo se torna rojo, la musica se reduce casi a un silencio y a tonos graves. De nuevo volvemos a la melodía principal (de marcha) y renacen muchas escobas y comienzan a caminar. Furia del brujo y arrepentimiento de Mickey con musica muy suave.

IGOR STRAVINSKY, "LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA"

La voz del narrador y sus palabras consiguen transportarnos al espacio, hace millones de años. Destacar una música muy grave, con una fuerte tonalidad rojiza y golpes musicales representados por erupciones volcánicas.

Tempestad de aguas con música vibrante. Seguimos manteniendo la sincronía de ritmo entre música e imagen. De repente, todo se calma y pasamos de rojo a azul, con movimientos y música tremendamente suaves. Enorme ejemplo de sinestesia.

Bajo las aguas comienza a forjarse la vida.

Impresionante la aparición del tiranosaurio, con música frenética hasta alcanzar un clímax con su aparición, al mismo tiempo que se presentan imágenes muy rápidas de los diferentes dinosaurios mirándole, sintiendo su llegada. Magnífica también la lucha entre el tiranosaurus y el otro dinosaurio, con instrumentos musicales diferentes empleados para simbolizar a cada uno, con ataques del t-rex y respuestas de su oponente. Además, se ensalza la victoria del t-rex con un ímpetu musical tremendo.

De nuevo, colores rojizos para sugerirnos el calor del desierto, ya no tienen agua. Una serie de imágenes vivas del sol verdaderamente me provocan calidez y angustia cuando los dinosaurios van muriendo. Esos esqueletos en el ambiente rojizo me inspiran hasta un olor a podrido. Música e imágenes vibrantes de nuevo con los terremotos y movimientos de placas, cuando resurge el mar, y después, todo (audio-vídeo) vuelve a la calma.

APARECE LA BANDA SONORA

Es increíble cómo cuando el narrador le pide que simule varios instrumentos, parece como si yo (un espectador cualquiera) pudiera tocarlos, gracias a las imágenes tan representativas que recorren el instrumento por toda su escala musical. Instrumentos graves (batería, bombo..) con colores cálidos, mientras que platillos, violines, clarinetes... aparecen verdosos y amarillentos. Realmente, las sinestesias de Disney son repetitivas, a la par que efectivas.

BEETHOVEN, "SINFONÍA PASTORAL"

Tonos muy apastelados con una suavidad musical constante durante todo el comienzo. Los dos centauros tristes están con colores fríos y al unirse se cubre un telón rojo y las piernas de un querubín se torna en un corazón (continuas sinestesias colores-calidez). Mucho simbolismo. Aparecen los dioses y comienza el caos. Curioso cómo cuando el unicornio tapa a sus bebés con su ala, da sensación de calor y protección.

PONCHIELLI, "LA DANZA DE LAS HORAS"

De nuevo juega con lo mismo, siempre resaltando los golpes graves como momentos de tensión y nerviosismo, y a veces, incluso peligro; la música rápida, por otra parte, idónea para persecuciones o revoltijos...

MOUSSORGSKY, "NOCHE EN EL MONTE PELADO"
SCHUBERT, "AVE MARIA"

Ambiente tenebroso, imagen muy oscura. Con el Fuego, se crea un ambiente tremendamente cálido, cámara muy rápida. Con el "Ave María", sin embargo, damos un giro de 180 grados e iniciamos un viaje idílico...

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Realmente, me ha parecido una experiencia francamente interesante la de poder visionar este video y aprender, intuir y palpar los orígenes de lo que hoy en día es el mundo del "videoclip", ámbito que me apasiona, puesto que trata de expresar con imágenes lo que las música nos hace sentir. En mi opinión, y aún a sabiendas de lo que el significado de la imagen puede tratarse y manipularse, siempre he considerado que:

"La música es la única magia de la naturaleza que nos permite sentir que vivimos

y que nos ofrece vivir lo que sentimos"

What is love?

2006-06-13T12:38:00.000+01:00

El arte del ataque nocturno del supermacho, nunca mejor expresado. Baile sexy, cd potente y magreo con las nenas. No se pierdan el final del video.